Bonjour,
En attendant cette mythique réouverture des frontières , j'occupe un peu de mon temps à écouter de la musique du Maroc, du désert et plus largement d' Afrique et du pourtour Méditerranéen .
J'ai découvert un groupe marocain qui s'appelle Tasuta N'Imal que j'apprécie beaucoup . C'est de la musique du Sud .
Le clip est fait à Aït Benhaddou, à l'auberge Ayouz où j'ai séjourné déjà 2 fois . Donc çà me fait chaud au coeur et remue de bons souvenirs .
La musique adouci les moeurs et certains esprits s'étant échauffés sur le forum récemment, pourquoi ne pas tenter cette thérapie collective ...
J'espère que çà va passer et si çà marche, on pourrait peut-être continuer ?
https://www.youtube.com/watch?v=r4OjsKUBT-Q
A plus....
Icône à une fin tragique
Mannequin pour Vogue, actrice de Fellini, muse d'Andy Warhol, amante de Bob Dylan, Brian Jones, Jim Morrison, Leonard Cohen, Jackson Browne et Alain Delon, auteure-compositrice, musicienne et chanteuse à une voix gutturale et sans émotion : elle est principalement connue pour avoir interprété trois morceaux éblouissants dans le mythique premier opus du Velvet Underground, sorti en mars 1967 et baptisé aussi "l’album à la banane" (Femme Fatale, I’ll Be Your Mirror et All Tomorrow΄s Parties + au chœur sur Sunday Morning): Christa Päffgen, plus connue sous le nom de Nico. Mais la vie de Christa Päffgen, dite Nico, ne s’arrête pas à la courte aventure Velvet, loin de là...
Nico est née le 16 octobre 1938 à Cologne. Un enfant de guerre qui ne connaîtra jamais son père. A la fin dés années 50, elle est un des mannequins les plus convoités, vit entre Paris et Londres et rencontre Bob Dylan, Brian Jones et Jimmy Page. En 1959, elle interprète son propre rôle dans le film La Dolce Vita de Fellini. Au début des années 60, elle commence à expérimenter avec des drogues. A New York, la très belle blonde au regard hypnotique charme Andy Warhol et devient l’une des égéries du pape du pop art qui la fait jouer dans plusieurs de ses films (Chelsea Girl, Sunset…) et l’impose comme chanteuse du Velvet Underground. Toutefois, sa collaboration avec les autres Velvets n’est que de courte durée.
Elle commence alors une carrière solo, et enregistre dans les deux décennies suivantes une série d'albums acclamés aujourd'hui par les critiques, avec notamment John Cale, Brian Eno et Phil Manzanera (les deux derniers sont membres du groupe Roxy Music). C’est surtout grâce à John Cale qui l’encourage à écrire et composer, qui produit quatre de ses albums solo, tout en s’occupant des arrangements et en jouant de plusieurs instruments.
En 1967, Nico signe son premier album solo Chelsea Girl, titré ainsi en référence au film d’Andy Warhol dans lequel elle a joué. Les morceaux proviennent de la plume de Bob Dylan (I’ll keep it with mine), Tim Hardin (Eulogy to Lenny Bruce), Jackson Browne (These Days / Somewere there’s a Feather), et des Velvets Lou Reed, Sterling Morrison et John Cale (Little Sister / Chelsea Girl / Winter Song / Wrap your Troubles in Dreams). Dans cet album original, aux arrangements de cordes et de flûtes, Nico affirme d’emblée un style unique. Sa voix se fait plus sombre et spectrale, plus fascinante et mélancolique aussi… Mais l’album ne connaît pas un grand succès.
A partir du deuxième album solo (1969), The Marble Index, suivant les encouragements de John Cale, Nico écrit toutes les paroles et la musique, et elle y joue de l’harmonium, qui devient désormais son instrument de prédilection. La musique de Nico s’oriente de plus en plus nettement vers une musique non conventionnelle aux tonalités proches de la New Wave la plus sombre et du rock gothique. Sinon, elle commence à prendre de l’héroïne, une drogue qui l’accompagnera jusqu’au bout de sa vie.
A partir des années 70, Nico vit entre Berlin, Paris, New York et Ibiza. En 1969, la chanteuse rencontre le cinéaste français Philippe Garrel avec lequel elle vivra pendant neuf ans. Elle participe au cinéma de lui et publie également un recueil de poèmes, Chemin d’une vie.
Le 13 décembre 1974, Nico se produit en concert avec le groupe Tangerine Dream à la cathédrale de Reims devant plus de 5 000 personnes.
En 1981, Nico enregistre un autre album : Drama of Exile, premier album sans John Cale qui contraste avec ses travaux précédents avec John Cale en mêlant rock et arrangements moyen-orientaux, "a tentative foray into post-punk" (Wikipedia). L’album comprend le classique reedien I’m Waiting for the Man et Heroes de David Bowie.
En 1985, Nico enregistre son dernier album studio, Camera Obscura, très expérimental aux sonorités jazz sur lequel elle reprend la pièce célèbre My Funny Valentine du trompettiste Chet Baker.
C’est le 6 juin 1988 à Berlin(-Ouest) que la chanteuse donne son dernier concert, à la fois magique et mémorable, à savoir dans le cadre de "Berlin – Capitale européenne de la culture 1988", au Planetarium de la Wilhelm-Foerster-Sternwarte. Accompagnée par The Fraction (qui sont James Young – piano, Graham Dowdall – batterie, Henry Olson – guitar), un auditoire enthousiaste devient témoin de la musique idiosyncrasique de Nico… Ce concert est enregistré et édité sous "Nico’s Last Concert : Fata Morgana" (voir en bas).
A peine plus d’un mois après ce concert, le 18 juillet 1988, Nico meurt à l’hôpital d’une hémorragie cérébrale, quelques heures après une chute à vélo sur l’île d’Ibiza. Une des morts les plus absurdes de l’histoire du rock’n’roll : montée sur son vélo, vêtue d’un pantalon de cuir noir et d’autres vêtements lourds, son corps émacié, rongé par la drogue, s’effond à 40 degrés à l’ombre. La femme qui a tourné la tête d’un grand nombre des hommes les plus recherchés des années 60 et qui est devenue aussi une icône de la musique, perd la vie sur le bord d’une route sous le soleil ardent de l’Espagne.
Il y a trente ans...
Au milieu de la forêt de Grunewald à Berlin, à côté de sa mère Margarete, le cimetière (surnommé "cimetière des suicidés" par les Berlinois) est la dernière demeure de l’îcone du rock ambiance 60s...
Discographie :
Albums studio :
1967 : The Velvet Underground and Nico 1967 : Chelsea Girl 1969 : The Marble Index 1970 : Desertshore 1974 : The End 1981 : Drama of Exile 1985 : Camera Obscura
Albums live :
1974 : June 1, 1974 (avec John Cale, Kevin Ayers, Brian Eno) 1982 : Do or Die: Nico in Europe 1985 : Nico Live in Pécs 1986 : Live Heroes 1986 : Behind the Iron Curtain 1987 : Nico in Tokyo 1988 : Nico’s Last Concert : Fata Morgana 1989 : Hanging Gardens 1994 : Heroine
Compilations :
1998 : Nico: The Classic Years 2002 : Innocent & Vain – An Introduction to Nico 2003 : Femme Fatale – The Aura Anthology 2008 : Le Cinéma de Serge Gainsbourg – Musiques de films 1959-1990
Biographie :
Feray, Serge (2016). Nico, femme fatale. Le mot et le reste. Graf-Ulbrich, Lutz (2015). Nico – In the Shadow of the Moon Goddess. Kindle. Witts, Richard (2017). Nico : The Life and Lies of an Icon. Kindle.
Hery
www.youtube.com/watch?v=dMeZCPbM6bA
Mannequin pour Vogue, actrice de Fellini, muse d'Andy Warhol, amante de Bob Dylan, Brian Jones, Jim Morrison, Leonard Cohen, Jackson Browne et Alain Delon, auteure-compositrice, musicienne et chanteuse à une voix gutturale et sans émotion : elle est principalement connue pour avoir interprété trois morceaux éblouissants dans le mythique premier opus du Velvet Underground, sorti en mars 1967 et baptisé aussi "l’album à la banane" (Femme Fatale, I’ll Be Your Mirror et All Tomorrow΄s Parties + au chœur sur Sunday Morning): Christa Päffgen, plus connue sous le nom de Nico. Mais la vie de Christa Päffgen, dite Nico, ne s’arrête pas à la courte aventure Velvet, loin de là...
Nico est née le 16 octobre 1938 à Cologne. Un enfant de guerre qui ne connaîtra jamais son père. A la fin dés années 50, elle est un des mannequins les plus convoités, vit entre Paris et Londres et rencontre Bob Dylan, Brian Jones et Jimmy Page. En 1959, elle interprète son propre rôle dans le film La Dolce Vita de Fellini. Au début des années 60, elle commence à expérimenter avec des drogues. A New York, la très belle blonde au regard hypnotique charme Andy Warhol et devient l’une des égéries du pape du pop art qui la fait jouer dans plusieurs de ses films (Chelsea Girl, Sunset…) et l’impose comme chanteuse du Velvet Underground. Toutefois, sa collaboration avec les autres Velvets n’est que de courte durée.
Elle commence alors une carrière solo, et enregistre dans les deux décennies suivantes une série d'albums acclamés aujourd'hui par les critiques, avec notamment John Cale, Brian Eno et Phil Manzanera (les deux derniers sont membres du groupe Roxy Music). C’est surtout grâce à John Cale qui l’encourage à écrire et composer, qui produit quatre de ses albums solo, tout en s’occupant des arrangements et en jouant de plusieurs instruments.
En 1967, Nico signe son premier album solo Chelsea Girl, titré ainsi en référence au film d’Andy Warhol dans lequel elle a joué. Les morceaux proviennent de la plume de Bob Dylan (I’ll keep it with mine), Tim Hardin (Eulogy to Lenny Bruce), Jackson Browne (These Days / Somewere there’s a Feather), et des Velvets Lou Reed, Sterling Morrison et John Cale (Little Sister / Chelsea Girl / Winter Song / Wrap your Troubles in Dreams). Dans cet album original, aux arrangements de cordes et de flûtes, Nico affirme d’emblée un style unique. Sa voix se fait plus sombre et spectrale, plus fascinante et mélancolique aussi… Mais l’album ne connaît pas un grand succès.
A partir du deuxième album solo (1969), The Marble Index, suivant les encouragements de John Cale, Nico écrit toutes les paroles et la musique, et elle y joue de l’harmonium, qui devient désormais son instrument de prédilection. La musique de Nico s’oriente de plus en plus nettement vers une musique non conventionnelle aux tonalités proches de la New Wave la plus sombre et du rock gothique. Sinon, elle commence à prendre de l’héroïne, une drogue qui l’accompagnera jusqu’au bout de sa vie.
A partir des années 70, Nico vit entre Berlin, Paris, New York et Ibiza. En 1969, la chanteuse rencontre le cinéaste français Philippe Garrel avec lequel elle vivra pendant neuf ans. Elle participe au cinéma de lui et publie également un recueil de poèmes, Chemin d’une vie.
Le 13 décembre 1974, Nico se produit en concert avec le groupe Tangerine Dream à la cathédrale de Reims devant plus de 5 000 personnes.
En 1981, Nico enregistre un autre album : Drama of Exile, premier album sans John Cale qui contraste avec ses travaux précédents avec John Cale en mêlant rock et arrangements moyen-orientaux, "a tentative foray into post-punk" (Wikipedia). L’album comprend le classique reedien I’m Waiting for the Man et Heroes de David Bowie.
En 1985, Nico enregistre son dernier album studio, Camera Obscura, très expérimental aux sonorités jazz sur lequel elle reprend la pièce célèbre My Funny Valentine du trompettiste Chet Baker.
C’est le 6 juin 1988 à Berlin(-Ouest) que la chanteuse donne son dernier concert, à la fois magique et mémorable, à savoir dans le cadre de "Berlin – Capitale européenne de la culture 1988", au Planetarium de la Wilhelm-Foerster-Sternwarte. Accompagnée par The Fraction (qui sont James Young – piano, Graham Dowdall – batterie, Henry Olson – guitar), un auditoire enthousiaste devient témoin de la musique idiosyncrasique de Nico… Ce concert est enregistré et édité sous "Nico’s Last Concert : Fata Morgana" (voir en bas).
A peine plus d’un mois après ce concert, le 18 juillet 1988, Nico meurt à l’hôpital d’une hémorragie cérébrale, quelques heures après une chute à vélo sur l’île d’Ibiza. Une des morts les plus absurdes de l’histoire du rock’n’roll : montée sur son vélo, vêtue d’un pantalon de cuir noir et d’autres vêtements lourds, son corps émacié, rongé par la drogue, s’effond à 40 degrés à l’ombre. La femme qui a tourné la tête d’un grand nombre des hommes les plus recherchés des années 60 et qui est devenue aussi une icône de la musique, perd la vie sur le bord d’une route sous le soleil ardent de l’Espagne.
Il y a trente ans...
Au milieu de la forêt de Grunewald à Berlin, à côté de sa mère Margarete, le cimetière (surnommé "cimetière des suicidés" par les Berlinois) est la dernière demeure de l’îcone du rock ambiance 60s...
Discographie :
Albums studio :
1967 : The Velvet Underground and Nico 1967 : Chelsea Girl 1969 : The Marble Index 1970 : Desertshore 1974 : The End 1981 : Drama of Exile 1985 : Camera Obscura
Albums live :
1974 : June 1, 1974 (avec John Cale, Kevin Ayers, Brian Eno) 1982 : Do or Die: Nico in Europe 1985 : Nico Live in Pécs 1986 : Live Heroes 1986 : Behind the Iron Curtain 1987 : Nico in Tokyo 1988 : Nico’s Last Concert : Fata Morgana 1989 : Hanging Gardens 1994 : Heroine
Compilations :
1998 : Nico: The Classic Years 2002 : Innocent & Vain – An Introduction to Nico 2003 : Femme Fatale – The Aura Anthology 2008 : Le Cinéma de Serge Gainsbourg – Musiques de films 1959-1990
Biographie :
Feray, Serge (2016). Nico, femme fatale. Le mot et le reste. Graf-Ulbrich, Lutz (2015). Nico – In the Shadow of the Moon Goddess. Kindle. Witts, Richard (2017). Nico : The Life and Lies of an Icon. Kindle.
