Comme tant d’ autres, je suis un grand amateur de la Thaïlande, et les chansons sont l’ une des facettes de ce pays qui m’ ont toujours enchanté. Combien de fois êtes vous revenus d’ un beau voyage avec dans vos bagages quelques CD’s de la musique que vous avez rencontrée « là-bas » et qui vous a tellement plu, mais après 2 ou 3 semaines, fini, oublié ! le charme se dissipe ? Eh bien ce n’ est pas le cas pour moi et les chansons thaïes, elles continuent à me collene à la peau. Mais, après avoir écouté dernièrement des centaines de chansons, et souvent en boucle continue, j’ en arrive à quelques réflexions que je voudrais partager sur le forum. Sans vouloir ouvrir une polémique inutile à partir de quelques remarques qui pourraient être percues comme négatives par certains, j’ aimerais connaître l’ opinion d’ autres “aficionados/-as” et peut-être ferons-nous de part et d´ autre des découvertes enrichissantes. Je ne veux d’ ailleurs pas prétendre pouvoir traiter de la chanson thaïe dans son ensemble, le sujet serait bien trop vaste. Je me concentrerai donc sur le « luuk thung », une forme de « country music » à l’ origine était généralement plaintive (une espèce de Blues thaï) mais qui a évolué vers un genre plus souvent romantique, ce qu’ en anglais on appelerait des « ballads ».
Alors voilà, pour commencer, dans ce genre de chanson thaï je préfère, et de loin, les chanteuses aux chanteurs. Cela tient peut-être à ma sensiblerie masculine, mais j’ ai souvent été totalement envoûté par les voix des chanteuses thaïes, qui à mon avis complètent parfaitement la grace caractéristique (et la beauté souvent renversante) de tant de femmes dans ce pays. Par contre, les voix des chanteurs thaïs me semblent trop souvent “minces”, parfois frisant le pathétique. Ayant suivi moultes discussions sur le forum, j’ ai remarqué qu’ on est souvent pris à partie par des intervenants, pour un oui, pour un non (une caractéristique désagréable de notre culture francophone ?).Mais dans le genre « luuk thung », romantique ou nostalgique, une veritable spécialité de la Thaïlande, je trouve simplement les chanteuses excellentes et les chanteurs exécrables.
Pour moi, ces chansons “douces” sont un emblème de la Thaïlande. Mon interprétation personnelle est qu’ elles expriment une certaine facon idéalisée de voir le monde, c.à.d. un monde fait de douceur de vivre et de tendresse etc… En tout cas, c’ est là ma perception, et je laisse à d’ autres d’ apporter une analyse plus compétente de la psychologie thaïe telle qu’ elle s’ exprime par la chanson….
Je vais citer quelques une de mes chanteuses préférées :
- Fon Tanasunthorn je ne la connais que par quelques chansons dont une (j’ ai oublié son titre mais si vous insistez je vous le donnerai plus tard) que je trouve géniale (et en plus elle est super jolie, allez donc voir son clip « dao pradup jai » et vous verrez de quoi je parle). Intro très rêveuse, ultra-classique, pour bien planter la chanson, petites vocalises, voix qui se fond avec un instrument en fin de phrase, etc…
- Tai Orathai, dont j’adore la voix un peu fragile et brisée (elle aussi pas désagréable du tout à voir), et qui produit des chansons à mon avis de meilleure qualité que la moyenne, avec un brin de recherche du côté instrumental (voir mes commentaires plus bas).
- Boonta Meuangmai, que je ne connais que par une chanson dont je ne me lasse pas, dont le titre commence par « khon dee tee aai etc… » (j’ ai du mal à déchiffrer le reste à cause de l’ écriture stylisée). Superbe introduction par une espèce de vielle râpeuse, chargée d’ harmoniques (ca fait plaisir de voir que parfois, trop rarement, on utilise encore des instruments authentiques !), Puis la vielle reprend par derrière la chanteuse, plus loin dans la chanson, discrètement, comme une légère caresse. Dans le genre rêveur et émouvant, cette chanson est de premier ordre et me laisse tout simplement pantois ! Et j’ adore la facon dont Boonta prononce tous ces « dz » au lieu de « dj », « dzai » au lieu de « jai » (elle n’ est pas la seule d’ ailleurs).
