Bonjour à toutes et à tous,

Quelqu'un saurait où voir un spectacle gnawi "authentique" sur Essaouira? voir même une Lila ??

Merci pour vos tuyaux

Ps : ah oui également des bonnes adresses de restos et/ou gargotes sur le port

Bonjour,

Je pensais ce matin, en entendant, dans une supérette ukrainienne, une chanson classique française, en français, d'un chanteur un peu oublié, je crois que c'était Hugues Aufray, qu'il pourrait être amusant de collecter les "madeleines", les bouffées de souvenirs qu'on croyait égarées pour toujours, mais qui ont été pieusement conservées ailleurs dans le monde.

Deux exemples... Anne Marie David, chanteuse oubliée parmi les oubliées, est encore fort connue et écoutée en Turquie ! Elle y compte même ses admirateurs réguliers, qui n'ont jamais oublié son tube des années 70 : "Tu te reconnaîtras". Autre exemple... Qui connaît Vicky Leandros en France ? Vicky Leandros est une star chez le chauffeur de taxi allemand quinquagénaire, son immortel "Après-toi" égaie bien des trajets en berline beige crème.

Michel

"[…] Mbira culture pervades all aspects of Shona culture, both sacred and secular. Its most important function is as a 'telephone to the spirits of people, water, trees, stones and birds'" (Stella Chiweshe)

Un témoignage de résistance par la musique

Sur une compilation captivante sortie en 2018 par le label Glitterbeat, on y retrouve les premiers enregistrements de Stella Chiweshe jamais publiés en dehors du continent africain, soigneusement restaurés. Y figure le morceau-titre Kasahwa, single devenu rapidement disque d’or et qui la fait connaître – encore ! – dans la Rhodésie coloniale, mais aussi sept autres titres enregistrés entre 1978 et 1983. On peut y entendre le son pur et profond du mbira, associé parfois à de sobres percussions, et bien sûr la voix de Stella, où résonne toute la spiritualité shona.

Kasahwa a fait de Stella une sensation locale auprès de l’artiste, qui a d’abord eu du mal à faire face à sa popularité nouvellement acquise. Après l’indépendance du pays en 1980, Chiweshe commence à tourner à l’étranger, d’aborder comme soliste de la nouvelle National Dance Company of Zimbabwe, puis sous son propre nom. Son obstination et son talent finissent par payer et elle devient une star nationale et aussi, au cours du premier boom international de la World Music à la fin des années 1980, une des artistes rares de son pays à faire une carrière internationale. La musique zimbabwéenne est ensuite défendue par des fans et des DJ influents dont John Peel (Stella a enregistré deux des légendaires Peel Sessions). Mais les dernières années, c’est devenu un peu calme autour d’elle, ce qui est injuste, car Stella Chiweshe est toujours une artiste d’une intensité à couper le souffle. On peut donc qualifier Kasahwa : Early Singles son premier album depuis plus d’une décennie, de retour en force.

« I am a rebel », sourit Stella Chiweshe, 70 ans. Son album Kasahwa : Early Singles offre une introduction fascinante au monde de mbira, terme ne se référant pas seulement à un instrument composé d’une grosse vingtaine de lamelles en métal fixées à une planche de bois (instrument répandu dans de nombreux pays d’Afrique sous diverses formes et appellations dont sanza, likembe, kalimba etc.), mais aussi à un genre musical et – à un niveau beaucoup plus large – à toute une culture et un style de vie profondément spirituel, au cœur même du jeune pays zimbabwéen. Mbira est une musique mystique ancienne qui est jouée pendant plus d’un millénaire par le peuple Shona, groupe ethnique majoritaire au pays. Mbira imprègne tous les aspects de la culture shona, à la fois sacrée et profane. Ses notes cristallines déroulent pour « téléphoner aux esprits des gens, de l’eau, des arbres, des pierres et des oiseaux », utilisées pour contacter à la fois les ancêtres décédés et les gardiens tribaux, lors des cérémonies nocturnes.

Stella Chiweshe fait partie de ces icônes cardinales de la culture zimbabwéenne. Tout d’abord parce que son parcours est inédit : dès les années 1960, elle est une des premières femmes à jouer de la mbira, un fait qui est déjà une petite révolution en soi, défiant les mâles conservateurs. Ses débuts sont donc une bataille. Stella apprend à jouer du mbira dzavadzimu à une époque où une telle pratique devrait, selon toutes les normes sociales de l’époque, lui être inaccessible. En tant que femme, la tradition lui interdit de jouer de l’instrument ; en tant que résidente de la Rhodésie coloniale, devant la pleine force de la révolution, la loi interdit les cérémonies spirituelles et tous leurs éléments, y compris le genre musical mbira. Voilà, les obstacles étaient nombreux.

Aujourd’hui, Stella Chiweshe est peut-être la joueuse de mbira la plus reconnue au monde. Bien que largement méconnues de son public mondial, ce sont ces chansons-ci qui ont fait la renommée locale de Chiweshe et qui restent à la fois cruciales à cet égard et sublimes à un niveau purement sonore. Ratidzo ouvre l’album avec un sifflement qui mène à un bosquet résonnant de sons mbira et de percussions sobres. Dans Kasahwa (trad. La douleur émotionnelle la plus profonde est comme une arête de poisson coincée dans la gorge), son premier grand succès, enregistré sur un mbira emprunté, car personne ne voudrait en construire un nouveau pour une femme, sa voix est à son meilleur, aussi agile que ses pouces. Le morceau en deux parties, Mayaya, dure plus de huit minutes sur le même thème qui parcourt tout le morceau et la voix de Chiweshe devient de plus en plus extatique. Musarakunze est une valse envoûtante qui devient presque imperceptiblement plus aiguë tout au long du morceau, et Nhemamusasa termine la collection de singles sur une note exaltante alors que la voix de Chiweshe plane et plonge. Ecouter chaque morceau est une expérience étourdissante de la meilleure façon possible, car Chiweshe prend la musique qui, dit-elle, a commencé comme une sonnerie en elle et la jette dans le monde à la fois physique et métaphysique. C’est le timbre distinct du mbira qui en fait un instrument si attrayant en général. Boisée, métallique et pleine de réverbération naturelle, Chiweshe utilise son instrument pour créer une sonorité qui reflète un sens bienheureux et prospère de la nature.