Hery
www.youtube.com/watch?v=dMeZCPbM6bA
Bonjour,
Je fais appel à vous afin que vous me donniez des suggestions de chansons italiennes. Ça peut être des groupes, chanteurs ou chanteuses qui sont populaires en ce moment en Italie. En autant que les paroles soient en italien. J'ai besoin de ça, car nous faisons un souper entre amis samedi prochain et à chaque mois, nous avons un pays comme thématique et ce mois-ci, c'est à notre tour de faire le souper et nous avons choisi l'Italie. Nous aimerions donc faire jouer de la musique italienne question de mettre un peu d'ambiance.
Je vous remercie de votre aide. J'ai besoin de ça pour samedi qui s'en vient. Merci à l'avance pour vos réponses, car je ne m'y prends pas trop d'avance.
Merci encore!
Dominique
Je fais appel à vous afin que vous me donniez des suggestions de chansons italiennes. Ça peut être des groupes, chanteurs ou chanteuses qui sont populaires en ce moment en Italie. En autant que les paroles soient en italien. J'ai besoin de ça, car nous faisons un souper entre amis samedi prochain et à chaque mois, nous avons un pays comme thématique et ce mois-ci, c'est à notre tour de faire le souper et nous avons choisi l'Italie. Nous aimerions donc faire jouer de la musique italienne question de mettre un peu d'ambiance.
Je vous remercie de votre aide. J'ai besoin de ça pour samedi qui s'en vient. Merci à l'avance pour vos réponses, car je ne m'y prends pas trop d'avance.
Merci encore!
Dominique
Bonjour
Nous allons au Portugal au mois de mars et nous aimerions assister à un spectacle de Fado mais hors circuit touristique ... si quelqu'un a de bons plans... cordialement
Nous allons au Portugal au mois de mars et nous aimerions assister à un spectacle de Fado mais hors circuit touristique ... si quelqu'un a de bons plans... cordialement
Bonjour
" Aiguille dans une botte de foin" ???? Un 33 tours des années 40 ? 50 ? 60 ? avec uniquement des chants et musique de Polynésie .
Trouvé sur un marché français dans les années 60 : un 33 tours intitulé " Les chants des merveilleuses mers du sud " (( ou quelques chose de similaire )) . La pochette était en noir et blanc avec paysage typique des iles polynésiennes avec en haut à gauche le visage de la chanteuse.....dont je ne me souviens plus du nom.
Quelqu'un reconnaît -il / elle cette description ? J'ai cherché partout dans Papeete : rien ! J'ai essayé de trouver partout sur internet : rien !
Après plusieurs déménagements le disque a été perdu. J'aimerai le remplacer.
Merci d'avance Cordialement Avionna
Trouvé sur un marché français dans les années 60 : un 33 tours intitulé " Les chants des merveilleuses mers du sud " (( ou quelques chose de similaire )) . La pochette était en noir et blanc avec paysage typique des iles polynésiennes avec en haut à gauche le visage de la chanteuse.....dont je ne me souviens plus du nom.
Quelqu'un reconnaît -il / elle cette description ? J'ai cherché partout dans Papeete : rien ! J'ai essayé de trouver partout sur internet : rien !
Après plusieurs déménagements le disque a été perdu. J'aimerai le remplacer.
Merci d'avance Cordialement Avionna
Pour les amateurs et pour ceux qui découvriront ce genre, voici quelques liens qui donneront un bon point de départ. Il suffit de cliquer un peu au hasard et de temps en temps on trouve une perle sur YouTube. Ça connecte aussi souvent sur des morceaux du Laos puisque c’est exactement la même culture. L’ennui avec YouTube, c’est que les liens souvent ne connectent plus au document, qui a été supprimé. Quand je trouve qqc que j’aime bien, je le télécharge.
Avec ça, on peut se faire une bonne idée de certaines formes modernes de molam. Il reste les formes plus théâtrales et les formes plus villageoises, c’est à s’y perdre. C’est la culture qui fait vibrer l’Isàán (en dehors des minorités khmère et autres) et le Laos.
Tous ces morceaux sont à mettre à pleins tubes, au risque de faire péter la sono. Ils en sont d’autant meilleurs à l’écoute.
http://www.youtube.com/watch?v=65mdUwUHc4I&list=PLE152FA25FC9C23E1 1 - Baan Yen Râak Gàen avec Bprìt Naa Wohng Sìrí, deux chanteuses très connues. http://www.youtube.com/watch?v=XGXhE12VvSc 2 - Un morceau très représentatif, même si la chanteuse (Pim Jai) aurait pu se mettre qqc de plus joli sur le dos. http://www.youtube.com/watch?v=u7EWaE0WpKQ 3 - Plutôt de la danse folklorique que du molam, mais toujours dans la même tradition, et un peu longuet sauf vers la fin où ça s’accélère un peu. Le lever du pied sur le dernier temps de la mesure, en contretemps, est tout à fait caractéristique. Groupe de la région de Ubon. Habits superbes. http://www.youtube.com/watch?v=WBgbsa4NLXA http://www.youtube.com/watch?v=Z03sE70Oxqg 4 - Baan Yen Râak Gàen – Deux morceaux envoûtants d’une très grande dame du molam, à la voix envoutante.
http://www.youtube.com/watch?v=EQ0m2RbsAHo&playnext=1&list=PL1804618B99DF8B8E 5 - Joy – Avec sa sœur Jóp, elle fait beaucoup de molam bien frappé « Isàán ». http://www.youtube.com/watch?v=lL6aymKc9sk 6 - Un morceau du Laos (Somvang & Sengvilay), bien envoyé, et bien typique jusqu’aux jolies filles qui se trémoussent ! C’est toute une joie de vivre ! On ne connaît pas ca en Europe ! http://www.youtube.com/watch?v=f8alUTkXQPs 7 - Une version tout à fait moderne. Ce n’est que si on a déjà bien fréquenté les styles traditionnels et certaines boîtes de nuit de Bangkok et de province qu’on peut voir que cela vient tout droit du molam. On voit d’ailleurs bien, dans l’introduction, la fille courir dans les rizières avant d’arriver dans la jungle de béton. http://www.youtube.com/watch?v=DPhqITWwQZ8 8 - Un « molam de village ». Le chef du village n’apprécie pas que sa femme danse avec le voisin, d’où une petite dispute comique. Mais surtout, très bonne musique. Dommage qu’on ne voit pas plus les danseuses qui ont l’air d’être super-craquantes. La chanteuse a dû se faire refaire le nez…. (avant ou après, je ne sais pas). http://www.youtube.com/watch?v=KUEoQ6TM9x0 9 - Un autre molam de la même dernière, avec un super riff de molam à la basse.
http://www.youtube.com/watch?v=aB4rjUgVS78&feature=related 10 - Rock Isàán - Ce groupe réussit bien à incorporer les instruments traditionnels sous une version électrifiée, d’où ce qui semble parfois être une cacophonie à l’oreille occidentale non habituée, mais qui en fait est une musique très riche et très dansante. Les chanteuses et danseuses ont abandonné les vêtements traditionnels pour un kitsch criant (mais non dénué de sophistication). Ce kitsch, plus la légèreté des vêtements, plus les deux personnages qui font des clowneries par derrière et qui ajoutent une touche de cocasserie et de grivoiserie au spectacle, sont caractéristiques de ce qu’on appelle le « molam sing ». On passe d’un morceau à l’autre sans la moindre interruption, avec simplement des ruptures de rythme et d’harmonie, et le rythme est dans l’ensemble très soutenu et rapide, d’où l’impression de « courir » (« sing » vient de « racing » en anglais). La voix éraflée et « dérapante » de la chanteuse est typique de ce que les Thaïs aiment. http://www.youtube.com/watch?v=EAFiMeZkOjU&feature=related 11 - Pohng Laang Sà Ohn – Un autre groupe puisant dans les traditions folkloriques. Les sarongs des hommes ressemblent à des kilts écossais. C’est l’habit cérémoniel dans la région de Kalasìín, paraît-il. Les femmes elles ont des habits moins surprenants tout en étant magnifiques. L’instrumentation est essentiellement basée sur des instruments traditionnels, dont le « khaen » (l’«orgue » de bouche verticale), le « saaw » (vielle), le « phin » (guitare), les tambours et les xylophones. L’effet est très « tribal ». L’introduction au « saaw » est superbe, et cet instrument revient 2 ou 3 fois plus tard avec ses glissandos.
http://www.youtube.com/watch?v=2USGYUhevuI&feature=related 12 - Angkhanang Khunchai – Une autre grande dame du molam, maintenant déjà bien vieille (mais bien jolie dans sa jeunesse). Du pur jus, bien ancré dans la tradition. Voix poignante au possible, sur pulsations lancinantes du « khaen » et trémolos insistants du « phing ». http://www.youtube.com/watch?v=zoCzx1rsDnY 13 - Angkhanang Khunchai et Rungfah Khulachai – Interprétation du côté thailandais d’un morceau venu du Laos. Mais, faut-il le rappeler, il s’agit exactement de la même culture.
http://www.youtube.com/watch?v=Aj__clzzuXc 14 - Dàawk Âaw & Gâan Dtaawng Deux soeurs aux voix délicieusement acidulées. Les gestes des mains sont typiques du genre.
http://www.youtube.com/watch?list=PL22E81C678170D5C7&v=16ZkGdTV_6g&feature=endscreen&NR=1 15 - Dàawk Âaw Thûng Thawng - Bon rythme bien soutenu, saxos exubérants, jolies filles. Ça pète la bonne humeur. http://www.youtube.com/watch?v=HYd9gdySn04 16 - Màí Thai Mon Khaen – Influence indienne évidente dans le costume du chanteur, très représentatif du molam (scènes interminables où on récite et chante des histoires légendaires, épiques etc…, cela finit souvent par une ou 2 douzaines de chanteurs et danseurs sur scène). Très kitsch, tout en assurant la beauté des couleurs. Morceau superbe, même s’il est commercialement enjolivé. http://www.youtube.com/watch?v=ICd7t4tAEV8 17 - Jintara Pornlap – Une chanteuse très populaire. C’est un morceau « empaqueté » en studio mais il donne une très bonne idée du style. De nouveau, les danseuses sont très agréables à voir, tout à fait traditionnelles.
Avec ça, on peut se faire une bonne idée de certaines formes modernes de molam. Il reste les formes plus théâtrales et les formes plus villageoises, c’est à s’y perdre. C’est la culture qui fait vibrer l’Isàán (en dehors des minorités khmère et autres) et le Laos.
Tous ces morceaux sont à mettre à pleins tubes, au risque de faire péter la sono. Ils en sont d’autant meilleurs à l’écoute.
http://www.youtube.com/watch?v=65mdUwUHc4I&list=PLE152FA25FC9C23E1 1 - Baan Yen Râak Gàen avec Bprìt Naa Wohng Sìrí, deux chanteuses très connues. http://www.youtube.com/watch?v=XGXhE12VvSc 2 - Un morceau très représentatif, même si la chanteuse (Pim Jai) aurait pu se mettre qqc de plus joli sur le dos. http://www.youtube.com/watch?v=u7EWaE0WpKQ 3 - Plutôt de la danse folklorique que du molam, mais toujours dans la même tradition, et un peu longuet sauf vers la fin où ça s’accélère un peu. Le lever du pied sur le dernier temps de la mesure, en contretemps, est tout à fait caractéristique. Groupe de la région de Ubon. Habits superbes. http://www.youtube.com/watch?v=WBgbsa4NLXA http://www.youtube.com/watch?v=Z03sE70Oxqg 4 - Baan Yen Râak Gàen – Deux morceaux envoûtants d’une très grande dame du molam, à la voix envoutante.
http://www.youtube.com/watch?v=EQ0m2RbsAHo&playnext=1&list=PL1804618B99DF8B8E 5 - Joy – Avec sa sœur Jóp, elle fait beaucoup de molam bien frappé « Isàán ». http://www.youtube.com/watch?v=lL6aymKc9sk 6 - Un morceau du Laos (Somvang & Sengvilay), bien envoyé, et bien typique jusqu’aux jolies filles qui se trémoussent ! C’est toute une joie de vivre ! On ne connaît pas ca en Europe ! http://www.youtube.com/watch?v=f8alUTkXQPs 7 - Une version tout à fait moderne. Ce n’est que si on a déjà bien fréquenté les styles traditionnels et certaines boîtes de nuit de Bangkok et de province qu’on peut voir que cela vient tout droit du molam. On voit d’ailleurs bien, dans l’introduction, la fille courir dans les rizières avant d’arriver dans la jungle de béton. http://www.youtube.com/watch?v=DPhqITWwQZ8 8 - Un « molam de village ». Le chef du village n’apprécie pas que sa femme danse avec le voisin, d’où une petite dispute comique. Mais surtout, très bonne musique. Dommage qu’on ne voit pas plus les danseuses qui ont l’air d’être super-craquantes. La chanteuse a dû se faire refaire le nez…. (avant ou après, je ne sais pas). http://www.youtube.com/watch?v=KUEoQ6TM9x0 9 - Un autre molam de la même dernière, avec un super riff de molam à la basse.
http://www.youtube.com/watch?v=aB4rjUgVS78&feature=related 10 - Rock Isàán - Ce groupe réussit bien à incorporer les instruments traditionnels sous une version électrifiée, d’où ce qui semble parfois être une cacophonie à l’oreille occidentale non habituée, mais qui en fait est une musique très riche et très dansante. Les chanteuses et danseuses ont abandonné les vêtements traditionnels pour un kitsch criant (mais non dénué de sophistication). Ce kitsch, plus la légèreté des vêtements, plus les deux personnages qui font des clowneries par derrière et qui ajoutent une touche de cocasserie et de grivoiserie au spectacle, sont caractéristiques de ce qu’on appelle le « molam sing ». On passe d’un morceau à l’autre sans la moindre interruption, avec simplement des ruptures de rythme et d’harmonie, et le rythme est dans l’ensemble très soutenu et rapide, d’où l’impression de « courir » (« sing » vient de « racing » en anglais). La voix éraflée et « dérapante » de la chanteuse est typique de ce que les Thaïs aiment. http://www.youtube.com/watch?v=EAFiMeZkOjU&feature=related 11 - Pohng Laang Sà Ohn – Un autre groupe puisant dans les traditions folkloriques. Les sarongs des hommes ressemblent à des kilts écossais. C’est l’habit cérémoniel dans la région de Kalasìín, paraît-il. Les femmes elles ont des habits moins surprenants tout en étant magnifiques. L’instrumentation est essentiellement basée sur des instruments traditionnels, dont le « khaen » (l’«orgue » de bouche verticale), le « saaw » (vielle), le « phin » (guitare), les tambours et les xylophones. L’effet est très « tribal ». L’introduction au « saaw » est superbe, et cet instrument revient 2 ou 3 fois plus tard avec ses glissandos.