Mais quelles histoires racontent donc ces chanteuses ? J’ aimerais bien le savoir, malheureusement je n’ ai pas assez de temps pour chercher les textes. Mais si l’ un de mes lecteurs ont des textes, ca me fera vraiment grand plaisir de les recevoir (si possible en écriture thaï, car les transcriptions laissent énormément à désirer dans leur inconsistence et leur oubli des tons).
Je n’ai pas parlé du « mor lam », mais je dois lui faire justice, je l’ apprécie beaucoup également (on y utilise plus souvent des instruments authentiques), avec une mention spéciale pour Jintara Pornlap, qui elle ne donne pas beaucoup dans le genre “doux” mais qui “décoiffe” avec sa voix acidulée, un peu “dérangée”. Je dois aussi mentionner l’ une de mes chanteuses préférées, Nat Myria, qui chante dans un registre plus moderne, parfois jazzéifié, avec (parfois) de très bons accompagnements, et qui a une superbe voix chaude et moelleuse (et j’ adore sa diction). Certaines de ses chansons sont de vraies berceuses, mais j’ adore. Aussi, quelques superbes chansons d’ Endorphine, avec cette magnifique voix un peu éraflée et d’ excellents accompagnements, etc… etc…
Mais il faut que je revienne à mon sujet principal : à prendre …. et à laisser. Pouquoi ? Eh bien parcequ’ après avoir dit tant de bonnes choses sur ces chanteuses de luuk thung, je dois aussi dire qu’ une chose m’ ennuie particulièrement, c’ est la niaiserie de la musique. Je m’ explique, c’ est de l’ accompagnement que je parle. Les mélodies sont souvent très belles, mais les parties instrumentales sont d’ une simplicité extrême et d’ une chanson à l’ autre plutôt répétitives. À cause de ca, le luuk thung tombe dans la guimauve, dans des tons « rose bonbon » qui, j’ en suis sûr, sont insupportables à beaucoup de farangs. Même les chansons de Tai Orathai sont souvent « limite » sur ce plan.
Alors pourquoi ? Est-ce que l’ audience thaï accorde tant d’ importance à la chanteuse (ou au chanteur), et au texte, que la musiqe elle-même ne devient qu’ une quantité négligeable, et donc négligée ? Est-ce que ce déséquilibre voix-musique est un héritage des origines populaires, campagnard même du luuk thung ? Est-ce que parce que le genre n’ arrive pas à se démarquer de ses premiers grands modèles, Poompuang Duangchan en premier lieu ? Mais dans ce cas, il faut vraiment une grande voix pour combler le vide de la musique (ou la musique doit faire le vide pour faire place à une grande voix), et certaines chanteuses qui, j’ en ai l’ impression, copient ce modèle, n’ apportent pas une voix suffisamment originale pour maintenir mon intérêt.
Est-ce dû aux fins purement commerciales, de courte durée, de ces chansons ? (je me rappelle avoir lu une remarque dans ce genre sur le forum il y a plusieurs mois, de Thuan peut-être) Est-ce qu’ il faut faire appel à mon interprétation de la psychologie thaï : la douceur et l’ émotion étant tellement centrales que la musique doit rester ultra-simpliste ? Mais n’ y-a-t-il pas, dans ce cas, de multiples exemples dans d’ autres cultures où les sentiments sont rehaussés par une vériatbel recherche musicale, pour arriver à des morceaux magnifiques, la sophistication n’ étant pas forcément ennemie du message.
Je m’ arrête là, je crois que ca suffira bien pour cette fois. Et merci d’ avance aux intervenants, je les suivrai avec beaucoup d’ intérêt.
bonjour a tous
Le 12 aout avait lieu la fete des meres, pour l'anniversaire de la reine.
Une enorme mobilisation nationale s'est creee pour celebrer l'evenement ce dimanche 16 aout:
BIKE FOR MOM
Des centaines de milliers de thais vont descendre dans les rues: dans chaque ville des parcours sont bloques et perturberont la circulation toute la journee.
Ainsi a Bangkok 17 grandes arteres sont fermees pour un trajet de 50km de 9 a 19h.
Pour les touristes en transit, il vaut donc mieux repousser d'un jour votre deplacement si vous aviez prevu de rejoindre une autre province. Victory monument ( depart des vans et bus) sera totalement perturbe par cette manifestation.