Cette compilation est non seulement une bonne introduction à l’œuvre de Stella Chiweshe, mais aussi à un contexte culturel fascinant et complexe, dans lequel la magie et la vie quotidienne, la tradition et la culture populaire moderne se recoupent de manière très particulière. Ecoutez Stella Chiweshe, une magnifique expérience !!!

Stella Chiweshe (2018). Kasahwa : Early Singles. Glitterbeat Records (Germany).

Hery



1) Le morceau "Kasahwa" :

https://www.youtube.com/watch?v=fnKm6mwHnYg

2) Le morceau "Mayaya" :

https://www.youtube.com/watch?v=Ua64Q0l_Cfs

3) Stella Chiweshe joue "Mutambazve" :

https://www.youtube.com/watch?v=klO53XOcJJo

Dr. John - Angola Anthem - YouTube

Dr. John - I Walk On Guilded Splinters - YouTube

Bonjour je recherche des adresses d'écoles de musique cubaines pour prendre des cours de guitare sur 1 voir 2 semaines à Cuba. Merci de votre retour. Cordialement Véronique

Bonjour, J'ai eu l'occasion de parcourir quelques topics notamment celui qui renseigne très complètement le sujet des chansons de Rokia Traoré. c'est indéniablement avec plaisir que je l'ai lu.

Je joue du kamélén'goni depuis un peu plus de 2 ans maintenant (Abou Diarra étant mon "professeur") et je suis à la recherche de chants populaires ou traditionnels afin de pouvoir enrichir mon répertoire.

Actuellement je connais déjà les lignes instrumentales de certains morceaux connus (Bamanaya ké/Bamougoutji, Diaraby néné et Maladon d'Oumou Sangaré, Doni doni yembela, etc...), malheureusement je ne connais pas (ou seulement des bribes) les paroles qu'accompagnent ces lignes, et mon oreille n'est pas encore suffisamment affutée au bambara pour pouvoir retranscrire les paroles (et de plus sans la compréhension des chants, ça me paraîtrait "injuste" ou "malhonnête" vis à vis de cette culture).

C'est donc dans cette optique que je cherche des paroles complémentaires ou des morceaux que je ne connais pas, ainsi que leur sens.

J'espère que quelqu'un entendra mon appel^^

Merci d'avance,

François

Hi !

Cet instrument est originaire du vieil empire mandingue. Instrument a 8 cordes joue tel que sa soeur la kora (sauf que celle ci a beaucoup plus de cordes).

Bref, l annee derniere, lors de mon passage a Bamako, Mali, j ai pu pratiquer un peu cet instru et en acheter un.

Petit probleme : A mon retour, cet instru s est totalement desaccorde. Impossible pour moi de trouver les bonnes notes. Difficile pour moi aussi de trouver des infos sur Internet.

Quelqu un peut il me filer une aide a ce niveau ?

J aurai pu demander conseils a des maliens/ivoiriens/burkinabes exiles mais habitant en England, pas facile non plus de trouver ce type de personnes (il y a plus de nigeriens, ghaneens, que de mandingues...)

Un grand merci a vous pour votre aide !

"I asked him if there was a ghost in his kamalengoni, because I knew other guitar, kora and ngoni players, but I had never met anyone like Vieux" (Kabadjan Diakité)

Une révélation musicale

Le Mali a produit des instrumentistes remarquables, du guitariste Ali Farka Touré au joueur de kora Toumani Diabaté, du balafoniste Kélétigi Diabaté à la star de ngoni Bassékou Kouyaté. Le musicien aveugle Vieux Kanté mérite d’être ajouté à cette liste. Considéré comme l’un des musiciens les plus dynamiques, accomplis et novateurs de son pays, il enregistre, juste avant son décès en 2005, une K7 qui n’est jamais sortie…

Vieux Kanté, de son vrai nom Noumoussa Soumaoro, dit Moussa Kanté, est né en 1974 à Niesmala, dans la région de Sikasso. Aveugle de naissance, le jeune Noumoussa s’imprègne des sons qu’il entend au Mali à la radio et dans les fêtes locales. Très vite, il se distingue toutefois des autres par son talent indéniable, et se met à emprunter le luth à six cordes de ses frères, le kamalengoni*.

Inventé seulement dans les années 1960, cet instrument échappe aux secrets et tabous souvent au cœur de la culture de la confrérie des chasseurs (donsoya). Mais en quelques années seulement, le kamalengoni a suscité un réel engouement et a pris une place centrale dans la vie des villages à travers le Wassoulou (Wasulu), région située dans la partie sud du Mali à la frontière de la Guinée et de la Côte d’Ivoire. C’est donc dans ce cadre d’enthousiasme populaire intense que Vieux est érigé comme l’un des espoirs les plus prometteurs.

Vers la fin des années 1990, il se rend en Europe et enregistre avec le saxophoniste néerlandais Hans Dulfer. De plus, il tourne avec le bigband Fra Fra Sound (style cross-over) et fais alors une brève apparition sur leur album "Mali Jazz" (1999).

De retour à Bamako, il se lance dans des expérimentations musicales avec son instrument qui, depuis 2000, se compose de douze cordes : il explore la musique hors des gammes classiques, utilise son instrument comme une guitare, une basse ou une percussion, et incorpore magistralement une variété d’effets et de styles non-locaux dans son jeu. ΄Les Inrocks΄ résume : "Vieux Kanté a tellement révolutionné cet instrument et sa pratique que son aura est devenue légendaire. Génie aveugle, il ne cessait d’ajouter de nouvelles cordes à son luth-harpe afin d’étendre sa musicalité à tous les domaines et de réaliser de stupéfiantes déferlantes d’harmoniques et glissandi".