http://www.youtube.com/watch?v=2USGYUhevuI&feature=related 12 - Angkhanang Khunchai – Une autre grande dame du molam, maintenant déjà bien vieille (mais bien jolie dans sa jeunesse). Du pur jus, bien ancré dans la tradition. Voix poignante au possible, sur pulsations lancinantes du « khaen » et trémolos insistants du « phing ». http://www.youtube.com/watch?v=zoCzx1rsDnY 13 - Angkhanang Khunchai et Rungfah Khulachai – Interprétation du côté thailandais d’un morceau venu du Laos. Mais, faut-il le rappeler, il s’agit exactement de la même culture.
http://www.youtube.com/watch?v=Aj__clzzuXc 14 - Dàawk Âaw & Gâan Dtaawng Deux soeurs aux voix délicieusement acidulées. Les gestes des mains sont typiques du genre.
http://www.youtube.com/watch?list=PL22E81C678170D5C7&v=16ZkGdTV_6g&feature=endscreen&NR=1 15 - Dàawk Âaw Thûng Thawng - Bon rythme bien soutenu, saxos exubérants, jolies filles. Ça pète la bonne humeur. http://www.youtube.com/watch?v=HYd9gdySn04 16 - Màí Thai Mon Khaen – Influence indienne évidente dans le costume du chanteur, très représentatif du molam (scènes interminables où on récite et chante des histoires légendaires, épiques etc…, cela finit souvent par une ou 2 douzaines de chanteurs et danseurs sur scène). Très kitsch, tout en assurant la beauté des couleurs. Morceau superbe, même s’il est commercialement enjolivé. http://www.youtube.com/watch?v=ICd7t4tAEV8 17 - Jintara Pornlap – Une chanteuse très populaire. C’est un morceau « empaqueté » en studio mais il donne une très bonne idée du style. De nouveau, les danseuses sont très agréables à voir, tout à fait traditionnelles.
Bako Dagnon, mémoire d'une culture ancestrale
Au début de juillet, la chanteuse malienne Bako Dagnon ayant consacré sa vie au rayonnement de la tradition griotte et de l’histoire de son peuple, est décédée dans l'hôpital du Point G de Bamako, au Mali. Une grande voix de la musique traditionnelle s'est éteinte ...
Née dans la région de Kita, dans une famille de griots, et donc prédestinée au mieux à emmagasiner une connaissance incomparable de la culture mandingue, elle était pour beaucoup une "bibliothèque vivante". La chanteuse griotte reprenait les fables de la culture mandingue dans ses chansons. Et les grands noms de la musique malienne dont Ali Farka Touré, Oumou Sangaré et Salif Keïta n'hésitaient pas à la consulter pour écouter ses conseils ...
Dans les années 70, Bako Dagnon collabore avec les Biennales de la Jeunesse lancées par Modibo Keïta, le père de l’indépendance, dont l’objectif est la dynamisation des traditions culturelles du pays. Là, elle fait ses premières apparitions publiques, et la chanson "Tiga Monyonko" (tiga mɔɲɔnkɔ "broser des arachides") la rend célèbre à travers le Mali à cette époque. A partir de 1974, comme beaucoup de grands artists de sa génération, elle fait partie de l'Ensemble Instrumental du Mali durant plus de quinze ans.
En 1990, elle enregistre sa première cassette. Après une demi-douzaine d'albums commercialisés au Mali, elle partage la culture mandingue et ses vieilles fables avec le reste du monde en 2007, lors de la sortie de son premier album international, "Titati" (titati "difficulté ; combat pénible"). En 2009, Bako Dagnon met l'album "Sidiba" en vente. De surcroît, la chanteuse se fait entendre au-delà des frontières sur l'album "L'Electro Bamako" (2001) de Marc Minelli, ou sur quelques pièces avec le collectif de griots maliens de l'album "Mandekalu" (2004).
Dans un communiqué, la ministre malienne de la Culture a salué la mémoire de cette "grande figure de la musique malienne qui a su mettre son talent au service du rayonnement artistique et qui fit connaître, au-delà de nos frontières, les richesses de la musique traditionnelle du Mali". "Chevalier de l’ordre national depuis 2009, Bako Dagnon est restée la gardienne du temple mandingue et de ses histoires multi-séculaires, qu’elle n’a de cesse de véhiculer auprès des jeunes générations", a déclaré la ministre N’Diaye Ramatoulaye Diallo.
Que son âme repose en paix !
Hery
http://www.musicme.com/Bako-Dagnon/
Au début de juillet, la chanteuse malienne Bako Dagnon ayant consacré sa vie au rayonnement de la tradition griotte et de l’histoire de son peuple, est décédée dans l'hôpital du Point G de Bamako, au Mali. Une grande voix de la musique traditionnelle s'est éteinte ...
Née dans la région de Kita, dans une famille de griots, et donc prédestinée au mieux à emmagasiner une connaissance incomparable de la culture mandingue, elle était pour beaucoup une "bibliothèque vivante". La chanteuse griotte reprenait les fables de la culture mandingue dans ses chansons. Et les grands noms de la musique malienne dont Ali Farka Touré, Oumou Sangaré et Salif Keïta n'hésitaient pas à la consulter pour écouter ses conseils ...
Dans les années 70, Bako Dagnon collabore avec les Biennales de la Jeunesse lancées par Modibo Keïta, le père de l’indépendance, dont l’objectif est la dynamisation des traditions culturelles du pays. Là, elle fait ses premières apparitions publiques, et la chanson "Tiga Monyonko" (tiga mɔɲɔnkɔ "broser des arachides") la rend célèbre à travers le Mali à cette époque. A partir de 1974, comme beaucoup de grands artists de sa génération, elle fait partie de l'Ensemble Instrumental du Mali durant plus de quinze ans.
En 1990, elle enregistre sa première cassette. Après une demi-douzaine d'albums commercialisés au Mali, elle partage la culture mandingue et ses vieilles fables avec le reste du monde en 2007, lors de la sortie de son premier album international, "Titati" (titati "difficulté ; combat pénible"). En 2009, Bako Dagnon met l'album "Sidiba" en vente. De surcroît, la chanteuse se fait entendre au-delà des frontières sur l'album "L'Electro Bamako" (2001) de Marc Minelli, ou sur quelques pièces avec le collectif de griots maliens de l'album "Mandekalu" (2004).
Dans un communiqué, la ministre malienne de la Culture a salué la mémoire de cette "grande figure de la musique malienne qui a su mettre son talent au service du rayonnement artistique et qui fit connaître, au-delà de nos frontières, les richesses de la musique traditionnelle du Mali". "Chevalier de l’ordre national depuis 2009, Bako Dagnon est restée la gardienne du temple mandingue et de ses histoires multi-séculaires, qu’elle n’a de cesse de véhiculer auprès des jeunes générations", a déclaré la ministre N’Diaye Ramatoulaye Diallo.
Que son âme repose en paix !
Hery
http://www.musicme.com/Bako-Dagnon/
"Ms. Arby sings what world-music marketers have misleadingly tagged “desert blues” for the spiky riffs (now played on electric guitar) and pentatonic melodies that found their way from West Africa to Delta blues. But she and her band reach much further. To underline sentiments about Malian unity, she sings in multiple languages — Songhai, Arabic, Tamashek — while her band draws on rhythms from various regions of Mali, fusing them with funk, psychedelia and reggae as well as electric blues." (The New York Times, 2011)
Khaira Arby, artiste familière avec les différents styles de la région et du monde
L'album "Timbuktu Tarab" de la chanteuse Khaira Arby, publié d'abord en 2010, a été réédité en 2013 par Clermont Music (Etats-Unis), peut-être dans l'espoir d'atteindre enfin un public plus large : tandis que plusieurs artistes touaregs dont Tinariwen et Tamikrest sont une réussite à l'extérieur du Mali, Khaira Arby, surnommée "rossignol du nord du Mali", reste plutôt méconnue en Europe et en Amérique du nord. Le public occidental pourra donc profiter de l'occasion pour découvrir un immense talent musical. Cet album mérite, à coup sûr, plus d'attention qu'il a pu attirer jusqu'ici ...
Le mélange d'instruments africains (ngoni, soku, calebasse) et occidentaux (batterie, guitares électriques) convient toujours à son standard. Prendre les guitares électriques en plus (trois au total) semble être une mesure calculée pour plaire aux amateurs du pop occidental. Copiée de Tinariwen ?! Sa voix, un puissant soprano, plutôt âpre et non-scolarisée dans la meilleure façon possible, court sur les diverses compositions polyrythmiques complexes de l'album et aboutit assez souvent aux grooves plus funky, rock et reggae.
Khaira Arby s'appuie sur les diverses traditions musicales de la région de Tombouctou qu'elle intègre dans sa musique : "... in my songs, in my music, all the ethnic groups of Timbuktu find themselves, and I sing to them one by one... The music of the north is cosmopolitan. The music of Timbuktu is so broad, it can embrace all kinds of music." Cependant, comme d'autres aussi, elle a été également influencée par la musique pop occidentale, surtout le blues et le rock'n roll, ce qui est bien à écouter ... Un autre caractère frappant est le fait qu'elle ne chante pas dans une seule langue : fille d'un père touareg et d'une mère sonraï, elle s'appuie sur deux traditions culturelles non seulement pour sa musique mais pour ses paroles également. En outre, parfois en arabe et en bambara.
"Djaba", une danse traditionnelle de Tombouctou, et "Sourgou", un chant de louange sur les valeurs, la bravoure et la grandeur du peuple touareg sont chantés à la fois en tamasheq et en sonraï. "Salou" est une prière à Allah, "Tarab" une prière au Mali : elle y plaide pour l'unité et la patience de tous les peuples du pays et se réfère à Gawad, un héros guerrier de la Mauritanie voisine comme source d'inspiration pour eux de continuer à se battre pour leur avenir. Une autre chanson, "Feriene" (en sonraï et en bambara), traite et condamne les mutilations génitales féminines (excision), encore pratiquées couramment au Mali et au monde entier. Pour une chanteuse à soulever cette question dans la chanson nécessite au plus haut point du courage. Mais celle-ci n'est pas la seule question sociale qu'elle affronte : dans la dernière chanson de l'album, "Youba", elle répond aux conditions face à ceux qui travaillent dans les mines de sel tout au nord du pays. Khaira Arby chante la façon dont ils reviennent des mines : affamés, assoiffés et épuisés, ainsi que les difficultés auxquels se heurtent généralement les mineurs.
Khaira Arby est capable de regarder au-delà de son propre peuple et de ses traditions culturelles : pour que le Mali progresse comme un tout, tout le monde doit respecter les uns les autres. Elle comprend comment les divers peuples de la région sont fiers de leur histoire et de leur culture, elle comprend la nécessité pour eux d'être respectés et honorés mais elle croit aussi qu'il y a bien de place pour tous au Mali. Ces véritables messages ressemblent beaucoup à certaines chansons du maéstro Ali Farka Touré (!!!!!), le grand mentor de la chanteuse : "Ali Farka was like a big brother to me, a great counselor, a teacher, a member of my family." (je pense à plusieurs chansons de l'album "Niafounké")
Les dernières années ont vu un peuple malien face à des conditions vraiment horribles : la fuite de près d'un demi-million de personnes de la région, la menace constante des attaques terroristes etc. etc. Cela dit, la tentative d'éradiquer la musique dans le nord du Mali s'est achevée sur ce qui semblait être un effort renouvelé pour amener les artistes de la région au reste du monde, dont Khaira Arby, une des chanteuses les plus grandes de son pays, le Mali. Une sorte de Oumou Sangaré du nord du Mali. Pour tous ceux et celles qui apprécient de la bonne musique et une grande voix, c'est un album à ne pas manquer.
L'album "Timbuktu Tarab" reflète encore une fois la grande diversité du Mali, pays unique, et garde l'espoir qu'il revienne comme avant : VIVE LE MALI !
A lire : http://www.rfimusique.com/actu-musique/musique-africaine/album/20120309-khaira-arby-diva-tombouctou
Les musiciens : Khaira Arby (chant), Abdramane Touré (guitare principale), M'Barka Dembelé (guitare rythmique), Ebellaou Yattara (ngoni), Zoumana Tereta (soku), Baba Laraw (basse électrique), Mahalmadane Traoré (batterie), Inna Diarra & Abdrahamane Cissé (backup vocals).
L'album : Khaira Arby (2013). Timbuktu Tarab. Clermont Music.
Hery
Khaira Arby, artiste familière avec les différents styles de la région et du monde
L'album "Timbuktu Tarab" de la chanteuse Khaira Arby, publié d'abord en 2010, a été réédité en 2013 par Clermont Music (Etats-Unis), peut-être dans l'espoir d'atteindre enfin un public plus large : tandis que plusieurs artistes touaregs dont Tinariwen et Tamikrest sont une réussite à l'extérieur du Mali, Khaira Arby, surnommée "rossignol du nord du Mali", reste plutôt méconnue en Europe et en Amérique du nord. Le public occidental pourra donc profiter de l'occasion pour découvrir un immense talent musical. Cet album mérite, à coup sûr, plus d'attention qu'il a pu attirer jusqu'ici ...