Il s'agit , ce jour-la de rouler a velo pour la reine et ne pas polluer sa ville.
En province, renseignez-vous sur le trajet choisi et bloque.
De plus, un certain nombre de sites ne seront pas accessibles, et bon nombre fermes.
Bonne fin de vacances
Bonjour à toutes et tous
Je travaille en ce moment à la création d'une librairie de voyage et je suis en quête de toutes les idées et remarques des voyageurs et voyageuses (plus que des touristes) sur ce sujet. Où achetez vous vos livres ? Quelle est leur part dans la préparation de vos voyages ? Quel type de lectures emportez vous sur la route ? En gros, de quel type d'endroit rêvez-vous pour préparer vos voyages ? Mon projet est déjà bien avancé mais je suis très curieuse de voir si vos envies rencontrent mes idées...
Merci beaucoup !
One of the last jazz giants
He played with legends like John Coltrane, Sonny Rollins, Thelonious Monk, Bill Evans, and Miles Davis: Jack DeJohnette was one of the most important jazz drummers of his generation. In late October, the American drummer, pianist, and composer passed away at the age of 83.
With his fluid style, exceptional musicality, and incredibly diverse repertoire, DeJohnette was one of the most sought-after drummers in music history. Blues, bebop, hard bop, soul jazz, and jazz-rock: few have mastered as many different styles as he did. Ornette Coleman, Sonny Rollins, Sun Ra, Jackie McLean, Thelonious Monk, Bill Evans, Stan Getz, Keith Jarrett, Chet Baker, George Benson, and Herbie Hancock—the list of artists and stars he collaborated with is impressive. Starting in the 1970s, he also became the regular drummer for the German label ECM. In their Munich studios, he recorded numerous albums such as Special Edition (with David Murray and Arthur Blythe), Song X (with Ornette Coleman, Pat Metheny, and Charlie Haden), and New Directions (with John Abercrombie and Lester Bowie)—as a sideman, leader, or under his own name.
"I’m a color artist," this purebred musician once said in an interview. He played the drums "like a painter applying pastels, oils, and watercolors." This free spirit of jazz blended and integrated countless influences and sounds. He explored the electric guitar and synthesizer, as well as New Age and African music...
Few other artists have managed to incorporate sounds from all musical genres and make their drums resonate like he did. As a child, he listened to all kinds of music without ever categorizing them. He had listened to operas, country and western music, rhythm and blues, swing, and jazz, as he recounted in interviews. To him, it was all just music—and it was all amazing.
Jack DeJohnette was born on August 9, 1942, in Chicago. From ages 4 to 14, he played the piano before switching to drums in high school and studying music. One of his role models was jazz pianist Ahmad Jamal (1930–2023), a child prodigy and idol to generations of musicians. His career began in 1966 in New York. He played in saxophonist John Coltrane’s ensemble, then in Charles Lloyd’s quartet, which also included the young pianist Keith Jarrett. His fame took off when Miles Davis invited him to replace Tony Williams in his group, where he stayed for three years. He can be heard on the groundbreaking double album Bitches Brew, released in 1970, which marked a turning point in jazz and rock history and the rise of a new genre: jazz-rock or fusion. He also contributed to Davis’ album A Tribute to Jack Johnson (1971, with John McLaughlin). In the 1980s, he formed a legendary trio with pianist Keith Jarrett and bassist Gary Peacock. One of the trio’s most important albums is undoubtedly Bye Bye Blackbird, a tribute to trumpeter Miles Davis, who passed away in 1991 and whom DeJohnette had played with between 1968 and 1971.
DeJohnette’s musicality was considered rare among jazz drummers. Since he also played piano, he always heard harmonies, melodies, and rhythms when playing drums. Westerners don’t typically view drums as a melodic instrument but rather as accompaniment. For him, however, they were a tool for playing melodies.
Between freedom, elegance, and rhythmic ingenuity, he leaves behind an immense legacy.
hgb
https://www.youtube.com/watch?v=eE_D6Kve1SM
He played with legends like John Coltrane, Sonny Rollins, Thelonious Monk, Bill Evans, and Miles Davis: Jack DeJohnette was one of the most important jazz drummers of his generation. In late October, the American drummer, pianist, and composer passed away at the age of 83.