À cette époque, le bruit court sur l’enregistrement d’une cassette de Vieux Kanté avec son groupe (avec deux kamalengonis, une guitare basse, une batterie, un djembé et deux chanteurs), mais elle reste inconnue du grand public. Réédité plus de dix ans plus tard, ce trésor inestimable parvient enfin sous le titre "The Young Man’s Harp" (le titre est une traduction anglaise de "kamalengoni"). Tout l’album est impressionnant (faut écouter surtout les titres "Sans Commentaire" et "Nafolo", grandiose !!!) et a sa place parmi les plus beaux enregistrements de musique malienne.

Peu de temps après, en 2005, Vieux meurt à la suite d’une maladie soudaine (crise de paludisme). La perte précoce d’un tel talent est une double tragédie : on ne peut qu’imaginer où il aurait pu emmener sa musique aujourd’hui. Nous, les mélomanes de musique malienne, pouvons être reconnaissants que cet enregistrement vibrant ait vu le jour pour nous donner un aperçu...

*en bambara : kámalennkɔnin, n.compl., /jeune homme-luth/, luth à six cordes, surtout joué dans le Wassoulou.

Le disque :

Vieux Kanté (2016) The Young Man’s Harp. Sterns Music. (44 mn)

Hery



Vidéo 1 (The Young Man’s Harp) :

https://www.youtube.com/watch?v=6NWjgcW1P-w

Vidéo 2 (Mariage à Bamako) :

https://www.youtube.com/watch?v=zsVkRMJjFa8

C'est avec un grand regret que je fais part aux admirateurs de ce grand Monsieur qu'était Henry Harrisson (fondateur et directeur du Rockabilly Hall of Fame museum a Jackson, Tennessee) à de son décès ce matin

Ceux qui l'ont connu en garderont un souvenir mémorable

R.I.P. Monsieur Harrisson

Bonjour, ça fait un certain temps que je cherche une chanson qui passait à la piscine que j'étais en vacances..

C'est un style électronique et les paroles font "oh eh oh eh oh oh, pano pano pano eh, pano pano pano eh" (plus ou moins 😂)

Ca fait énormément de temps que je cherche donc si vous avez des idées elles sont les bien venues 😊

Merci.

Bonjour à tous,

Je reviens d'une croisière Ponant finissant à Tahiti. Peu de temps avant de partir, ma mémoire m'a rappelé un vieux titre : Si t' a été à Tahiti, par Paola, datant de 1958. Voir You tube, le genre de truc qui vous entre dans la tête pour un moment !!!. Mes enfants et petits enfants y ont eut droit ! A prendre au second degré bien sur

Bonne journée.

Bonjour, je suis ingenieur du son et je pars mi-mars pour une expedition de San-jose a Medellin. J´aimerais enregistrer des groupes locaux et des ambiances mais je ne sais pas exactement si je vais avoir l´occasion de tomber sur des musiciens dans la rue et avoir l opportunité de realiser des enregistrements. La plus grande partie du voyage sera a pied et le materiel que j´envisage d´emmener ne sera pas le meme si je prevois d´enregistrer uniquement des ambiances.

J´aimerais savoir si quelqu´un qui a un peu silloner ces pays peu m´aider a me faire une idée la dessus, et si les personnes qui font de la musique seront enclin a participer au projet que je realise.

Merci Alan

Hier, en allant me perdre quelques heures dans Youtube à la recherche d'autres formes de voyages inconnus, plus forts souvent que ceux qu'on trouve désormais sur les sites dits spécialisés qui n'en ont plus que le nom puisqu'ils n'en ont plus l'âme, je suis tombé par hasard et sur le cul devant une vidéo de ce guitariste dont j'ignorais tout du nom et de la musique, mais dont je connais désormais un peu mieux l'intelligence des doigts (ils dansent !) et les tripes qu'il met dans son jeu brillant d'une musique "habitée" et sensible à la fois.

Il s'appelle Estas Tonne et il est d'origine Ukrainienne, mais son chemin de vie et ses inspirations musicales (cela s'entend) l'ont conduit à beaucoup voyager.

Comme je ne suis sûrement pas le seul à le découvrir, mais que personne ici n'en a apparemment parlé, je vous invite ici à le regarder et écouter (les deux sont importants) pour qu'au moins un(e) d'entre celles et ceux qui se laisseront prendre par la main en fermant parfois les yeux se laisse emporter et s'envole à son tour ...

Cette vidéo étonnante (bouleversante !) est là dans une version street music plus "grunge" du titre "The song of the golden dragon"

youtu.be/7gphiFVVtUI

mais ce titre existe aussi ici dans une très belle version "... with little zoiseaux)" :

www.youtube.com/watch?v=xVZgUiRljdU

On trouve plein d'autres sublimes vidéos (dont concerts) de ce gars, qui a réalisé aussi de nombreux CD. Bon voyage !

Bonjour,

Pour les fans des films d'Hayao Miyazaki ou tout simplement les amoureux des belles choses, j'ai eu l'immense joie d'assister hier soir à Lyon à l'un des concerts donnés par Joe Hisaishi, le sensationnel compositeur des musiques des films et c'était merveilleux !

Sur scène pour l'accompagner, un orchestre symphonique, un choeur, des solistes et derrière eux un immense écran avec des extraits des films. Ce petit homme facétieux semblait prendre beaucoup de plaisir à être là (et nous donc !), et il nous a généreusement régalé de 2 grosses heures de spectacle. J'en avais des frissons ! Voir jouer la musique en direct pendant la projection était une expérience indescriptible. Je suis certaine que beaucoup des spectateurs ont versé une petite larme tellement l'ensemble était émouvant. Mes enfants qui connaissent tous les films de Miyazaki ont pris beaucoup de plaisir à trouver duquel était tiré chaque extrait, et accessoirement ont fait leur baptême de concert symphonique ! [:P]

Cette soirée a été un tel bonheur que j'avais vraiment envie de la partager sur le forum... Pour ceux qui seraient pas trop loin de Lyon, le concert a lieu à nouveau aujourd'hui et demain soir : peut-être reste-t-il des places ?