Le mélange d'instruments africains (ngoni, soku, calebasse) et occidentaux (batterie, guitares électriques) convient toujours à son standard. Prendre les guitares électriques en plus (trois au total) semble être une mesure calculée pour plaire aux amateurs du pop occidental. Copiée de Tinariwen ?! Sa voix, un puissant soprano, plutôt âpre et non-scolarisée dans la meilleure façon possible, court sur les diverses compositions polyrythmiques complexes de l'album et aboutit assez souvent aux grooves plus funky, rock et reggae.
Khaira Arby s'appuie sur les diverses traditions musicales de la région de Tombouctou qu'elle intègre dans sa musique : "... in my songs, in my music, all the ethnic groups of Timbuktu find themselves, and I sing to them one by one... The music of the north is cosmopolitan. The music of Timbuktu is so broad, it can embrace all kinds of music." Cependant, comme d'autres aussi, elle a été également influencée par la musique pop occidentale, surtout le blues et le rock'n roll, ce qui est bien à écouter ... Un autre caractère frappant est le fait qu'elle ne chante pas dans une seule langue : fille d'un père touareg et d'une mère sonraï, elle s'appuie sur deux traditions culturelles non seulement pour sa musique mais pour ses paroles également. En outre, parfois en arabe et en bambara.
"Djaba", une danse traditionnelle de Tombouctou, et "Sourgou", un chant de louange sur les valeurs, la bravoure et la grandeur du peuple touareg sont chantés à la fois en tamasheq et en sonraï. "Salou" est une prière à Allah, "Tarab" une prière au Mali : elle y plaide pour l'unité et la patience de tous les peuples du pays et se réfère à Gawad, un héros guerrier de la Mauritanie voisine comme source d'inspiration pour eux de continuer à se battre pour leur avenir. Une autre chanson, "Feriene" (en sonraï et en bambara), traite et condamne les mutilations génitales féminines (excision), encore pratiquées couramment au Mali et au monde entier. Pour une chanteuse à soulever cette question dans la chanson nécessite au plus haut point du courage. Mais celle-ci n'est pas la seule question sociale qu'elle affronte : dans la dernière chanson de l'album, "Youba", elle répond aux conditions face à ceux qui travaillent dans les mines de sel tout au nord du pays. Khaira Arby chante la façon dont ils reviennent des mines : affamés, assoiffés et épuisés, ainsi que les difficultés auxquels se heurtent généralement les mineurs.
Khaira Arby est capable de regarder au-delà de son propre peuple et de ses traditions culturelles : pour que le Mali progresse comme un tout, tout le monde doit respecter les uns les autres. Elle comprend comment les divers peuples de la région sont fiers de leur histoire et de leur culture, elle comprend la nécessité pour eux d'être respectés et honorés mais elle croit aussi qu'il y a bien de place pour tous au Mali. Ces véritables messages ressemblent beaucoup à certaines chansons du maéstro Ali Farka Touré (!!!!!), le grand mentor de la chanteuse : "Ali Farka was like a big brother to me, a great counselor, a teacher, a member of my family." (je pense à plusieurs chansons de l'album "Niafounké")
Les dernières années ont vu un peuple malien face à des conditions vraiment horribles : la fuite de près d'un demi-million de personnes de la région, la menace constante des attaques terroristes etc. etc. Cela dit, la tentative d'éradiquer la musique dans le nord du Mali s'est achevée sur ce qui semblait être un effort renouvelé pour amener les artistes de la région au reste du monde, dont Khaira Arby, une des chanteuses les plus grandes de son pays, le Mali. Une sorte de Oumou Sangaré du nord du Mali. Pour tous ceux et celles qui apprécient de la bonne musique et une grande voix, c'est un album à ne pas manquer.
L'album "Timbuktu Tarab" reflète encore une fois la grande diversité du Mali, pays unique, et garde l'espoir qu'il revienne comme avant : VIVE LE MALI !
A lire : http://www.rfimusique.com/actu-musique/musique-africaine/album/20120309-khaira-arby-diva-tombouctou
Les musiciens : Khaira Arby (chant), Abdramane Touré (guitare principale), M'Barka Dembelé (guitare rythmique), Ebellaou Yattara (ngoni), Zoumana Tereta (soku), Baba Laraw (basse électrique), Mahalmadane Traoré (batterie), Inna Diarra & Abdrahamane Cissé (backup vocals).
L'album : Khaira Arby (2013). Timbuktu Tarab. Clermont Music.
Hery
Salut,
A l'occasion de mon deuxième voyage au Cambodge en 2010, je suis tombé amoureux de la musique khmer, surtout le Romvong qu'on entend un peu partout à la télé, dans les karaokés dans les bars. Ce style de musique ce rapproche du Mor Lam Thaïlandais, que je trouve en général moins fort. Voici une playlist des sons que je prèfere : http://www.youtube.com/watch?v=8GpwJiAerd8&feature=share&list=PLGVesgDq7GO1BmEcnkH3esJ6nJZJwx4CU
donnez votre avis et si vous en avez d autres a proposer du Cambodge ou Thaïlande, Vietnam, Laos..😉
A l'occasion de mon deuxième voyage au Cambodge en 2010, je suis tombé amoureux de la musique khmer, surtout le Romvong qu'on entend un peu partout à la télé, dans les karaokés dans les bars. Ce style de musique ce rapproche du Mor Lam Thaïlandais, que je trouve en général moins fort. Voici une playlist des sons que je prèfere : http://www.youtube.com/watch?v=8GpwJiAerd8&feature=share&list=PLGVesgDq7GO1BmEcnkH3esJ6nJZJwx4CU
donnez votre avis et si vous en avez d autres a proposer du Cambodge ou Thaïlande, Vietnam, Laos..😉
Andra Kouyaté & Sèkè Chi
C’est quel nom en Afrique de l’Ouest qui donne la certitude que sa musique promet et! honore de la qualité ?! Kouya-lité – Quali-yaté – KOUYATÉ ...
Il y a encore des nouvelles agréables issues du Mali ! C’est avec grande joie d’annoncer qu’Andra Kouyaté présente au public son nouveau groupe de cinq artistes baptisé "Sèkè Chi" (sèkèji, eau de potasse) : Baïny Diabaté (guitare), Mamadou Kouyaté (ngoni basse), Moukhtar Kouyaté (calebasse), Lassine Kouyaté (tamani), et enfin Andra Kouyaté (ngoni solo, voix, chef d’orchestre) ; cette instrumentation fait penser vite et prometteur à Rokia Traoré. Son premier album intitulé "Saro", précédé par un ep "Introducing Andra Kouyaté & Sèkè Chi" (en 2011), voit le jour le 31 juillet 2012. J’ai hâte de l’avoir dans les mains ...
"… Andra Kouyate and his band, Seke Chi, are joined by a plethora of top artists from the region, including Amadou & Mariam, Mah Bara Soumano, Bassekou Kouyate, Ami Sacko, Harouna Samake, and Lassana Diabate. […] The acoustic and earthy feel of the instrument is matched with the varied vocals. Overall, the tunes are laid-back and take on the characteristics of Ali Farka Toure's instrumental music, as well as Rokia Traore's instrumental repertoire. The n'goni instrumentation, balafon, calabash, and other infectious instruments are very easy to listen to. This is a contemporary release, but the guitars, and other typical rock elements are nowhere to be found . Fans of North African percussion, Malian music, and n'goni lute aficionados will love Andra's latest venture." (Matthew Forss/Inside World Music)
Andra Kouyaté est un artiste malien dont la spécialité est le ngoni, harpe à chevalet ou "petite guitare" dont le son se situe entre le oud (luth arabe) et le banjo (instrument de musique à cordes pincée nord-américain), et surtout instrument par excellence des griots qui l’utilis(ai)ent pour accompagner les récits des grandes épopées. Par sa créativité impressionnante, Andra Kouyaté nous montre que les instruments traditionnels peuvent êtres exploités sans limites vers des courants musicaux les plus différents. Sa manière d'aborder la musique, sa sensibilité artistique et son charisme personnel ainsi que sa puissance et technique de jeu font de lui un virtuose multi-instrumentiste.
Andra est né en 1973 à Garana (préfecture de Baraouéli), à un jet de pierre de la ville historique de Ségou, dans une grande et influente famille de griots bambara (les griots Kouyaté ont toujours été les clients des Keïtas, ceux-ci étant considérés comme les descendants directs de Sunjata lui-même ! Et même de nos jours, ils sont encore associés à l’élite politique locale Mandé). Il s’est abreuvé à des sources limpides dès sa petite enfance : son père Moustapha Kouyaté était un des meilleurs joueurs de ngoni de sa génération, sa mère était la grande chanteuse Yagaré Damba, et l’un de ses grand-pères n’était autre que le mythique Banzoumana Sissoko, griot et joueur de ngoni le plus important de l’ère coloniale. L’héritage étant la meilleure source de l’inspiration, le jeune Andra passe le plus clair de son temps à mûrir son jeu et à perfectionner sa technique instrumentale. "Le ngoni était le jouet des enfants dans notre famille. Nous rivalisions dans sa confection et dans sa maîtrise. Encore très jeune, je le maîtrisais à merveille." En 1989, à l’âge de 16, Andra quitte son village natal pour s'installer à Bamako où il évolue auprès de différents groupes locaux dont le Badema National, tremplin pour des carrières solistes au Mali.
Au fil des rencontres, il est de plus en plus sollicité pour accompagner les meilleures chanteuses et aussi les grands ténors de la scène musicale du Mali : en 1997, Andra Kouyaté adhère à deux groupes de musique: celui de Fantani Touré, avec qui il fait l‘album "N’tin Naari" et une tournée, et celui de Rokia Traoré, pour qui il participe à trois albums, à savoir "Mouneïssa", "Wanita" et "Bowmboï", et huit années de tournées internationales. En parallèle, Andra Kouyaté joue régulièrement avec les plus Grands, Toumani Diabaté et Ali Farka Touré.
En 2005, Andra Kouyaté décide de créer avec son frère aîné Bassékou un orchestre de ngonis dit "NgoniBa" (grand ngoni). Ils font ensemble l’album "Segu Blue" et entament une tournée européenne avec succès. Andra participe aussi à l’enregistrement de "I Speak Fula", deuxième album de cet ensemble.
A partir de 2007, tout en étant en tournée avec Bassékou, il participe à l'album "Afriki" de Habib Koïté ainsi qu'à "Red Earth" de Dee Dee Bridgewater. De plus, Christophe Minck, actuel bassiste de Rokia Traoré ("Tchamantché", 2008), fait appel à lui pour l'album "Kirikou et Karaba" sous la direction de Michel Ocelot (avec participation de Youssou N’Dour, Angélique Kidjo et surtout Rokia Traoré). Il participe également aux albums "Seya" de Oumou Sangaré et aux divers albums de la guitariste américaine Leni Stern.
Puis il décide de fonder avec les Suisses Andreas Fulgosi (guitare, banjo) et Guillaume Lagger (harmonica), le Burkinabé Baba Konaté (calebasse, djembé) le groupe Raaga Trio, rencontre de la musique traditionnelle ouest-africaine avec du jazz.
En 2009, Andra fonde avec son épouse Mah Bara Soumano (voix) le groupe 2Fanga (fila fanga, force de deux). Ce sextuor se produit entre autres au Festival sur le Niger 2009 à Ségou et au Bamako Jazz Festival 2009, et reçoit des reactions très enthousiaste du publique pendant les concerts.
Actuellement, Andra Kouyaté est en tournée d’Europe avec Tiken Jah Fakoly (Côte d’Ivoire).
Discographie :
– Div. Artistes (2003) : Mali Lolo – Stars of Mali. Smithsonian Folkways. – 2Fanga (A. Kouyaté & Mah Bara Soumano) (2009) : Gueleya. Studio Mali. (mp3) – Dee Dee Bridgewater (2007) : Red Earth – A Malian Journey. Emarcy Rec. – Tiken Jah Fakoly (2010) : African Revolution. Wrasse Rec. – Habib Koïté (2007) : Afriki. Cumbancha. – Andra Kouyaté & Sèkè Chi (2011) : Introducing . Studio Mali. (ep, mp3) – Andra Kouyaté & Sèkè Chi (2012) : Saro. Studio Mali. (annoncé fin juillet 2012) – Bassékou Kouyaté & NgoniBa (2007) : Segu Blue. OutHere Rec. – Bassékou Kouyaté & NgoniBa (2009) : I Speak Fula. OutHere Rec. – Michel Ocelot (dir.) (2007) : Comédie musicale – Kirikou et Karaba. EMI France. – Raaga Trio (2010) : The Other Edge. AnotherShapeRec. – Oumou Sangaré (2009) : Seya. World Circuit. (sur track 2) – Mah Bara Soumano (2008) : Sabali. Studio Mali. (cassette) – Leni Stern (2007) : Alu Maye (have you heard). Leni Stern’s Rec. – Leni Stern (2009) : Spirit in the Water. Leni Stern’s Rec. (ep) – Leni Stern (2008) : Africa. Leni Stern’s Rec. – Fantani Touré (2000) : N’tin Naari. Leni Stern’s Rec. – Boubacar Traoré (2002) : Je chanterai pour toi. Marabi. – Rokia Traoré (1998) : Mouneïssa. Indigo. – Rokia Traoré (2000) : Wanita. Indigo. – Rokia Traoré (2003) : Bowmboï. Nonesuch.
Herbert
C’est quel nom en Afrique de l’Ouest qui donne la certitude que sa musique promet et! honore de la qualité ?! Kouya-lité – Quali-yaté – KOUYATÉ ...
Il y a encore des nouvelles agréables issues du Mali ! C’est avec grande joie d’annoncer qu’Andra Kouyaté présente au public son nouveau groupe de cinq artistes baptisé "Sèkè Chi" (sèkèji, eau de potasse) : Baïny Diabaté (guitare), Mamadou Kouyaté (ngoni basse), Moukhtar Kouyaté (calebasse), Lassine Kouyaté (tamani), et enfin Andra Kouyaté (ngoni solo, voix, chef d’orchestre) ; cette instrumentation fait penser vite et prometteur à Rokia Traoré. Son premier album intitulé "Saro", précédé par un ep "Introducing Andra Kouyaté & Sèkè Chi" (en 2011), voit le jour le 31 juillet 2012. J’ai hâte de l’avoir dans les mains ...