With his fluid style, exceptional musicality, and incredibly diverse repertoire, DeJohnette was one of the most sought-after drummers in music history. Blues, bebop, hard bop, soul jazz, and jazz-rock: few have mastered as many different styles as he did. Ornette Coleman, Sonny Rollins, Sun Ra, Jackie McLean, Thelonious Monk, Bill Evans, Stan Getz, Keith Jarrett, Chet Baker, George Benson, and Herbie Hancock—the list of artists and stars he collaborated with is impressive. Starting in the 1970s, he also became the regular drummer for the German label ECM. In their Munich studios, he recorded numerous albums such as Special Edition (with David Murray and Arthur Blythe), Song X (with Ornette Coleman, Pat Metheny, and Charlie Haden), and New Directions (with John Abercrombie and Lester Bowie)—as a sideman, leader, or under his own name.
"I’m a color artist," this purebred musician once said in an interview. He played the drums "like a painter applying pastels, oils, and watercolors." This free spirit of jazz blended and integrated countless influences and sounds. He explored the electric guitar and synthesizer, as well as New Age and African music...
Few other artists have managed to incorporate sounds from all musical genres and make their drums resonate like he did. As a child, he listened to all kinds of music without ever categorizing them. He had listened to operas, country and western music, rhythm and blues, swing, and jazz, as he recounted in interviews. To him, it was all just music—and it was all amazing.
Jack DeJohnette was born on August 9, 1942, in Chicago. From ages 4 to 14, he played the piano before switching to drums in high school and studying music. One of his role models was jazz pianist Ahmad Jamal (1930–2023), a child prodigy and idol to generations of musicians. His career began in 1966 in New York. He played in saxophonist John Coltrane’s ensemble, then in Charles Lloyd’s quartet, which also included the young pianist Keith Jarrett. His fame took off when Miles Davis invited him to replace Tony Williams in his group, where he stayed for three years. He can be heard on the groundbreaking double album Bitches Brew, released in 1970, which marked a turning point in jazz and rock history and the rise of a new genre: jazz-rock or fusion. He also contributed to Davis’ album A Tribute to Jack Johnson (1971, with John McLaughlin). In the 1980s, he formed a legendary trio with pianist Keith Jarrett and bassist Gary Peacock. One of the trio’s most important albums is undoubtedly Bye Bye Blackbird, a tribute to trumpeter Miles Davis, who passed away in 1991 and whom DeJohnette had played with between 1968 and 1971.
DeJohnette’s musicality was considered rare among jazz drummers. Since he also played piano, he always heard harmonies, melodies, and rhythms when playing drums. Westerners don’t typically view drums as a melodic instrument but rather as accompaniment. For him, however, they were a tool for playing melodies.
Between freedom, elegance, and rhythmic ingenuity, he leaves behind an immense legacy.
hgb
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« Il y a beaucoup de héros dans le jazz. Mais peu ont véritablement changé l’histoire du jazz. McCoy Tyner en est un. Il y a un avant et un après Mister McCoy Tyner. » (Craig Taborn, pianiste de jazz américain)
McCoy Tyner, pianiste illuminé et compagnon de Coltrane
Un pianiste hors norme, un géant du jazz a disparu à jamais début mars dernier à l’âge de 81 ans. Acteur clé du légendaire classic quartet de John Coltrane (que complètent Jimmy Garrison à la contrebasse et Elvin Jones à la batterie), il a joué du piano avec les plus grands de son époque. Avec Bill Evans et Cecil Taylor, McCoy Tyner compte parmi les pianistes de jazz les plus influents de ces 50 dernières années. Son jeu si particulier, puissant et inimitable, a changé l’histoire du jazz moderne. Il mérite bien une digne place dans la généalogie des grands pianistes, aux côtés de Bud Powell, de Thelonious Monk, d’Art Tatum, de Duke Ellington et de Cecil Taylor. …
Né à Philadelphie (Pennsylvanie) en 1938, McCoy Tyner commence à prendre des leçons de piano à l’âge de 13 ans. Sa carrière musicale débute vraiment en 1959 dans le Jazztet du saxophoniste Benny Golson et trompettiste Art Farmer. En plus, il joue avec Lee Morgan, Max Roach, Stanley Turrentine, Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Joe Henderson, Sonny Rollins et Kenny Dorham. Plus tard, en 1960, à 21 ans, le pianiste quitte le Jazztet pour remplacer Steve Kuhn dans le quartet de John Coltrane et y reste membre jusqu’à la fin de 1965. McCoy Tyner est en premier lieu connu pour avoir accompagné – ce qui veut dire ici : a su soutenir et dynamiser le soliste – John Coltrane pendant la partie la plus essentielle de sa carrière, ces cinq années entre 1960 et 1965, au sein de ce classic quartet, formation la plus emblématique du jazz (encore) modal. Dans ladite période, il enregistre avec "son frère" John Coltrane une trentaine d’albums, dont les célèbres My Favorite Things (1961), Africa/Brass (1961), Live at the Village Vanguard (1961), A Love Supreme, chef-d’œuvre de l’histoire de la musique (1964), Live at Birdland (1964), Crescent (1964), Ascension (1965), Meditations (1965), Both directions at once : The lost album (1963/2018), etc. etc. etc. Non seulement le saxophoniste, mais juste la présence de ce pianiste virtuose dans le quatuor de Coltrane est l’un des éléments-clés qui a fait de cet ensemble un des incontournables du jazz des années 60.