Bon dimanche,

Violaine

Bonjour à tous,

Tout est dit dans le titre. Où peut-on écouter des chants liturgiques orthodoxes de qualité à Saint-Petersbourg et à Moscou ? L'idéal serait de pouvoir entendre des basses octavistes. Toute information sera la bienvenue, le net reste bien muet sur le sujet. Merci. [:)]

salut a tous et tchoum a tous les Nigler bon j'ai remarquer avec tristesse que sur le net c étais vraiment pauvre en album de chanson voyageur et manouche

moi je vous propose tous ce que j'ai je suis entrant de mettre tout je dit bien tous ce que j'ai en album de voyageur

faut partager et non tous garder comme des guignoles je parle pour ce qui von ce reconnaitre les liche m****** mais bon on n est pas tous comme sa

voila sa fait du boulot mais au moins le patrimoine sera sur le net et j'ai pas tous malheureusement je poste tous ce que jai sa fait au moins 4 ou 5 giga de musique

si vous voulez partager comme moi et que vous ne savez pas faire n ailler pas de honte a demander de l'aide sur mon site je vous aiderais avec plaisir

l adresse émail de ce compte existe plus donc venez directement sur le blog faire vos demande

et faite passer l adresse a tous vos contact et partager un peut sa vous fera pas de mal

venez tres tres nombreux sur le blog ===== adresse http://thegitanos.blogspot.com

ps [ je suis entrant de tous mettre donc sa va venir peut par peut avec le temps d ici quelque jour il i aura tous]

j'ai le rêve de profiter de mes 2 passions : danser le tango et voyager. je cherche donc un leader niveau intermédiaire ou plus pour nous déplacer au gré de festivals de milonga, marathons ou encuentro dans différents pays. je suis une femme avec un bon niveau de tango et de néo tango. je mesure 1,65m. j'ai déjà beaucoup voyager en mode routard , je sais m'adapter aux hébergements simples ou chez l'habitant, nourriture locale. j'aime le contact avec les habitants. mes rêves les plus fous : danser à Saint Petersbourg, Istanbul, Budapest, Berlin, ...

Bonjour,

Savez vous ou je pourrez trouver des vinyles de musiques traditionnelles en Afrique de L'Ouest?

En effet, passionné de musique (et notamment funk, disco, soul, musique du monde, musique électronique, jazz, ...) cela me ferait très plaisir de pouvoir ramener quelques galettes :)

Antoine

Bonjour,

Si vous aimez les voix rares, peut-être serez-vous séduits par Balkanes, quatuor féminin qui pratique le chant polyphonique bulgare ? Ci-dessous un petit aperçu. La voix très grave que l'on entend (bien distinctement) dans le second morceau est une voix de baryton, c’est presque une anomalie pour une femme. Bonne écoute.[:)]

www.youtube.com/watch?v=2mWYn07SIbA

www.youtube.com/watch?v=q3SCo0SNt-o

Bonjour,

Militant de la cause tibétaine et grand admirateur de l’exploratrice Alexandra David Néel, je souhaitais vous faire écouter et voir la chanson et le clip que j'ai composé et réalisé : "Dans les nuits de Lhassa". J'espère que cela vous touchera et vous donnera envie d'en parler et de partager le clip dont le lien est :

https://www.youtube.com/watch?v=yyNJkpq0KM8

Bien à vous,

Marc Isacco Tel : 06 73 58 91 60 site internet : http://www.marcisacco.com/

Il y a un an, mourait Gord Downie, le chanteur du groupe The Tragically Hip.

The Tragically Hip - Nautical Disaster - 7/24/1999 - Woodstock 99 East ...

Bonjour tout le monde,

j'ai entendu une jolie chanson à Marseille. Je voudrais bien savoir quel est le titre de cette chanson. Si vous reconnaissez cette chanson et si, encore mieux, vous en avez les paroles, n'hésitez pas à me contacter. Je vous en serais très reconnaissant.

vidéo: https://youtu.be/rL4n9OJ3YLs https://drive.google.com/file/d/1ugnfUk9dGm67m9jRkCapFWuBxyRN31OK/view?usp=drivesdk

Écoutez l'audio: https://drive.google.com/file/d/1lt63M4C38-d3U2SiiZiUCbn27_S8Cgt-/view?usp=drivesdk

Les mots qui ont incité::

- Ça me joue des tours - De Bamako au Mali - mon étoile - ça fait naviguer - il n'est pas de saison

Merci de votre aide

Markelus/Serge

Icône à une fin tragique

Mannequin pour Vogue, actrice de Fellini, muse d'Andy Warhol, amante de Bob Dylan, Brian Jones, Jim Morrison, Leonard Cohen, Jackson Browne et Alain Delon, auteure-compositrice, musicienne et chanteuse à une voix gutturale et sans émotion : elle est principalement connue pour avoir interprété trois morceaux éblouissants dans le mythique premier opus du Velvet Underground, sorti en mars 1967 et baptisé aussi "l’album à la banane" (Femme Fatale, I’ll Be Your Mirror et All Tomorrow΄s Parties + au chœur sur Sunday Morning): Christa Päffgen, plus connue sous le nom de Nico. Mais la vie de Christa Päffgen, dite Nico, ne s’arrête pas à la courte aventure Velvet, loin de là...