"… Andra Kouyate and his band, Seke Chi, are joined by a plethora of top artists from the region, including Amadou & Mariam, Mah Bara Soumano, Bassekou Kouyate, Ami Sacko, Harouna Samake, and Lassana Diabate. […] The acoustic and earthy feel of the instrument is matched with the varied vocals. Overall, the tunes are laid-back and take on the characteristics of Ali Farka Toure's instrumental music, as well as Rokia Traore's instrumental repertoire. The n'goni instrumentation, balafon, calabash, and other infectious instruments are very easy to listen to. This is a contemporary release, but the guitars, and other typical rock elements are nowhere to be found . Fans of North African percussion, Malian music, and n'goni lute aficionados will love Andra's latest venture." (Matthew Forss/Inside World Music)
Andra Kouyaté est un artiste malien dont la spécialité est le ngoni, harpe à chevalet ou "petite guitare" dont le son se situe entre le oud (luth arabe) et le banjo (instrument de musique à cordes pincée nord-américain), et surtout instrument par excellence des griots qui l’utilis(ai)ent pour accompagner les récits des grandes épopées. Par sa créativité impressionnante, Andra Kouyaté nous montre que les instruments traditionnels peuvent êtres exploités sans limites vers des courants musicaux les plus différents. Sa manière d'aborder la musique, sa sensibilité artistique et son charisme personnel ainsi que sa puissance et technique de jeu font de lui un virtuose multi-instrumentiste.
Andra est né en 1973 à Garana (préfecture de Baraouéli), à un jet de pierre de la ville historique de Ségou, dans une grande et influente famille de griots bambara (les griots Kouyaté ont toujours été les clients des Keïtas, ceux-ci étant considérés comme les descendants directs de Sunjata lui-même ! Et même de nos jours, ils sont encore associés à l’élite politique locale Mandé). Il s’est abreuvé à des sources limpides dès sa petite enfance : son père Moustapha Kouyaté était un des meilleurs joueurs de ngoni de sa génération, sa mère était la grande chanteuse Yagaré Damba, et l’un de ses grand-pères n’était autre que le mythique Banzoumana Sissoko, griot et joueur de ngoni le plus important de l’ère coloniale. L’héritage étant la meilleure source de l’inspiration, le jeune Andra passe le plus clair de son temps à mûrir son jeu et à perfectionner sa technique instrumentale. "Le ngoni était le jouet des enfants dans notre famille. Nous rivalisions dans sa confection et dans sa maîtrise. Encore très jeune, je le maîtrisais à merveille." En 1989, à l’âge de 16, Andra quitte son village natal pour s'installer à Bamako où il évolue auprès de différents groupes locaux dont le Badema National, tremplin pour des carrières solistes au Mali.
Au fil des rencontres, il est de plus en plus sollicité pour accompagner les meilleures chanteuses et aussi les grands ténors de la scène musicale du Mali : en 1997, Andra Kouyaté adhère à deux groupes de musique: celui de Fantani Touré, avec qui il fait l‘album "N’tin Naari" et une tournée, et celui de Rokia Traoré, pour qui il participe à trois albums, à savoir "Mouneïssa", "Wanita" et "Bowmboï", et huit années de tournées internationales. En parallèle, Andra Kouyaté joue régulièrement avec les plus Grands, Toumani Diabaté et Ali Farka Touré.
En 2005, Andra Kouyaté décide de créer avec son frère aîné Bassékou un orchestre de ngonis dit "NgoniBa" (grand ngoni). Ils font ensemble l’album "Segu Blue" et entament une tournée européenne avec succès. Andra participe aussi à l’enregistrement de "I Speak Fula", deuxième album de cet ensemble.
A partir de 2007, tout en étant en tournée avec Bassékou, il participe à l'album "Afriki" de Habib Koïté ainsi qu'à "Red Earth" de Dee Dee Bridgewater. De plus, Christophe Minck, actuel bassiste de Rokia Traoré ("Tchamantché", 2008), fait appel à lui pour l'album "Kirikou et Karaba" sous la direction de Michel Ocelot (avec participation de Youssou N’Dour, Angélique Kidjo et surtout Rokia Traoré). Il participe également aux albums "Seya" de Oumou Sangaré et aux divers albums de la guitariste américaine Leni Stern.
Puis il décide de fonder avec les Suisses Andreas Fulgosi (guitare, banjo) et Guillaume Lagger (harmonica), le Burkinabé Baba Konaté (calebasse, djembé) le groupe Raaga Trio, rencontre de la musique traditionnelle ouest-africaine avec du jazz.
En 2009, Andra fonde avec son épouse Mah Bara Soumano (voix) le groupe 2Fanga (fila fanga, force de deux). Ce sextuor se produit entre autres au Festival sur le Niger 2009 à Ségou et au Bamako Jazz Festival 2009, et reçoit des reactions très enthousiaste du publique pendant les concerts.
Actuellement, Andra Kouyaté est en tournée d’Europe avec Tiken Jah Fakoly (Côte d’Ivoire).
Discographie :
– Div. Artistes (2003) : Mali Lolo – Stars of Mali. Smithsonian Folkways. – 2Fanga (A. Kouyaté & Mah Bara Soumano) (2009) : Gueleya. Studio Mali. (mp3) – Dee Dee Bridgewater (2007) : Red Earth – A Malian Journey. Emarcy Rec. – Tiken Jah Fakoly (2010) : African Revolution. Wrasse Rec. – Habib Koïté (2007) : Afriki. Cumbancha. – Andra Kouyaté & Sèkè Chi (2011) : Introducing . Studio Mali. (ep, mp3) – Andra Kouyaté & Sèkè Chi (2012) : Saro. Studio Mali. (annoncé fin juillet 2012) – Bassékou Kouyaté & NgoniBa (2007) : Segu Blue. OutHere Rec. – Bassékou Kouyaté & NgoniBa (2009) : I Speak Fula. OutHere Rec. – Michel Ocelot (dir.) (2007) : Comédie musicale – Kirikou et Karaba. EMI France. – Raaga Trio (2010) : The Other Edge. AnotherShapeRec. – Oumou Sangaré (2009) : Seya. World Circuit. (sur track 2) – Mah Bara Soumano (2008) : Sabali. Studio Mali. (cassette) – Leni Stern (2007) : Alu Maye (have you heard). Leni Stern’s Rec. – Leni Stern (2009) : Spirit in the Water. Leni Stern’s Rec. (ep) – Leni Stern (2008) : Africa. Leni Stern’s Rec. – Fantani Touré (2000) : N’tin Naari. Leni Stern’s Rec. – Boubacar Traoré (2002) : Je chanterai pour toi. Marabi. – Rokia Traoré (1998) : Mouneïssa. Indigo. – Rokia Traoré (2000) : Wanita. Indigo. – Rokia Traoré (2003) : Bowmboï. Nonesuch.
Herbert
Kora meets piano
Toumani Diabaté – kora Hans Lüdemann – piano / clavicorde
La séduisante alliance de la kora de Toumani Diabaté et du piano de Hans Lüdemann contribue à dissoudre les limites de leurs cultures et à atteindre, dans leur fusion, un haut niveau de l'inspiration, de l’intimité et de l’intensité. D’aucuns autres instruments ne pourraient être plus représentatifs pour les cultures (ouest-)africaine et européenne que la kora et le piano, tous les deux étant des instruments harmoniques, mélodiques et rythmiques, non seulement des instruments solo mais aussi des instruments d’accompagnement. La kora ainsi que le piano totalisent tout le langage musical, et leurs techniques peuvent servir à des compositions écrites mais aussi à l’improvisation et à la création. L’improvisation et le jazz y sont les éléments essentiels qui unissent les deux cultures musicales et permettent des multiples points communs. Par le clavicorde, ancêtre du piano, résulte un autre "pont" sonore et historique entre les cultures.
Les deux musiciens ont travaillé ensemble pour la première fois en 1999 à Bamako, ville natale de Toumani Diabaté, en duo et en ensemble. En 2002, ils y ont continué la collaboration et, en 2011, ont donné des concerts en Europe, notamment à Berlin et à Cologne. En décembre 2012, une tournée du duo est en cours de planification.
Toumani Diabaté et Hans Lüdemann sont tous les deux des virtuoses de leurs instruments. Toumani Diabaté, né dans une grande famille de griots, "caste" musicale traditionnelle en Afrique de l'Ouest, est bien le plus célèbre soliste de la kora de nos jours. Grâce à son travail solo et avec ensemble et aussi grâce à des projets avec des musiciens comme le grand Ali Farka Touré ("In the Heart of the Moon" et "Ali & Toumani"), la chanteuse Kandia Kouyaté ("Symphonie Mandingue Live"), l’autre grand joueur de kora malien, Ballaké Sissoko ("Nouvelles Cordes Anciennes"), la vedette du ngoni Bassékou Kouyaté ("Djelika"), le groupe de flamenco Ketama ("Songhai" et "Songhai 2"), le chanteur de blues Taj Mahal ("Kulanjan"), avec Afrocubism, Herbie Hancock et Björk, a sondé les multiples connexions et points communs de la musique africaine. Hans Lüdemann, de formation en piano classique et de jazz à la fois, est pianiste et compositeur, considéré comme musicien renommé de jazz allemand. Il se consacre depuis quelques années à de nouveaux projets, à une forte affection pour la musique africaine. On lui doit notamment la création du solo "Das virtuelle Klavier" (le piano virtuel) et celle de divers trios "classiques" dans le jazz : en janvier, il a édité un coffret des 5 volets de son "Die Kunst des Trios" (l’art du trio), un vrai manifeste de sa conception de l’art du trio (chaque volet comprend une autre section rythmique). De plus, le Hambourgois travaille avec des artistes africains pendant des années, notamment avec le balafoniste Aly Keïta dans le Trio Ivoire (+ un batteur néerlandais d’origine indienne), le joueur de kora Dindin Tata (Gambie) et les chanteuses Chiwoniso (Zimbabwe) et Dobet Gnahoré (Côte d'Ivoire). Et il s’est investi dans les projets des grands jazzers comme Jan Garbarek, Paul Bley, Marc Ducret, Heinz Sauer et Mark Feldman.
http://www.youtube.com/watch?v=MOs1xp5nktg (Toumani Diabaté & Hans Lüdemann en concert à Cologne)
Tata Dindin & Hans Lüdemann (2008) : Piano meets Kora – African Dialogs. Rism (Alive). Tata Dindin & Hans Lüdemann (2009) : Kano (edition 2009). NRW Rec. Hans Lüdemann (2012) : Die Kunst des Trios 1 – 5. BMC. Trio Ivoire (2011) : Across the Oceans. Enja.
Herbert
Toumani Diabaté – kora Hans Lüdemann – piano / clavicorde
La séduisante alliance de la kora de Toumani Diabaté et du piano de Hans Lüdemann contribue à dissoudre les limites de leurs cultures et à atteindre, dans leur fusion, un haut niveau de l'inspiration, de l’intimité et de l’intensité. D’aucuns autres instruments ne pourraient être plus représentatifs pour les cultures (ouest-)africaine et européenne que la kora et le piano, tous les deux étant des instruments harmoniques, mélodiques et rythmiques, non seulement des instruments solo mais aussi des instruments d’accompagnement. La kora ainsi que le piano totalisent tout le langage musical, et leurs techniques peuvent servir à des compositions écrites mais aussi à l’improvisation et à la création. L’improvisation et le jazz y sont les éléments essentiels qui unissent les deux cultures musicales et permettent des multiples points communs. Par le clavicorde, ancêtre du piano, résulte un autre "pont" sonore et historique entre les cultures.
Les deux musiciens ont travaillé ensemble pour la première fois en 1999 à Bamako, ville natale de Toumani Diabaté, en duo et en ensemble. En 2002, ils y ont continué la collaboration et, en 2011, ont donné des concerts en Europe, notamment à Berlin et à Cologne. En décembre 2012, une tournée du duo est en cours de planification.
Toumani Diabaté et Hans Lüdemann sont tous les deux des virtuoses de leurs instruments. Toumani Diabaté, né dans une grande famille de griots, "caste" musicale traditionnelle en Afrique de l'Ouest, est bien le plus célèbre soliste de la kora de nos jours. Grâce à son travail solo et avec ensemble et aussi grâce à des projets avec des musiciens comme le grand Ali Farka Touré ("In the Heart of the Moon" et "Ali & Toumani"), la chanteuse Kandia Kouyaté ("Symphonie Mandingue Live"), l’autre grand joueur de kora malien, Ballaké Sissoko ("Nouvelles Cordes Anciennes"), la vedette du ngoni Bassékou Kouyaté ("Djelika"), le groupe de flamenco Ketama ("Songhai" et "Songhai 2"), le chanteur de blues Taj Mahal ("Kulanjan"), avec Afrocubism, Herbie Hancock et Björk, a sondé les multiples connexions et points communs de la musique africaine. Hans Lüdemann, de formation en piano classique et de jazz à la fois, est pianiste et compositeur, considéré comme musicien renommé de jazz allemand. Il se consacre depuis quelques années à de nouveaux projets, à une forte affection pour la musique africaine. On lui doit notamment la création du solo "Das virtuelle Klavier" (le piano virtuel) et celle de divers trios "classiques" dans le jazz : en janvier, il a édité un coffret des 5 volets de son "Die Kunst des Trios" (l’art du trio), un vrai manifeste de sa conception de l’art du trio (chaque volet comprend une autre section rythmique). De plus, le Hambourgois travaille avec des artistes africains pendant des années, notamment avec le balafoniste Aly Keïta dans le Trio Ivoire (+ un batteur néerlandais d’origine indienne), le joueur de kora Dindin Tata (Gambie) et les chanteuses Chiwoniso (Zimbabwe) et Dobet Gnahoré (Côte d'Ivoire). Et il s’est investi dans les projets des grands jazzers comme Jan Garbarek, Paul Bley, Marc Ducret, Heinz Sauer et Mark Feldman.
http://www.youtube.com/watch?v=MOs1xp5nktg (Toumani Diabaté & Hans Lüdemann en concert à Cologne)
Tata Dindin & Hans Lüdemann (2008) : Piano meets Kora – African Dialogs. Rism (Alive). Tata Dindin & Hans Lüdemann (2009) : Kano (edition 2009). NRW Rec. Hans Lüdemann (2012) : Die Kunst des Trios 1 – 5. BMC. Trio Ivoire (2011) : Across the Oceans. Enja.