Pourtant, Coltrane a laissé à son sideman beaucoup d’espace pour son propre jeu soliste. Et il a brillé par son expressivité exaltante. Avec sa main droite, il pouvait suivre la préférance de Coltrane pour ses soi-disant sheets of sounds. Celle de gauche, en revanche, a utilisé la tradition du stride piano pour créer une richesse et profondeur orchestrales en alternant les registres médium et grave (Tyner était gaucher). Le pianiste reste non seulement ancré dans son attachement à l’instrument, mais aussi humble dans son sens pour la beauté et l’harmonie. Au moment où Coltrane s’est de plus en plus laissé emporter par des zones atonales du free jazz, McCoy Tyner n’a plus voulu le suivre : "I didn’t see myself making any contribution to that music. All I could hear was a lot of noise." Cette position esthétique a conduit inévitablement à quitter le quatuor...
Après le split de Coltrane, McCoy Tyner commence à enregistrer sous son propre nom plusieurs albums post-bop dont Tender Moments (1968), Time for Tyner (1968), Extensions (1970) et surtout The Real McCoy (1967), peut-être son meilleur album de cette période. A partir de 1972, entre le free jazz et le jazz fusion, il cultive sa propre musique, dans laquelle il élargit – en solo, en trio ou en grandes formations – ses expériences des années 60, et collabore avec des musiciens tels que les saxophonistes Sonny Fortune, Gary Bartz, John Stubblefield, Andrew White et Azar Lawrence, le trompettiste Virgil Jones, le violoniste John Blake, le vibraphoniste Bobby Hutcherson, les contrebassistes Joony Booth et Buster Williams, et les batteurs Billy Hart et surtout Alphonse Mouzon. Des grandioses albums attestent cette période féconde : Sahara (1973), Atlantis (1974), Trident (1976) et Enlightment – Live at the Montreux Jazz Festival (1973), le dernier étant pour toujours mon album préféré de McCoy Tyner, ce quartet – à mon avis – sa meilleure formation ever (M.T. - Azar Lawrence - Joony Booth - Alphonse Mouzon).