Nico est née le 16 octobre 1938 à Cologne. Un enfant de guerre qui ne connaîtra jamais son père. A la fin dés années 50, elle est un des mannequins les plus convoités, vit entre Paris et Londres et rencontre Bob Dylan, Brian Jones et Jimmy Page. En 1959, elle interprète son propre rôle dans le film La Dolce Vita de Fellini. Au début des années 60, elle commence à expérimenter avec des drogues. A New York, la très belle blonde au regard hypnotique charme Andy Warhol et devient l’une des égéries du pape du pop art qui la fait jouer dans plusieurs de ses films (Chelsea Girl, Sunset…) et l’impose comme chanteuse du Velvet Underground. Toutefois, sa collaboration avec les autres Velvets n’est que de courte durée.

Elle commence alors une carrière solo, et enregistre dans les deux décennies suivantes une série d'albums acclamés aujourd'hui par les critiques, avec notamment John Cale, Brian Eno et Phil Manzanera (les deux derniers sont membres du groupe Roxy Music). C’est surtout grâce à John Cale qui l’encourage à écrire et composer, qui produit quatre de ses albums solo, tout en s’occupant des arrangements et en jouant de plusieurs instruments.

En 1967, Nico signe son premier album solo Chelsea Girl, titré ainsi en référence au film d’Andy Warhol dans lequel elle a joué. Les morceaux proviennent de la plume de Bob Dylan (I’ll keep it with mine), Tim Hardin (Eulogy to Lenny Bruce), Jackson Browne (These Days / Somewere there’s a Feather), et des Velvets Lou Reed, Sterling Morrison et John Cale (Little Sister / Chelsea Girl / Winter Song / Wrap your Troubles in Dreams). Dans cet album original, aux arrangements de cordes et de flûtes, Nico affirme d’emblée un style unique. Sa voix se fait plus sombre et spectrale, plus fascinante et mélancolique aussi… Mais l’album ne connaît pas un grand succès.

A partir du deuxième album solo (1969), The Marble Index, suivant les encouragements de John Cale, Nico écrit toutes les paroles et la musique, et elle y joue de l’harmonium, qui devient désormais son instrument de prédilection. La musique de Nico s’oriente de plus en plus nettement vers une musique non conventionnelle aux tonalités proches de la New Wave la plus sombre et du rock gothique. Sinon, elle commence à prendre de l’héroïne, une drogue qui l’accompagnera jusqu’au bout de sa vie.

A partir des années 70, Nico vit entre Berlin, Paris, New York et Ibiza. En 1969, la chanteuse rencontre le cinéaste français Philippe Garrel avec lequel elle vivra pendant neuf ans. Elle participe au cinéma de lui et publie également un recueil de poèmes, Chemin d’une vie.

Le 13 décembre 1974, Nico se produit en concert avec le groupe Tangerine Dream à la cathédrale de Reims devant plus de 5 000 personnes.

En 1981, Nico enregistre un autre album : Drama of Exile, premier album sans John Cale qui contraste avec ses travaux précédents avec John Cale en mêlant rock et arrangements moyen-orientaux, "a tentative foray into post-punk" (Wikipedia). L’album comprend le classique reedien I’m Waiting for the Man et Heroes de David Bowie.

En 1985, Nico enregistre son dernier album studio, Camera Obscura, très expérimental aux sonorités jazz sur lequel elle reprend la pièce célèbre My Funny Valentine du trompettiste Chet Baker.

C’est le 6 juin 1988 à Berlin(-Ouest) que la chanteuse donne son dernier concert, à la fois magique et mémorable, à savoir dans le cadre de "Berlin – Capitale européenne de la culture 1988", au Planetarium de la Wilhelm-Foerster-Sternwarte. Accompagnée par The Fraction (qui sont James Young – piano, Graham Dowdall – batterie, Henry Olson – guitar), un auditoire enthousiaste devient témoin de la musique idiosyncrasique de Nico… Ce concert est enregistré et édité sous "Nico’s Last Concert : Fata Morgana" (voir en bas).

A peine plus d’un mois après ce concert, le 18 juillet 1988, Nico meurt à l’hôpital d’une hémorragie cérébrale, quelques heures après une chute à vélo sur l’île d’Ibiza. Une des morts les plus absurdes de l’histoire du rock’n’roll : montée sur son vélo, vêtue d’un pantalon de cuir noir et d’autres vêtements lourds, son corps émacié, rongé par la drogue, s’effond à 40 degrés à l’ombre. La femme qui a tourné la tête d’un grand nombre des hommes les plus recherchés des années 60 et qui est devenue aussi une icône de la musique, perd la vie sur le bord d’une route sous le soleil ardent de l’Espagne.

Il y a trente ans...

Au milieu de la forêt de Grunewald à Berlin, à côté de sa mère Margarete, le cimetière (surnommé "cimetière des suicidés" par les Berlinois) est la dernière demeure de l’îcone du rock ambiance 60s...

Discographie :

Albums studio :

1967 : The Velvet Underground and Nico 1967 : Chelsea Girl 1969 : The Marble Index 1970 : Desertshore 1974 : The End 1981 : Drama of Exile 1985 : Camera Obscura

Albums live :

1974 : June 1, 1974 (avec John Cale, Kevin Ayers, Brian Eno) 1982 : Do or Die: Nico in Europe 1985 : Nico Live in Pécs 1986 : Live Heroes 1986 : Behind the Iron Curtain 1987 : Nico in Tokyo 1988 : Nico’s Last Concert : Fata Morgana 1989 : Hanging Gardens 1994 : Heroine

Compilations :

1998 : Nico: The Classic Years 2002 : Innocent & Vain – An Introduction to Nico 2003 : Femme Fatale – The Aura Anthology 2008 : Le Cinéma de Serge Gainsbourg – Musiques de films 1959-1990

Biographie :

Feray, Serge (2016). Nico, femme fatale. Le mot et le reste. Graf-Ulbrich, Lutz (2015). Nico – In the Shadow of the Moon Goddess. Kindle. Witts, Richard (2017). Nico : The Life and Lies of an Icon. Kindle.