Herbert
Bonjour,
J'ai eu l'occasion de parcourir quelques topics notamment celui qui renseigne très complètement le sujet des chansons de Rokia Traoré. c'est indéniablement avec plaisir que je l'ai lu.
Je joue du kamélén'goni depuis un peu plus de 2 ans maintenant (Abou Diarra étant mon "professeur") et je suis à la recherche de chants populaires ou traditionnels afin de pouvoir enrichir mon répertoire.
Actuellement je connais déjà les lignes instrumentales de certains morceaux connus (Bamanaya ké/Bamougoutji, Diaraby néné et Maladon d'Oumou Sangaré, Doni doni yembela, etc...), malheureusement je ne connais pas (ou seulement des bribes) les paroles qu'accompagnent ces lignes, et mon oreille n'est pas encore suffisamment affutée au bambara pour pouvoir retranscrire les paroles (et de plus sans la compréhension des chants, ça me paraîtrait "injuste" ou "malhonnête" vis à vis de cette culture).
C'est donc dans cette optique que je cherche des paroles complémentaires ou des morceaux que je ne connais pas, ainsi que leur sens.
J'espère que quelqu'un entendra mon appel^^
Merci d'avance,
François
Je joue du kamélén'goni depuis un peu plus de 2 ans maintenant (Abou Diarra étant mon "professeur") et je suis à la recherche de chants populaires ou traditionnels afin de pouvoir enrichir mon répertoire.
Actuellement je connais déjà les lignes instrumentales de certains morceaux connus (Bamanaya ké/Bamougoutji, Diaraby néné et Maladon d'Oumou Sangaré, Doni doni yembela, etc...), malheureusement je ne connais pas (ou seulement des bribes) les paroles qu'accompagnent ces lignes, et mon oreille n'est pas encore suffisamment affutée au bambara pour pouvoir retranscrire les paroles (et de plus sans la compréhension des chants, ça me paraîtrait "injuste" ou "malhonnête" vis à vis de cette culture).
C'est donc dans cette optique que je cherche des paroles complémentaires ou des morceaux que je ne connais pas, ainsi que leur sens.
J'espère que quelqu'un entendra mon appel^^
Merci d'avance,
François
Sapho , chanteuse Franco Marocaine qui chante Oum Kalthoum , un vrai régal .
https://www.youtube.com/watch?v=2hSu6UaNTlM
https://www.youtube.com/watch?v=2hSu6UaNTlM
« Virtuose, ludique et attachant » (Le Figaro, 2018)
Une carrière à « pas de géant »
Ex-étudiante en piano classique convertie au jazz (vocal), la chanteuse Camille Bertault s’est fait connaître sur Facebook en reprenant à la voix quelques solos fameux et particulièrement difficiles des plus grands instrumentistes du jazz dont un solo ultrarapide de John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps » (pas de géant en français), l'un des morceaux et albums légendaires du jazz moderne... L’aisance sidérante de cette jeune Française (31) dans cet exercice est renversante : dès lors qu’elle en a posté des vidéos sur le web, 700.000 vues en quatre jours attirent la maison de disque Sony Music qui la signe pour deux albums magnifiques : « En Vie », premier opus (2016) et « Pas de Géant », le dernier sorti début 2018. Son chant scat hors norme swingue entre le français et une petite touche d’anglais et portugais, porté par une voix sensuelle et joyeuse qui alterne entre les styles avec grande virtuosité. Une intonation parfaite, un timing captivant, un timbre clair, une précision incroyable et des hauteurs du son impressionnantes – elle incorpore tout ça. Un véritable phénomène...
Tout commence par une vidéo amateur postée sur le net : la jeune chanteuse française Camille Bertault se filme en chantant note pour note le solo du John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps ». Elle multiple alors – du même tonneau, toutes ébouriffantes les unes que les autres – les réinterprétations et improvisations de quelques poids lourds du jazz contemporain dont Bill Evans, Wayne Shorter, Sonny Rollins, Herbie Hancock, Roy Hargrove et Hermeto Pascoal. Bingo ! En quelques semaines, cette Française remuante s’est fait un nom et sa carrière est lancée…
A quatre ans, Camille s’initie au piano grâce à son père, pianiste amateur de jazz, qui lui met dans les oreilles Bill Evans et Keith Jarrett, et lui apprend Ravel, Chopin et Scriabine, les quelques préludes de Bach et Debussy. A l’âge de huit, elle se rend au conservatoire. Camille Bertault fait aussi de la danse, du théâtre : au bout de vingt ans, fatiguée de la structure stricte et rigide du conservatoire, elle abandonne le piano pour le chant. Après une incursion dans le milieu du théâtre, elle reconnaît enfin que c’est le rapport texte/musique qui la passionne vraiment. Puis, imprégnée des chansons de Ferré, Brassens et Gainsbourg, elle commence à écrire ses propres chansons et intègre le Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris (CRR) en section jazz, en tant que chanteuse. Elle y reçoit une solide formation en composition, harmonie et chant jazz, bref, elle travaille l’improvisation, peaufine sa technique et prend confiance grâce à la chanteuse Sara Lazarus, « ma seule et unique prof de chant jazz en fin de compte ».
En parallèle, elle crée le duo guitare-voix-clavier-pédale looper, TIPA (aux textes français bien acides et au rythme qui groove, théâtral et culotté), qui obtient une bourse de la mairie de Paris, fait plusieurs tournées au Japon et au Brésil, et enregistre l’album « 100% coton ».
« J’ai toujours chanté, un peu avec mon père, mais toujours de manière assez festive », raconte Camille. Entre-temps, le chant et l’improvisation font partie de sa vie. Dans la rue, dans les transports, Camille Bertault chante, écoute des solos et tente de les reproduire, comme un défi : « Pendant une semaine je me mets le casque sur les oreilles et je chante. Les gens me regardent un peu bizarrement parfois c’est vrai », s’amuse-t-elle.
Peu après, un premier album s’enclenche, « En Vie », qui sort au printemps 2016 et qui met en œuvre les intentions musicales de Camille Bertault, à savoir, de ne pas produire un album où la voix n’est qu’un matériau mais où les textes sont aussi suffisamment étroits (« Je suis très attentive aux textes, j'aime le rôle de conteur qui incombe aux chanteurs, cela me vient du théâtre et du cabaret »). Publié par le label Sunnyside, cet album début enregistré avec un trio composé du pianiste Olivier Hutman, du contrebassiste Gildas Boclé et du batteur Antoine Paganotti, est une collection de six de ses propres compositions et quatre morceaux appartenant au répertoire du jazz (entre autres l’illustre « Prelude to a Kiss » de Duke Ellington), auxquels Camille Bertault donne des paroles à elle, joviales, plaisantines, songeuses, teintées de mélancolie et d’ironie, toujours en français. Le bilan est « frais, c’est vif, c’est habile et léger, c’est beau et mélodieux, ça pétille ; c’est admirablement soutenu par le trio du pianiste Olivier Hutman » (bananierbleu.fr). Tous les arrangements et compositions accordent amplement de place aux instrumentistes en confortant cet esprit de finesse et de légèreté. Bref, un disque passionnant, plein de charme, de joie et de sensibilité…
Après le superbe album début qui donne envie d’écouter plus encore Camille Bertault, elle revient avec son second album « Pas de Géant », fort de seize titres, en ce début d’année. Dans la continuité de son premier opus, la chanteuse nous propose encore un album très personnel. On redécouvre des réinterprétations de classiques comme un pot-pourri magistral de Ravel (seize mélodies en quatre minutes) et la première des trente « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach ainsi que des classiques de la chanson française comme « Je me suis fait tout petit » de Georges Brassens et « Comme te dire adieu » de Serge Gainsbourg. L’album se clôture avec une reprise déjantée de « Conne » écrite par Brigitte Fontaine. Et, c’est évident, il ne faut pas non plus manquer le jazz : elle reprend alors des standards comme « Very Early » de Bill Evans ou « House of Jade » de Wayne Shorter mais aussi « Giant Steps », l’historique standard de John Coltrane (1959), devenu sous ses mains une chanson, un vocalese sous le titre « Là où tu vas » ayant repris note à note le jeu de saxophone, dans la version qui l’a rendue populaire sur internet :
« Pas de géant tu As fait quand tu a compris Que tu n'es pas là pour être ce Que le monde veut Pas de géant tu As fait quand ce que tu donnes Vient d'ici, pas d'ailleurs Ni d'là-bas Et qu'tu sais là où tu vas »
Pour proposer un album vraiment personnel, Camille Bertault ne se contente uniquement de reprises. Sept propres compositions complètent cet album, dont une chantée en anglais, où les rêves, la mélancolie, l’intimité et la poésie sont au programme. C’est donc un bel album original que nous offre Camille Bertault, chaque pièce une porte ouverte sur la personnalité de cette chanteuse. Sur l’album, Camille Bertault (voix, compositions, textes, arrangements) est accompagnée par Michael Leonhart (arrangements, direction, trompette, bugle, claviers, percussion), Dan Tepfer (piano), Christophe 'Disco' Minck (contrebasse, guitare basse, harpe, synthétiseur), Joe Sanders (contrebasse), Jeff Ballard (batterie), Stéphane Guillaume (saxophones, flûte, clarinette basse), Daniel Mille (accordéon), Mathias Mahler (trombone), et François Salque (violoncelle).
Avec « Pas de Géant », Camille Bertault prouve qu'elle sait unir et combiner tous ses talents divers: sa formation classique de piano, sa passion pour le théâtre et le cabaret, celle pour le jazz et surtout son ingéniosité illimitée et sa liberté. Elle est une vraie artiste qui vit sa vie sur scène, qui ressent cette énergie virtuose, qui la fait carrément briller en chantant. Elle ne fait pas non seulement de la musique, elle est de la musique pure et dure. Si elle hurle, chuchote ou scatte, dans tous les registres qu’elle survole à une vitesse folle: sa voix est toujours au centre. De plus, Bertault est une brilliante conteuse qui sait mettre en musique le grand patrimoine des chansonniers français, ainsi que les « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach. Sur cet album, Camille Bertault ne cache rien. Parfois nostalgique, parfois mélancolique, parfois farceuse, parfois déjantée, elle montre, en toute liberté, ses différentes facettes. Une personnalité musicale impressionnante – un album impressionnant...
Disques :
Camille Bertault 2016. En Vie. Sunnyside. Camille Bertault 2018. Pas de Géant. Okeh (Sony Music).
Vidéos :
Camille Bertault 'chante' le grand John Coltrane :
https://www.youtube.com/watch?v=OkQRt82jKfU
Camille Bertault 'chante' Hermeto Pascoal :
https://www.youtube.com/watch?v=gJ76xbFWY90
Camille Bertault 'chante' « Course » :
https://www.youtube.com/watch?v=Hw43Z61N86w
Camille Bertault 'chante' « En Vie » (live, avec le trio du pianiste Olivier Hutman) :
https://www.youtube.com/watch?v=oFb0s_WdbyY
Amusez-vous bien !
Hery
Une carrière à « pas de géant »
Ex-étudiante en piano classique convertie au jazz (vocal), la chanteuse Camille Bertault s’est fait connaître sur Facebook en reprenant à la voix quelques solos fameux et particulièrement difficiles des plus grands instrumentistes du jazz dont un solo ultrarapide de John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps » (pas de géant en français), l'un des morceaux et albums légendaires du jazz moderne... L’aisance sidérante de cette jeune Française (31) dans cet exercice est renversante : dès lors qu’elle en a posté des vidéos sur le web, 700.000 vues en quatre jours attirent la maison de disque Sony Music qui la signe pour deux albums magnifiques : « En Vie », premier opus (2016) et « Pas de Géant », le dernier sorti début 2018. Son chant scat hors norme swingue entre le français et une petite touche d’anglais et portugais, porté par une voix sensuelle et joyeuse qui alterne entre les styles avec grande virtuosité. Une intonation parfaite, un timing captivant, un timbre clair, une précision incroyable et des hauteurs du son impressionnantes – elle incorpore tout ça. Un véritable phénomène...
Tout commence par une vidéo amateur postée sur le net : la jeune chanteuse française Camille Bertault se filme en chantant note pour note le solo du John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps ». Elle multiple alors – du même tonneau, toutes ébouriffantes les unes que les autres – les réinterprétations et improvisations de quelques poids lourds du jazz contemporain dont Bill Evans, Wayne Shorter, Sonny Rollins, Herbie Hancock, Roy Hargrove et Hermeto Pascoal. Bingo ! En quelques semaines, cette Française remuante s’est fait un nom et sa carrière est lancée…
A quatre ans, Camille s’initie au piano grâce à son père, pianiste amateur de jazz, qui lui met dans les oreilles Bill Evans et Keith Jarrett, et lui apprend Ravel, Chopin et Scriabine, les quelques préludes de Bach et Debussy. A l’âge de huit, elle se rend au conservatoire. Camille Bertault fait aussi de la danse, du théâtre : au bout de vingt ans, fatiguée de la structure stricte et rigide du conservatoire, elle abandonne le piano pour le chant. Après une incursion dans le milieu du théâtre, elle reconnaît enfin que c’est le rapport texte/musique qui la passionne vraiment. Puis, imprégnée des chansons de Ferré, Brassens et Gainsbourg, elle commence à écrire ses propres chansons et intègre le Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris (CRR) en section jazz, en tant que chanteuse. Elle y reçoit une solide formation en composition, harmonie et chant jazz, bref, elle travaille l’improvisation, peaufine sa technique et prend confiance grâce à la chanteuse Sara Lazarus, « ma seule et unique prof de chant jazz en fin de compte ».
En parallèle, elle crée le duo guitare-voix-clavier-pédale looper, TIPA (aux textes français bien acides et au rythme qui groove, théâtral et culotté), qui obtient une bourse de la mairie de Paris, fait plusieurs tournées au Japon et au Brésil, et enregistre l’album « 100% coton ».
« J’ai toujours chanté, un peu avec mon père, mais toujours de manière assez festive », raconte Camille. Entre-temps, le chant et l’improvisation font partie de sa vie. Dans la rue, dans les transports, Camille Bertault chante, écoute des solos et tente de les reproduire, comme un défi : « Pendant une semaine je me mets le casque sur les oreilles et je chante. Les gens me regardent un peu bizarrement parfois c’est vrai », s’amuse-t-elle.