McCoy Tyner a enregistré plus de 80 albums sous son propre nom, a reçu cinq Grammys, des géants comme Herbie Hancock et Chick Corea l’ont cité comme une influence décisive sur leur propre travail. En 2002, la NEA (National Endowment for the Arts) l’a nommé "Jazz Master". Son dernier album, Solo: Live from San Francisco, date de 2009, qui est décrit avec enthousiasme par la critique comme une preuve de l’impact ininterrompu de son style si puissant : "All of the hallmarks of his sound, from up and down dynamics to the legendary crashing of chords, especially with his left hand, and the stunning virtuosity of his improvisational runs and streaks, assure you that he is in good spirits and has energy to burn off even at his advanced age... This is yet another of the many triumphant recordings Tyner has given to the world…" (Allmusic)
Hery
https://www.youtube.com/watch?v=WXL4c67sX9E
McCoy Tyner, pianiste illuminé et compagnon de Coltrane
Un pianiste hors norme, un géant du jazz a disparu à jamais début mars dernier à l’âge de 81 ans. Acteur clé du légendaire classic quartet de John Coltrane (que complètent Jimmy Garrison à la contrebasse et Elvin Jones à la batterie), il a joué du piano avec les plus grands de son époque. Avec Bill Evans et Cecil Taylor, McCoy Tyner compte parmi les pianistes de jazz les plus influents de ces 50 dernières années. Son jeu si particulier, puissant et inimitable, a changé l’histoire du jazz moderne. Il mérite bien une digne place dans la généalogie des grands pianistes, aux côtés de Bud Powell, de Thelonious Monk, d’Art Tatum, de Duke Ellington et de Cecil Taylor. …
Né à Philadelphie (Pennsylvanie) en 1938, McCoy Tyner commence à prendre des leçons de piano à l’âge de 13 ans. Sa carrière musicale débute vraiment en 1959 dans le Jazztet du saxophoniste Benny Golson et trompettiste Art Farmer. En plus, il joue avec Lee Morgan, Max Roach, Stanley Turrentine, Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Joe Henderson, Sonny Rollins et Kenny Dorham. Plus tard, en 1960, à 21 ans, le pianiste quitte le Jazztet pour remplacer Steve Kuhn dans le quartet de John Coltrane et y reste membre jusqu’à la fin de 1965. McCoy Tyner est en premier lieu connu pour avoir accompagné – ce qui veut dire ici : a su soutenir et dynamiser le soliste – John Coltrane pendant la partie la plus essentielle de sa carrière, ces cinq années entre 1960 et 1965, au sein de ce classic quartet, formation la plus emblématique du jazz (encore) modal. Dans ladite période, il enregistre avec "son frère" John Coltrane une trentaine d’albums, dont les célèbres My Favorite Things (1961), Africa/Brass (1961), Live at the Village Vanguard (1961), A Love Supreme, chef-d’œuvre de l’histoire de la musique (1964), Live at Birdland (1964), Crescent (1964), Ascension (1965), Meditations (1965), Both directions at once : The lost album (1963/2018), etc. etc. etc. Non seulement le saxophoniste, mais juste la présence de ce pianiste virtuose dans le quatuor de Coltrane est l’un des éléments-clés qui a fait de cet ensemble un des incontournables du jazz des années 60.
Pourtant, Coltrane a laissé à son sideman beaucoup d’espace pour son propre jeu soliste. Et il a brillé par son expressivité exaltante. Avec sa main droite, il pouvait suivre la préférance de Coltrane pour ses soi-disant sheets of sounds. Celle de gauche, en revanche, a utilisé la tradition du stride piano pour créer une richesse et profondeur orchestrales en alternant les registres médium et grave (Tyner était gaucher). Le pianiste reste non seulement ancré dans son attachement à l’instrument, mais aussi humble dans son sens pour la beauté et l’harmonie. Au moment où Coltrane s’est de plus en plus laissé emporter par des zones atonales du free jazz, McCoy Tyner n’a plus voulu le suivre : "I didn’t see myself making any contribution to that music. All I could hear was a lot of noise." Cette position esthétique a conduit inévitablement à quitter le quatuor...
Après le split de Coltrane, McCoy Tyner commence à enregistrer sous son propre nom plusieurs albums post-bop dont Tender Moments (1968), Time for Tyner (1968), Extensions (1970) et surtout The Real McCoy (1967), peut-être son meilleur album de cette période. A partir de 1972, entre le free jazz et le jazz fusion, il cultive sa propre musique, dans laquelle il élargit – en solo, en trio ou en grandes formations – ses expériences des années 60, et collabore avec des musiciens tels que les saxophonistes Sonny Fortune, Gary Bartz, John Stubblefield, Andrew White et Azar Lawrence, le trompettiste Virgil Jones, le violoniste John Blake, le vibraphoniste Bobby Hutcherson, les contrebassistes Joony Booth et Buster Williams, et les batteurs Billy Hart et surtout Alphonse Mouzon. Des grandioses albums attestent cette période féconde : Sahara (1973), Atlantis (1974), Trident (1976) et Enlightment – Live at the Montreux Jazz Festival (1973), le dernier étant pour toujours mon album préféré de McCoy Tyner, ce quartet – à mon avis – sa meilleure formation ever (M.T. - Azar Lawrence - Joony Booth - Alphonse Mouzon).