Hery





www.youtube.com/watch?v=dMeZCPbM6bA

"You didn't have to , because Mr. Threadgill's music sounds like nobody else's, and often gives you all its information at once, a whole complicated system of harmony and motion. Once heard, that's it: You've got it for life." (New York Times)

Tout sauf dogmatique : Henry Threadgill

L'improvisateur, compositeur et bandleader américain Henry Threadgill est l'une des figures essentielles du jazz contemporain. Depuis plus de 40 ans, il suit les sonorités dans sa tête et crée une musique très personnelle, toujours créative et en constante évolution : "stagnation" est un mot étrange pour lui ("To stop seeking, to stop moving, is death"). Sans aucun doute – Henry Threadgill est un solitaire sur la scène de jazz internationale ...

Né en 1944 à Chicago, Henry (Luther) Threadgill étudie au conservatoire de sa ville natale et à la Governors State University (Illinois). Adolescent, il joue du saxophone dans des fanfares, accompagne les chanteurs de blues dans les clubs de Chicago et se lance dans les divers styles de musique étatsuniens (gospel, blues, rock, soul, latin ...). En 1964, Threadgill s'intègre dans le Muhal Richard Abrams Experimental Band (avec Roscoe Mitchell et Joseph Jarman), un "foyer" du jazz avantgardiste en ville. Dans le même temps, il rejoint l'Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), coopérative de jeunes musiciens créatifs s'inscrivant dans la mouvance du "free jazz". A l'avenir, cette association voit naître beaucoup de maîtres de la "Great Black Music. Ancient to the Future", tels que Anthony Braxton, George Lewis, Lester Bowie, Roscoe Mitchell, Leroy Jenkins, Wadada Leo Smith ... et Henry Threadgill.

Dans les années 70, le saxophoniste-flûtiste s'installe à New York City, où il co-fonde avec Fred Hopkins (contrebasse) et Steve McCall (batterie) le fameux trio Air, un des groupes de premier plan des années 70, après la révolution de "free jazz", qui interprète des ragtimes de Scott Joplin et des mélodies de Jelly Roll Morton (dans l'album "Air Lore", en 1980), au regard du caractère avantgardiste de ce trio un engagement prestigieux à la tradition, ainsi que des morceaux de leur propre composition. Le groupe se fait connaître par les improvisations collectives ainsi que par le jeu de Threadgill, qui offre à la flûte et à la clarinette des sonorités amples tandis qu'il préfère les intonations free et violentes, aux saxophones (alto, ténor et baryton). A cette époque, le multiinstrumentiste enregistre également avec des musiciens comme David Murray, Anthony Braxton, Julius Hemphill, Roscoe Mitchell, Billy Bang ou Muhal Richard Abrams. En total, il prend part à près de 150 enregistrements.

A partir des années 80, Threadgill commence à composer pour des ensembles plus élargis et fonde ses propres formations dont X-75 (avec quatre bassistes), Sextett (avec deux batteurs et Deidre Murray au violoncelle), Make A Move et surtout Very Very Circus, un septette rassemblant des instruments inhabituels, dont deux tubas et deux/trois guitares électriques, pour pratiquer un concept ouvert à de différents éléments stylistiques et qui estompe les frontières entre composition et improvisation. Magnifiques à cette époque les compositions de Threadgill, la structuration de ses longs morceaux, la diversité quant au tempo et à l'espace ainsi que la manière dont il aboute délicatement la section rythmique avec les saxe/trompette/trombone/violoncelle. Puis, au bout d'une absence à long terme, Henry Threadgill est de retour, accompagné encore d'une nouvelle formation, Zooid, elle aussi à une instrumentation plutôt atypique et peu courant pour une formation de jazz : ce quintette est composé de l'excellent guitariste Liberty Elman, du tromboniste et tubiste Jose Davila qui accompagne Threadgill depuis une dizaine d'années, du batteur Elliot Humberto Kavee, du violoncelliste Christopher Hoffman, et enfin du leader et saxophoniste alto jouant aussi de la flûte et de la flûte basse. Avec cet ensemble eeeenfin, Henry Threadgill connaît un succès à la hauteur de son talent, la meilleure critique américaine et une attention croissante de la part du public ; leur dernier album "Tomorrow Sunny/The Revelry, Spp" (2012) reçoit un accueil enthousiaste du côté de la presse internationale : "Sa musique nous a toujours semblé réunir des traits contradictoires : elle repose en effet sur des associations de timbres éloignés (flûte et guitare d’un côté, tuba ou trombone, basse électrique de l’autre), elle combine de façon unique une sorte de fragilité de surface qui ne masque jamais la rigueur rythmique ni la force d’une affirmation insistante. Bref, elle est à l’image du musicien, modeste et discret en apparence, mais opiniâtre et conscient de la qualité de son apport" (Jazz Magazine). Un album totalement idiosyncrasique, original et unique, conçu d'une façon explorative et présenté par un ensemble extraordinaire & son compositeur et bandleader.