Peu après, un premier album s’enclenche, « En Vie », qui sort au printemps 2016 et qui met en œuvre les intentions musicales de Camille Bertault, à savoir, de ne pas produire un album où la voix n’est qu’un matériau mais où les textes sont aussi suffisamment étroits (« Je suis très attentive aux textes, j'aime le rôle de conteur qui incombe aux chanteurs, cela me vient du théâtre et du cabaret »). Publié par le label Sunnyside, cet album début enregistré avec un trio composé du pianiste Olivier Hutman, du contrebassiste Gildas Boclé et du batteur Antoine Paganotti, est une collection de six de ses propres compositions et quatre morceaux appartenant au répertoire du jazz (entre autres l’illustre « Prelude to a Kiss » de Duke Ellington), auxquels Camille Bertault donne des paroles à elle, joviales, plaisantines, songeuses, teintées de mélancolie et d’ironie, toujours en français. Le bilan est « frais, c’est vif, c’est habile et léger, c’est beau et mélodieux, ça pétille ; c’est admirablement soutenu par le trio du pianiste Olivier Hutman » (bananierbleu.fr). Tous les arrangements et compositions accordent amplement de place aux instrumentistes en confortant cet esprit de finesse et de légèreté. Bref, un disque passionnant, plein de charme, de joie et de sensibilité…
Après le superbe album début qui donne envie d’écouter plus encore Camille Bertault, elle revient avec son second album « Pas de Géant », fort de seize titres, en ce début d’année. Dans la continuité de son premier opus, la chanteuse nous propose encore un album très personnel. On redécouvre des réinterprétations de classiques comme un pot-pourri magistral de Ravel (seize mélodies en quatre minutes) et la première des trente « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach ainsi que des classiques de la chanson française comme « Je me suis fait tout petit » de Georges Brassens et « Comme te dire adieu » de Serge Gainsbourg. L’album se clôture avec une reprise déjantée de « Conne » écrite par Brigitte Fontaine. Et, c’est évident, il ne faut pas non plus manquer le jazz : elle reprend alors des standards comme « Very Early » de Bill Evans ou « House of Jade » de Wayne Shorter mais aussi « Giant Steps », l’historique standard de John Coltrane (1959), devenu sous ses mains une chanson, un vocalese sous le titre « Là où tu vas » ayant repris note à note le jeu de saxophone, dans la version qui l’a rendue populaire sur internet :
« Pas de géant tu As fait quand tu a compris Que tu n'es pas là pour être ce Que le monde veut Pas de géant tu As fait quand ce que tu donnes Vient d'ici, pas d'ailleurs Ni d'là-bas Et qu'tu sais là où tu vas »
Pour proposer un album vraiment personnel, Camille Bertault ne se contente uniquement de reprises. Sept propres compositions complètent cet album, dont une chantée en anglais, où les rêves, la mélancolie, l’intimité et la poésie sont au programme. C’est donc un bel album original que nous offre Camille Bertault, chaque pièce une porte ouverte sur la personnalité de cette chanteuse. Sur l’album, Camille Bertault (voix, compositions, textes, arrangements) est accompagnée par Michael Leonhart (arrangements, direction, trompette, bugle, claviers, percussion), Dan Tepfer (piano), Christophe 'Disco' Minck (contrebasse, guitare basse, harpe, synthétiseur), Joe Sanders (contrebasse), Jeff Ballard (batterie), Stéphane Guillaume (saxophones, flûte, clarinette basse), Daniel Mille (accordéon), Mathias Mahler (trombone), et François Salque (violoncelle).
Avec « Pas de Géant », Camille Bertault prouve qu'elle sait unir et combiner tous ses talents divers: sa formation classique de piano, sa passion pour le théâtre et le cabaret, celle pour le jazz et surtout son ingéniosité illimitée et sa liberté. Elle est une vraie artiste qui vit sa vie sur scène, qui ressent cette énergie virtuose, qui la fait carrément briller en chantant. Elle ne fait pas non seulement de la musique, elle est de la musique pure et dure. Si elle hurle, chuchote ou scatte, dans tous les registres qu’elle survole à une vitesse folle: sa voix est toujours au centre. De plus, Bertault est une brilliante conteuse qui sait mettre en musique le grand patrimoine des chansonniers français, ainsi que les « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach. Sur cet album, Camille Bertault ne cache rien. Parfois nostalgique, parfois mélancolique, parfois farceuse, parfois déjantée, elle montre, en toute liberté, ses différentes facettes. Une personnalité musicale impressionnante – un album impressionnant...
Disques :
Camille Bertault 2016. En Vie. Sunnyside. Camille Bertault 2018. Pas de Géant. Okeh (Sony Music).
Vidéos :
Camille Bertault 'chante' le grand John Coltrane :
https://www.youtube.com/watch?v=OkQRt82jKfU
Camille Bertault 'chante' Hermeto Pascoal :
https://www.youtube.com/watch?v=gJ76xbFWY90
Camille Bertault 'chante' « Course » :
https://www.youtube.com/watch?v=Hw43Z61N86w
Camille Bertault 'chante' « En Vie » (live, avec le trio du pianiste Olivier Hutman) :
https://www.youtube.com/watch?v=oFb0s_WdbyY
Amusez-vous bien !
Hery
La chanteuse cap-verdienne Cesaria Evora, qui était surnommée "la diva aux pieds nus" est décédée hier samedi 17 décembre au Cap Vert.
ci dessous un petit lien, à écouter, Sodade, sans doute sa plus belle chanson....
http://www.youtube.com/watch?v=ERYY8GJ-i0I&feature=related
Un deuil national de 48 heures a été déclaré au Cap Vert.
ci dessous un petit lien, à écouter, Sodade, sans doute sa plus belle chanson....
http://www.youtube.com/watch?v=ERYY8GJ-i0I&feature=related
Un deuil national de 48 heures a été déclaré au Cap Vert.
Bonjour à tous!
Je m'appelle Aing'uh. Je suis chanteuse de world music et je viens de Madagascar. Je ne sais pas si quelques uns d'entre vous ont déjà voyager à Mada, mais mon île regorge d'endroits magnifiques à visiter. Je poste régulièrement des articles sur mon blog. Je parle notamment des endroits touristiques, de ma musique et de la musique en général à Madagascar. N'hésitez pas à aller y faire un tour: ainguh.over-blog.com . Je vous poste une de mes photos lors d'un de mes voyage dans le sud de mon île: Tuléar. Le soleil brille et le ciel est bleu. Il y fait bon vivre. Bonne lecture!
Une anthropologue intriguée par la perte soudaine de voix d'Aziz'Inanga, chanteuse gabonaise prometteuse a décidé de lui consacrer un film. Une courte biographie de l'artiste la dit bachelière et passée par l'université. Il se trouve que je l'ai fort bien connue, travaillant avec elle de 1971 à 1973....elle avait 20 ans en 71, avait quitté le collège de l'Immaculée Conception après la 3e et n'étant pas bachelière, n'avait jamais fréquenté l'université. Marie-José de son nom séculaire, dite Marie-Jo, fut mon informatrice pour l'étude de sa langue, tant à Libreville qu'à Port-Gentil où nous nous étions retrouvés par hasard, et au fil des ans, je lui ai donné quelques conseils quant au choix de l'expression de la culture traditionnelle. En 73, alors que je me retrouvais célibataire en raison du délabrement mental de mon épouse, rapatriée sanitaire et internée dès son arrivée en France, un coup de téléphone me réveilla au milieu de la nuit, c'était Marie-Jo qui, la voix éraillée, à peine audible, me demandait d'aller la chercher à la sortie d'une boîte de nuit du quartier des cocotiers. J'ai vite reconnu sa silhouette fluette dans la foule qui soulevait un nuage de poussière et j'ai arrêté ma voiture à sa hauteur. A ma question ; "où veux-tu que je te conduise ?" elle fit une réponse sans ambiguïté : "chez toi". Elle avait des problèmes avec son compagnon, un sot prétentieux qui se prenait pour un grand metteur en scène, poète, acteur et profitait de sa célébrité naissante pour se faire mousser en la réduisant au rôle de faire-valoir. Nous nous sommes assez vite séparés en raison de sa situation compliquée et ayant quitté le Gabon fin 75, je n'ai eu de ses nouvelles qu'en 88 quand elle me téléphona à mon domicile français, ayant eu mon adresse par une ancienne relation commune de Port-Gentil...elle voulait m'envoyer ses CD....mais je n'ai jamais rien reçu. A mon avis, sa perte de voix depuis 1980 est une manifestation psychosomatique et aurait nécessité l'intervention d'un ORL et d'un psychologue. J'ai conservé de Marie-Jo un souvenir excellent, elle aurait pu avoir une carrière internationale si elle avait été bien entourée alors qu'elle est sur la voie de l'oubli total dans un pays en complète déliquescence. Bonne chance Marie-Jo !
Une grande voix de la musique malienne s'est éteinte
La chanteuse malienne Fantani Touré est décédée, à l'âge de 50 ans, mardi à Paris. Elle était l'une des voix les plus respectée du Mali mais aussi une artiste engagée, impliquée dans de nombreux projets pour la promotion de la culture malienne et pour la défense des droits des femmes au Mali.
"Le ministre de la Culture annonce, avec une profonde affliction, la disparition tragique de l'artiste Mme Dembélé Fantani Touré, qui s'est éteinte le mercredi 3 décembre 2014 à Paris où elle résidait depuis plusieurs années", selon un communiqué officiel. Le gouvernement rend hommage à Fantani Touré, "éminente figure artistique" connue pour son "engagement pour la promotion de la culture malienne", et couronnée par plusieurs distinctions dont la médaille de Chevalier de l'Ordre national du Mali (2010) et le Prix Unesco de la paix (2011).
Épouse du célèbre comédien Habib Dembélé, elle consacre sa vie quasiment exclusivement aux arts. Déjà à l'âge de sept ans, Fantani commence à se produire sur scène comme danseuse, chanteuse et comédienne de théâtre. A dix ans, elle reçoit le titre de "Meilleure soliste et danseuse" lors des Biennales Artistiques et Culturelles du Mali. En 1995, lors du Marché des Arts du Spectacle Africain, Fantani chante en solo accompagnée par le virtuose de la kora, Toumani Diabaté. Là elle se fait remarquer au grand public. Deux ans plus tard, elle sort son premier album international, N'tin Naari, la toute première production au studio "Wanda" de Salif Keïta, dans la série "Salif Keïta presents ...". Il est élu "Meilleur album" et "Meilleure vente", et Fantani "Meilleure artiste au Mali". Après sa parution, on fête une nouvelle et imposante voix de la musique wassoulou : "...It is said: 'Powerful men quake' when she sings! ... Strong musicianship, diamond fingered balafon, rolling percussion, loping basslines and the trademark Wassoulou chorus vocals." (FRoots)
Depuis, cette forte personnalité originaire du quartier bamakois de Bozola produit une demi-douzaine de disques et collabore avec d'autres grands noms de la musique dont ses compatriotes Toumani Diabaté, Ali Farka Touré, Lansine Diabaté et Makan Tounkara. Elle participe à de nombreux festivals à travers le monde : au Festival d'Angoulême, au Festival des Francophonies de Limoges, au Festival de l'Hippodrôme de Douai, à la Cité de la Musique (avec Salif Keïta), au Festival Paroles d'Hiver en Bretagne, au Festival Le Mali en Scène à Paris, au Festival au Désert et au Festival Yelen au Mali.
En parallèle, elle s'associe à divers projets de création théâtrale et s'engage au cinéma, notamment dans "Sya, le rêve du python" de Dani Kouyaté (Burkina Faso) et dans "La Genèse" du Cheick Oumar Sissoko (Mali). Pour le premier, elle compose aussi la musique.
En 2001, elle prépare le spectacle d'ouverture de la Coupe d'Afrique des Nations au Mali, en 2008, elle initie, pour la cause des femmes, un festival baptisé Les Voix de Bamako (aujourd'hui orphelin).
Avec son décès, le Mali perd une grande chanteuse mais aussi une engagée pour améliorer la vie de son pays, rehausser sa culture et ses traditions et lutter en faveur des femmes maliennes, à travers notamment l'association "Kolonba" (kòlònba, mot bambara, veut dire "grand puits"). "Kolonba est dirigée par des artistes, des artisans de Bamako et moi-même. Nous travaillons à valoriser le patrimoine culturel du Mali, nous permettons à des jeunes, et surtout à des femmes en difficulté, d’accéder à une formation et à un métier d’art ou d’artisanat. Nous luttons aussi contre l’excision. Aujourd’hui, 65 personnes travaillent grâce à Kolonba." (Le Magazine.Info)
Sa voix et ses engagements sont une vraie perte pour le Mali : K'a dayòrò sumaya ...
Discographie :
Fantani Touré (1997). N'tin Naari. Stern's STCD 1080 Fantani Touré (2000). Bozola. (cassette ?) Fantani Touré (2002). Benkan. Seydoni Mali SMP 001 Fantani Touré (2003). Soukabé Mali. Fantani Touré (2007). Awô.
Hery
La chanteuse malienne Fantani Touré est décédée, à l'âge de 50 ans, mardi à Paris. Elle était l'une des voix les plus respectée du Mali mais aussi une artiste engagée, impliquée dans de nombreux projets pour la promotion de la culture malienne et pour la défense des droits des femmes au Mali.
"Le ministre de la Culture annonce, avec une profonde affliction, la disparition tragique de l'artiste Mme Dembélé Fantani Touré, qui s'est éteinte le mercredi 3 décembre 2014 à Paris où elle résidait depuis plusieurs années", selon un communiqué officiel. Le gouvernement rend hommage à Fantani Touré, "éminente figure artistique" connue pour son "engagement pour la promotion de la culture malienne", et couronnée par plusieurs distinctions dont la médaille de Chevalier de l'Ordre national du Mali (2010) et le Prix Unesco de la paix (2011).