McCoy Tyner a enregistré plus de 80 albums sous son propre nom, a reçu cinq Grammys, des géants comme Herbie Hancock et Chick Corea l’ont cité comme une influence décisive sur leur propre travail. En 2002, la NEA (National Endowment for the Arts) l’a nommé "Jazz Master". Son dernier album, Solo: Live from San Francisco, date de 2009, qui est décrit avec enthousiasme par la critique comme une preuve de l’impact ininterrompu de son style si puissant : "All of the hallmarks of his sound, from up and down dynamics to the legendary crashing of chords, especially with his left hand, and the stunning virtuosity of his improvisational runs and streaks, assure you that he is in good spirits and has energy to burn off even at his advanced age... This is yet another of the many triumphant recordings Tyner has given to the world…" (Allmusic)
Hery
https://www.youtube.com/watch?v=WXL4c67sX9E
Au service d’une musique inventive et engagée : Charlie Haden
L'Américain Charlie Haden, figure majeure du jazz moderne, est décédé le 12 juillet des suites d'une longue maladie. A l'âge de 76. Le contrebassiste avait collaboré avec les plus grands du jazz depuis plus d'un demi-siècle, de John Coltrane à Ornette Coleman et Keith Jarrett, en passant par Chet Baker, Paul Bley, Archie Shepp, Gato Barbieri, Dewey Redman, Egberto Gismonti, Don Cherry, le Cubain Gonzalo Rubalcaba, Jim Hall, Herbie Hancock et bien d'autres. Il venait de sortir un disque au titre tristement prémonitoire, "Last Dance", avec son éternel complice, le pianiste Keith Jarrett. Ce contrebassiste, compositeur et bandleader américain a marqué plus de cinq décennies d'histoire musicale. Quelle perte !
Charlie Haden est né en 1937 à Shenandoah, dans l'Etat de l'Iowa, élevé dans une famille de musiciens. Il passe son enfance à chanter, notamment des thèmes de musique country, au sein du Haden Family Band. Mais bientôt, il s'oriente vers le jazz et la contrebasse : après ses premiers pas, en 1957, aux côtés des pianistes Paul Bley et Hampton Hawes ou des saxophonistes Art Pepper et Dexter Gordon, il commence sa vraie carrière dans le double quartette du pionnier du "free jazz" Ornette Coleman (avec Don Cherry, Freddie Hubbard, Eric Dolphy, Scott LaFaro, Ed Blackwell et Billy Higgins) à la fin des années 50. C'est surtout avec Coleman qu'il participe à la révolution du "free jazz" en débarrassant le jazz des contraites rythmiques et harmoniques : leur album manifeste intitulé "Free Jazz : A Collective Improvisation" fait époque et donne le nom à ce mouvement radical et libertaire. Il joue avec la veuve de John Coltrane, Alice. On le retrouve aussi dans le disque culte intitulé "Escalator over the Hill", une sorte d'opéra free-jazz et expérimentel (avec une trentaine de musiciens dont Carla Bley, Jack Bruce, Leroy Jenkins, Howard Johnson, Jimmy Lyons, Jeanne Lee, John McLaughlin, Don Preston, Enrico Rava, Linda Ronstadt, Roswell Rudd etc. etc.). Le trio avec Keith Jarrett et le batteur Paul Motian qu'il complète, brille entre 1968 et 1976, tout comme celui qu'il forme dans les années 80 avec le Brésilien Egberto Gismonti et Jan Garbarek, le saxophoniste norvégien. Ses duos avec Ornette Coleman, Archie Shepp, Don Cherry, Pat Metheny etc. font briller ses talents de mélodiste, sa capacité à développer un son ample. L'une des collaborations marquantes de la dernière partie de la carrière de Haden est celle avec le guitariste Pat Metheny. Leur magnifique album en duo, "Beyond the Missouri Sky" en atteste : une unique célébration de leurs racines communes du Middle West américain. A partir des années mi-80, il mène un groupe appelé Quartet West pendant plus de 20 ans. A ce projet, Haden se consacre aux thèmes des années 30 et 40 puisés dans la chanson populaire ou le cinéma noir. En 2008, le contrebassiste revient à ses racines musicales en publiant l'album "Rambling Boy", superbe hommage à la musique country, enregistré avec les membres de sa famille. Il renoue aussi avec Ornette Coleman le temps de quelques concerts, et enregistre avec les pianistes Hank Jones et Kenny Baron : l'album en duo avec Hank Jones est un de ses albums les plus marquants de cette période. Cet homme empreint de spiritualité et de militantisme, qui sort la contrebasse de son rôle d'accompagnement, laisse une empreinte de géant. Trois décennies s'écoulent avant que Charlie Haden et Keith Jarrett se retrouvent pour interpréter des splendides ballades et standards de jazz, immortalisés sur deux albums : "Jasmine" (2010) et "Last Dance" (2014).