Pour Zooid, Threadgill développe de nouvelles techniques d'improvisation, une nouvelle stratégie compositionnelle inspirée par la musique d'Edgar Varèse (qui invente d'ailleurs le terme "organized sound"), une "serial intervallic language" selon ses propres paroles : les compositions sont organisées le long d'une série de blocs d'intervalle (accord) de trois notes, dont chacune est assignée à un musicien, qui est libre de se déplacer dans ces intervalles, imporovisant des mélodies et créant un contrepoint d'un intervalle à l'autre. Un système qui encourage les musiciens à chercher de nouvelles façons d'improviser, ils se challengent et prennent l'initiative de tirer la musique dans une direction. Ainsi, Threadgill définit un nouveau modèle de "free" jazz, au sens de la musique libre et créative (lesdnj.com). "Je veux que la musique nous emporte de l'état dans lequel nous sommes. C'est pas moi seulement qui crée la musique, tous mes musiciens y contribuent. Travailler un morceau veut dire ne pas jouer seulement un morceau mais le découvrir et explorer – une sorte de recherche. Nous voulons savoir où il peut nous conduire et ce que nous pouvons "détecter" sur le chemin. Nous essayons d'accomplir son potentiel et nous nous rapprochons de la musique à une attitude pour qui la subdivision individuelle des parties instrumentales est aussi importante que l'égalité entre elles", expose-t-il sa vision. Les musiciens ont la plus grande liberté qu'ils veulent, et la musique détermine le degré de liberté de chacun. Mais tout musicien dans l'ensemble est responsable pour le tout. De la sorte s'élabore une musique polyphonique, en mosaïque et labyrinthique, qui brille en timbres extraordinaires, une musique de "jazz" (Threadgill même rejette ce terme pour désigner sa musique) qui jouit d'une sensibilité relevant de celle d'une musique de chambre, sans parfois abandonner des rythmes groovy. La musique de Zooid est un régal pour les oreilles, les sens et les cœurs ...

Selon les New York Times, Henry Threadgill est "probablement le compositeur de jazz le plus important de sa génération", en tout cas un extraordinaire concepteur de la composition, un brillant instrumentiste et bandleader et sans aucun doute aujourd'hui l’une des dernières et plus grandes figures historiques de la "Great Black Music" !

Henry Threadgill & Zooid Henry Threadgill – saxophone alto, flûte, arrangements et compositions Christopher Hoffman – violoncelle Jose Davila – trombone, tuba Liberty Ellman – guitare acoustique Elliot Humberto Kavee – batterie (Stomu Takeishi – contrebasse)

Petit hommage de ma part (en allemand) : http://christophwagnermusic.blogspot.de/search/label/Herbert%20Braun

A lire : http://www.nytimes.com/2009/11/08/arts/music/08chin.html?pagewanted=all&_r=0 // http://www.nytimes.com/2014/07/31/arts/music/henry-threadgill-and-zooid-at-the-village-vanguard.html

Discographie illustrée (en anglais) : http://discography.backstrom.se/threadgill/

Extrait discographique (à ne pas rater !) :

Henry Threadgill (2010) : Complete Remastered Black Saint Recordings. CAM (7-CD-Box-Set). – Air : Live Air – Air : Air Mail – Air : New Air - Live at Montreal International Jazz Festival – New Air : Air Show No.1 – Very Very Circus : Spirit of Nuff...Nuff – Henry Threadgill : Song Out Of My Trees – Flute Force Four : Flutistry Henry Threadgill & Zooid (2001) : Up Popped The Two Lips. Pi Recordings. Henry Threadgill & Zooid (2009) : this brings us to, volume 1. Pi Recordings. Henry Threadgill & Zooid (2010) : this brings us to, volume 2. Pi Recordings. Henry Threadgill & Zooid (2012) : Tomorrow Sunny / The Revelry, Spp. Pi Recordings.

Hery

Bonjour tout le monde

Si vous êtes intéressé(e)s par la musique iranienne, cette présentation courte peut vous donner des idées sur cette musique. Il s’agit ici de la musique ancienne de l’Iran, qui peut être considérée comme un pair pour la poésie ancienne persane. Les noms des pièces de cette musique se trouvent dans les poésies de Molânâ, Sa’di, Hâfez et … et les livres qui expliquent sa théorie, datent plus de 7 siècles (et même mille ans). Aujourd’hui il existe bien sûr des nouvelles musiques venues de l’occident qui se chantent en farsi, dont on ne parle pas ici.

Ce n’est pas facile de donner un adjectif précis à la musique en Iran. L’adjectif « iranienne » peut être remplacé par « nationale », « traditionnelle », « persane », « officielle » ou « dastgâhi ». Ce dernier peut bien qualifier la structure de cette musique qui est basée sur les 7 Dastgâh, intitulés : Chour (ici « ch » se prononce comme "ch" en general du français, et « sh » en anglais, et non pas « k » comme quelques cas semblables en français), Segâh, Tchahârgâh, Mâhour, Homâyoun, Navâ, Râstpandjgâh (tous les derniers lettres dans les noms des dastgâh se prononcent).

Dastgâh contient quelques modes, et chaque mode contient des Gouché : de petites pièces ayant des spécifications mélodiques ou rythmiques. Si chaque dastgâh a plus de 20 gouché, mais il existe aussi de petits ensembles des gouché qui s’appellent Âvâz : une structure semblable à (et dérivée de) dastgâh. Mais tous les dastgâh n’ont pas d’âvâz : Homâyoun en a un seul, intitulé "Bayâté Esfahan", et les 4 (ou 5 selon quelques versions) autres sont dérivés de Chour : Abou-Atâ, Afchâri, Dachti, Bayâté Tork (et le cinquième "Bayâté Kord"). Il ne faut pas confondre ces deux mots semblables, ayant des significations différentes: "âvâz" (dérivé de dastgâh) avec "âvaz" (qui désigne la forme vocale de la musique engénéral).

Tous ces dastgâh et leurs âvaz forment un répertoire musical nommé Radif, qui dans un système oral (apprendre par cœur, et non pas écrit) simplifie l’apprentissage de la musique dastgâhi.

Il y a deux sortes de Radif : Radif-é Sâzi (concernant la musique instrumentale et contenant 250-300 gouché) et Radif-é Âvâzi (concernant la musique vocale et ayant plus de 120 gouché).

En travaillant sur une seule phrase musicale ou bien un petit gouché par semaine, le fait d’apprendre l’ensemble de Radif peut durer plus de 7 ans, selon le maitre, l’intelligence d’élève, et la version de Radif : enfin chaque grand maître a sa propre version, avec des pièces plus ou moins enrichies et élargies.

Quand vous serez en Iran, et précisément à Isfahân, vous pouvez participer à mes cours pour bien connaitre cette musique et ses instruments, et même (pourquoi pas!) apprendre un petit gouché, comme un souvenir musical de l’Iran.