Épouse du célèbre comédien Habib Dembélé, elle consacre sa vie quasiment exclusivement aux arts. Déjà à l'âge de sept ans, Fantani commence à se produire sur scène comme danseuse, chanteuse et comédienne de théâtre. A dix ans, elle reçoit le titre de "Meilleure soliste et danseuse" lors des Biennales Artistiques et Culturelles du Mali. En 1995, lors du Marché des Arts du Spectacle Africain, Fantani chante en solo accompagnée par le virtuose de la kora, Toumani Diabaté. Là elle se fait remarquer au grand public. Deux ans plus tard, elle sort son premier album international, N'tin Naari, la toute première production au studio "Wanda" de Salif Keïta, dans la série "Salif Keïta presents ...". Il est élu "Meilleur album" et "Meilleure vente", et Fantani "Meilleure artiste au Mali". Après sa parution, on fête une nouvelle et imposante voix de la musique wassoulou : "...It is said: 'Powerful men quake' when she sings! ... Strong musicianship, diamond fingered balafon, rolling percussion, loping basslines and the trademark Wassoulou chorus vocals." (FRoots)
Depuis, cette forte personnalité originaire du quartier bamakois de Bozola produit une demi-douzaine de disques et collabore avec d'autres grands noms de la musique dont ses compatriotes Toumani Diabaté, Ali Farka Touré, Lansine Diabaté et Makan Tounkara. Elle participe à de nombreux festivals à travers le monde : au Festival d'Angoulême, au Festival des Francophonies de Limoges, au Festival de l'Hippodrôme de Douai, à la Cité de la Musique (avec Salif Keïta), au Festival Paroles d'Hiver en Bretagne, au Festival Le Mali en Scène à Paris, au Festival au Désert et au Festival Yelen au Mali.
En parallèle, elle s'associe à divers projets de création théâtrale et s'engage au cinéma, notamment dans "Sya, le rêve du python" de Dani Kouyaté (Burkina Faso) et dans "La Genèse" du Cheick Oumar Sissoko (Mali). Pour le premier, elle compose aussi la musique.
En 2001, elle prépare le spectacle d'ouverture de la Coupe d'Afrique des Nations au Mali, en 2008, elle initie, pour la cause des femmes, un festival baptisé Les Voix de Bamako (aujourd'hui orphelin).
Avec son décès, le Mali perd une grande chanteuse mais aussi une engagée pour améliorer la vie de son pays, rehausser sa culture et ses traditions et lutter en faveur des femmes maliennes, à travers notamment l'association "Kolonba" (kòlònba, mot bambara, veut dire "grand puits"). "Kolonba est dirigée par des artistes, des artisans de Bamako et moi-même. Nous travaillons à valoriser le patrimoine culturel du Mali, nous permettons à des jeunes, et surtout à des femmes en difficulté, d’accéder à une formation et à un métier d’art ou d’artisanat. Nous luttons aussi contre l’excision. Aujourd’hui, 65 personnes travaillent grâce à Kolonba." (Le Magazine.Info)
Sa voix et ses engagements sont une vraie perte pour le Mali : K'a dayòrò sumaya ...
Discographie :
Fantani Touré (1997). N'tin Naari. Stern's STCD 1080 Fantani Touré (2000). Bozola. (cassette ?) Fantani Touré (2002). Benkan. Seydoni Mali SMP 001 Fantani Touré (2003). Soukabé Mali. Fantani Touré (2007). Awô.
Hery
Bonjour à tous!
Je recherche désespérément les paroles Wanita, chanson d'une magnifique chanteuse malienne Rokia Traoré! Je m'adresse aux fans qui ont peutetre son album avec les paroles! Je suis preneuse car impossible de les trouver sur le net!
Merci beaucoup
Voir -20120121-"]ICI l'article du monde, celui de la musique est triste 😕 Thank you Etta, I loved seeing you in Montreux 😎
Bonjour à tous ,
Bientôt Noël alors je vous poste une chanson traditionnelle "los peces" interprétée par la chanteuse Lhassa .
www.youtube.com/watch?v=KmipW6tWP9s
Bonne écoute , Hannah
Bientôt Noël alors je vous poste une chanson traditionnelle "los peces" interprétée par la chanteuse Lhassa .
www.youtube.com/watch?v=KmipW6tWP9s
Bonne écoute , Hannah
Chansons douces pour Petits (et Grands)
« So quiet » - le titre de l’album en dit long : lorsque tout est bruyant et agité autour de soi, il vaut mieux s‘enfermer et se rendre dans un cadre familier. « So quiet » (2019) est une telle retraite musicale à laquelle la chanteuse-danseuse Serena Fisseau et son mari, l’accordéoniste Vincent Peirani, aussi parents de deux enfants ensemble, nous invitent. Un album tout simplement délicieux...
Par cet album, ces deux artistes nous invitent, pour ainsi dire, dans le cercle de leur petite famille, et représentent des chansons qu’ils jouent et chantent chez eux, notamment à leurs enfants (garçons de 3 et 9 ans), ainsi qu’à leurs proches, lorsqu’ils referment la porte du monde extérieur. Cela crée une ambiance confortable et intime, et avec laquelle on peut décrocher et se détendre : s’il s’agit d‘une chanson de Serge Gainsbourg (« La Javanaise »), de Burt Bacharach (« Close to you ») ou des Beatles (« And I love her »), si ce sont des pièces inspirées de la musique folklorique indonésienne ou brésilienne (Caetano Veloso, Antonio Carlos Jobim, Freire Júnior), si elles sont chantées en bahasa, français, anglais ou portugais, ou jouées à l’accordéon, à l’accordina, au Wurlitzer e-piano, aux body percussions ou même au piano – elle affectionnent la simplicité et enthousiasment. Ma pièce favorie, d’ailleurs, c’est « 3 petites notes de musique » (George Delerue/Henri Colpi) : d’une beauté simple (difficile à mettre en mots !)...
Serena Fisseau et Vincent Peirani font ressortir l’essence de ces chefs-d’œuvres intemporels, de la manière la plus naturelle possible. Seulement avec une voix soyeuse, rassurante et sans toutes fioritures, un instrument toujours distant et beaucoup de silence. Un silence – cette denrée précieuse, aujourd’hui peut-être plus que jamais – qui devient audible dans la musique de Serena Fisseau et Vincent Peirani. Dans les espaces entre les tons, qui sont sur cet album presque plus importants que les tons eux-mêmes. Une musique irrésistiblement légère, souvent joyeuse et claire, qui tire son intimité avant tout du fait que les deux musiciens ne sont pas seulement un couple d’artistes, mais aussi dans la « vraie» vie. Les deux ont fait cet album pour leurs enfants. Et pour tous les autres enfants. Et pour tous les adultes qui ont à nouveau envie de se rêver par des vibrations (très près de l’oreille) d’une voix femelle et d’un accordéon dans une légèreté enfantine pendant la durée d’un album...
Serena Fisseau : voix, body percussions Vincent Peirani : accordéon, accordina, Wurlitzer, piano, plastic bags, music box, voix
Hery
« So quiet » - le titre de l’album en dit long : lorsque tout est bruyant et agité autour de soi, il vaut mieux s‘enfermer et se rendre dans un cadre familier. « So quiet » (2019) est une telle retraite musicale à laquelle la chanteuse-danseuse Serena Fisseau et son mari, l’accordéoniste Vincent Peirani, aussi parents de deux enfants ensemble, nous invitent. Un album tout simplement délicieux...
Par cet album, ces deux artistes nous invitent, pour ainsi dire, dans le cercle de leur petite famille, et représentent des chansons qu’ils jouent et chantent chez eux, notamment à leurs enfants (garçons de 3 et 9 ans), ainsi qu’à leurs proches, lorsqu’ils referment la porte du monde extérieur. Cela crée une ambiance confortable et intime, et avec laquelle on peut décrocher et se détendre : s’il s’agit d‘une chanson de Serge Gainsbourg (« La Javanaise »), de Burt Bacharach (« Close to you ») ou des Beatles (« And I love her »), si ce sont des pièces inspirées de la musique folklorique indonésienne ou brésilienne (Caetano Veloso, Antonio Carlos Jobim, Freire Júnior), si elles sont chantées en bahasa, français, anglais ou portugais, ou jouées à l’accordéon, à l’accordina, au Wurlitzer e-piano, aux body percussions ou même au piano – elle affectionnent la simplicité et enthousiasment. Ma pièce favorie, d’ailleurs, c’est « 3 petites notes de musique » (George Delerue/Henri Colpi) : d’une beauté simple (difficile à mettre en mots !)...
Serena Fisseau et Vincent Peirani font ressortir l’essence de ces chefs-d’œuvres intemporels, de la manière la plus naturelle possible. Seulement avec une voix soyeuse, rassurante et sans toutes fioritures, un instrument toujours distant et beaucoup de silence. Un silence – cette denrée précieuse, aujourd’hui peut-être plus que jamais – qui devient audible dans la musique de Serena Fisseau et Vincent Peirani. Dans les espaces entre les tons, qui sont sur cet album presque plus importants que les tons eux-mêmes. Une musique irrésistiblement légère, souvent joyeuse et claire, qui tire son intimité avant tout du fait que les deux musiciens ne sont pas seulement un couple d’artistes, mais aussi dans la « vraie» vie. Les deux ont fait cet album pour leurs enfants. Et pour tous les autres enfants. Et pour tous les adultes qui ont à nouveau envie de se rêver par des vibrations (très près de l’oreille) d’une voix femelle et d’un accordéon dans une légèreté enfantine pendant la durée d’un album...
Serena Fisseau : voix, body percussions Vincent Peirani : accordéon, accordina, Wurlitzer, piano, plastic bags, music box, voix
Hery
Bonjour,
Je pensais ce matin, en entendant, dans une supérette ukrainienne, une chanson classique française, en français, d'un chanteur un peu oublié, je crois que c'était Hugues Aufray, qu'il pourrait être amusant de collecter les "madeleines", les bouffées de souvenirs qu'on croyait égarées pour toujours, mais qui ont été pieusement conservées ailleurs dans le monde.
Deux exemples... Anne Marie David, chanteuse oubliée parmi les oubliées, est encore fort connue et écoutée en Turquie ! Elle y compte même ses admirateurs réguliers, qui n'ont jamais oublié son tube des années 70 : "Tu te reconnaîtras". Autre exemple... Qui connaît Vicky Leandros en France ? Vicky Leandros est une star chez le chauffeur de taxi allemand quinquagénaire, son immortel "Après-toi" égaie bien des trajets en berline beige crème.
Michel
Je pensais ce matin, en entendant, dans une supérette ukrainienne, une chanson classique française, en français, d'un chanteur un peu oublié, je crois que c'était Hugues Aufray, qu'il pourrait être amusant de collecter les "madeleines", les bouffées de souvenirs qu'on croyait égarées pour toujours, mais qui ont été pieusement conservées ailleurs dans le monde.
Deux exemples... Anne Marie David, chanteuse oubliée parmi les oubliées, est encore fort connue et écoutée en Turquie ! Elle y compte même ses admirateurs réguliers, qui n'ont jamais oublié son tube des années 70 : "Tu te reconnaîtras". Autre exemple... Qui connaît Vicky Leandros en France ? Vicky Leandros est une star chez le chauffeur de taxi allemand quinquagénaire, son immortel "Après-toi" égaie bien des trajets en berline beige crème.
Michel
bonjour
je cherche une boite de jazz sympa à new york je pars le 27 mai
merci
je cherche une boite de jazz sympa à new york je pars le 27 mai
merci
bonjour les voyages
j'ai cette photo dans mes dossiers musique et je ne me souviens plus de qui il s'agit
peut-être une chanteuse française qui a eut un tube l'année dernière ??
merci pour vos infos
j'ai cette photo dans mes dossiers musique et je ne me souviens plus de qui il s'agit
peut-être une chanteuse française qui a eut un tube l'année dernière ??
merci pour vos infos
salut tout le monde , j'aimerais bien savoir le nom d'une chanson que j'ai écouté sur une video , voilà le lien
http://www.youtube.com/watch?v=e2vcd8P6P58&feature=related
Elle est sur 4ème minute , veuillez me dire son nom ou le nom de la chanteuse si quelqu'un le sait s'il vous plait , merci d'avance :)
Bonjour, ma demande n'a aucun rapport avec les voyages, je cherche le titre d'une mélodie chinoise : je ne connais que l'air de cette chanson et 1 partie de la traduction que l'on m'avait faite il y a 30 ans : au carrefour de 4 chemins ? Pourriez vous m'aider à retrouver cette chanson? Merci d'avance
Bonjour,
J'ai remarqué que le sujet de la musique marocaine été très peu abordé sur ce forum. Y'a-t-il parmi-vous des amateurs qui aimeraient partager leurs intérêts pour ce type musical. En faite je suis en train de faire mes valises et je ne sais toujours pas quelles musiques emporter avec moi pour rester dans le ton du voyage. Si par hasard quelqu'un connait de la musique traditionnelle berbère, souassi ou autres je suis preneur. Effet mis à part Hasna El bacharia (que j’apprécie énormément) ma culture musicale dans ce domaine est bien pauvre.
Merci pour vos suggestions.
J'ai remarqué que le sujet de la musique marocaine été très peu abordé sur ce forum. Y'a-t-il parmi-vous des amateurs qui aimeraient partager leurs intérêts pour ce type musical. En faite je suis en train de faire mes valises et je ne sais toujours pas quelles musiques emporter avec moi pour rester dans le ton du voyage. Si par hasard quelqu'un connait de la musique traditionnelle berbère, souassi ou autres je suis preneur. Effet mis à part Hasna El bacharia (que j’apprécie énormément) ma culture musicale dans ce domaine est bien pauvre.
Merci pour vos suggestions.
Bonjour,
Nous revenons de 3 semaines en Chine, c'était incroyable et....épuisant.
A plusieurs reprises on a entendu une chanson qui semble très populaire, on aimerait retrouver les références.
On a essayé de l'expliquer à un disquaire à Zhangjiakou, mais impossible de nous faire comprendre.
On peut entendre un bout de ce morceau dans la séquence " Elégance 2" ici :
http://aliendug.tumblr.com/page/2 c'est dans la bas de la page, avant-dernière vidéo.
Est-ce que quelqu'un saura reconnaître ce titre ? Xie xie !!