Amicalement Rassoul

Hello hello tout le monde !

C’est ma première fois sur voyage forum 🙂. On m’en a beaucoup parlé alors je me lance , même si ma question peut être dérisoire ! Je recherche depuis un bon bout de temps un instrument de musique ( percussions ) : le hang. Il peut avoir plusieurs noms : hang drum, handpan drum. Je serais en Malaisie puis en Thaïlande au mois de Mai , je voudrais savoir si quelqu’un sait où est-ce que je pourrais trouver cet instrument et à quel prix . J’ai trouvé sur internet une boutique d’instruments sur Kuala Lumpur mais je ne sais pas s´ils en vendent , c’est la boutique Woh Fatt. Si vous avez quelques adresses en Malaisie ( pas forcément Kuala Lumpur ) et en Thaïlande je prends!

Merci merciii !

« Plus personne ne chante avec cette émotion. Et une fois qu’il aura disparu, il n’y aura plus personne pour le faire. » (Ry Cooder, 2014)

« La voix d’or du Mali » s’est éteinte

Affectueusement surnommé « la voix d’or du Mali », le chanteur Kassé Mady Diabaté, icône de la musique malienne et descendant d'une longue lignée de griots mandingues, est décédé, le 24 mai, à la clinique Pasteur de Bamako des suites d’une grave maladie. Il avait 69 ans.

Kassé Mady Diabaté est issu de la famille de griots la plus réputée du pays mandingue, les Diabaté de Kela, village proche de la ville de Kangaba, près de la frontière guinéenne, au cœur du Manden*. Sa tante était la griotte légendaire Siramori Diabaté. A l’âge de 7 ans, les vieux de la famille reconnaissent son talent, l'entrainent et encouragent avant qu'il ne lance par la Biennale de Bamako, où il gagne tous les prix. Dès les années 60, Kassé Mady, appartenant à la même génération que Salif Kéïta (tous les deux sont nés en 1949), est sollicité par toutes les formations réputées et d’avant-garde qu’engendre le Mali des années de son indépendance : d'abord, il fait partie de l’orchestre régional Super Mandé de Kangaba, puis de Las Maravillas de Mali, devenu ensuite Badema National du Mali, et enfin de l’Orchestre Instrumental du Mali. C’était l’époque des orchestres d’Etat, des chanteurs fonctionnaires et de la coopération avec Cuba.

A partir de la fin des années 80, le nom de Kassé Mady Diabaté est associé à de nombreux projets transversaux et les plus novateurs, notamment Songhaï 2, avec le groupe espagnol de flamenco Ketama, ou bien de Kulanjan, avec le bluesman Taj Mahal et Toumani Diabaté (kora). Sa voix douce et lyrique, nuancée dans les graves, se distinguant de celle de la plupart des griots, est très demandée, et on aime louer sa profonde connaissance des traditions musicales les plus anciennes. « Au Mali, la voix de Kassé Mady Diabaté est une telle évidence qu’on pourrait la classer comme patrimoine national », atteste Oumar Diallo, complice musical d‘Ali Farka Touré, autre grand nom de la musique malienne. Pour Salif Kéïta, il est tout bonnement « le plus grand chanteur du Mali ». Pourtant, hors de son pays, son nom apparaît à peine. Néanmoins, il est considéré au Mali comme un géant. Ce n’est qu’en 1989 – il a déjà 40 – qu’il sort son premier album solo, Fodé.

En 2005, quand Toumani Diabaté monte son grand Symmetric Orchestra, il fait appel à Kassé Mady Diabaté, que l’on revoit également à ses côtes, en 2010, dans le collectif cubano-malien Afrocubism. Quatre ans plus tard, Kassé Mady Diabaté publie son cinquième et dernier album sous son nom, intitulé Kiriké (΄selle΄), sur le label français No Format, et enregistré comme dans les conditions d’un concert dans une cour n'importe où au Mali, avec ses trois compatriotes, le joueur de kora Ballaké Sissoko, le joueur de ngoni Makan Tounkara et le balafoniste Lansine Kouyaté (le violoncelliste français Vincent Ségal est producteur de l'album et ne donne son violoncelle que pour quelques morceaux). Un album délicat et juste, tout en harmonie livré par un ensemble d'exception...

Enfant de l’indépendance, Kassé Mady Diabaté a débuté sa carrière au centre de la reconquête culturelle du Mali indépendant à l’initiative du père de l’indépendance, le socialiste et panafricaniste Modibo Keita. Et à sa fin, déjà éprouvé par son manque de reconnaissance à l’étranger, il souffre et appauvrit au cours de la crise au Mali actuel. L’interdit de toutes les manifestations (mariages, baptêmes, circoncisions etc.) sont une catastrophe pour les griots qui gagnent leur vie en faisant l’éloge des personnes qui les en chargent. Et non des moindres, une vicieuse maladie… !

Paix à ton âme, Kassé Mady Diabaté !

Hery

*le terme désigne le noyau régional dont est partie la conquête d’une grande partie de l’Afrique de l’Ouest sahélienne par les troupes de Sunjata. Le Manden couvre la zone comprise entre Bamako (Mali) et Kouroussa (Guinée) et qui se situe de part et d’autre du fleuve Niger localement appelé Joliba.



(photo prise au Palmengarten, à Francfort-sur-le-Main, en été 2006 : Kassé Mady Diabaté, chanteur principal du big band de Toumani Diabaté, le Symmetric Orchestra)

Bonjour, nous serons cet été en Irlande pendant le festival de musique folk de Ballyshannon. Est ce que quelqu'un peut nous en parler ? Faut il prendre des places à l'avance pour les concerts ? Y a-t-il des groupes et de la musique partout dans la ville ou uniquement dans le cadre de concerts payant ? Les tuyaux et bons plans sont les bienvenus. Merci d'avance. Bruno