Charlie Haden est aussi un musicien engagé contre la guerre (notamment au Vietnam), la colonisation, l'impérialisme et pour les droits civiques : à la fin des années 60, il crée en compagnie avec la pianiste Carla Bley un collectif free, le Liberation Music Orchestra (LMO), très expérimenté et symbole de son engagement politique fort à cette époque, qui reprend dans son premier disque des chants militants de la Guerre civile espagnole (avec, en outre, la magnifique et inoubliable ballade dédiée à Ché Guevara, "Song for Ché"). Il dénonce l'oppression des dictatures d'Amérique latine soutenues par le gouvernement américain et l'apartheid sud-africain avec véhémence. Lors d'un concert à Lisbonne en 1971, il dédie un morceau aux mouvements de libération du Mozambique et de l'Angola et est arrêté par la police portugaise. Avec le dernier album du LMO, "Not in Our Name" (2005), il s'élève contre George W. Bush et la guerre en Irak. Un orchestre qui dépasse ce qu'est communément un orchestre, plutôt un programme : une musique conçue comme étant un "fanal de la liberté", autrement dit, une musique qui allie la libre tonalité du "free jazz" avec la libération (souhaitée) des peuples ...
Cet homme de gauche et un des plus grands et novateurs contrebassistes dans l'histoire du jazz – à un drive irrésistible, un goût du jeu ensemble, et un feeling parfait du tempo et du rythme – est souvent associé au "free jazz", et au "free jazz" seulement à cause de sa longue et fructueuse collaboration avec Ornette Coleman mais cet avant-gardiste en est beaucoup plus : un amoureux des splendides mélodies et un fin connaisseur des musiques traditionnelles américaines. Il ne cesse jamais de voir des parentés entre le jazz et sa musique country : "When you think about the art form, jazz, coming from this country and you think about the Underground Railroad and all the music that came from that struggle, and then you think about all the music coming over from Scotland and Ireland and England into the Appalachian and Ozark Mountains where I was born and raised, you know, it's all one really. We can only have been born here in this country."
Charlie Haden joue tout, ne manque aucun train, toujours d'être musicien avant d'être contrebassiste, un instrumentiste qui impose une propre langue et donne à son instrument un rôle majeur. Sa musique est un engagement total, il cultive sa liberté, sur scène et en dehors, jusqu'au bout ...
Voici une LISTE DES ALBUMS à ne pas rater de/avec Charlie Haden :
Ornette Coleman Quartet (1959). The Shape of Jazz to Come. Atlantic.
Ornette Coleman Quartet (1960). Change of the Century. Atlantic.
Ornette Coleman Quartet (1961). This is Our Music. Atlantic.
Ornette Coleman Double Quartet (1961). Free Jazz : A Collective Improvisation. Atlantic.
Archie Shepp (1966). Mama Too Tight. Impulse.
Ornette Coleman Quartet (1968). Ornette at 12. Impulse.
Ornette Coleman (1970). The Art of the Improvisers. Atlantic.
Ornette Coleman Quartet (1970). Friends and Neighbours : Live at Prince Street. Flying Dutchman.
Charlie Haden (1971). Liberation Music Orchestra. Impulse.
Carla Bley & The Jazz Composer's Orchestra (1971). Escalator over the Hill. WATT.
John McLaughlin (1971). My Goal's Beyond. Douglas.
Ornette Coleman (1972). Science Fiction. CBS.
Don Cherry (1973). Relativity Suite. JCOA.
Charlie Haden (1976). Closeness. A&M/Horizon.
Charlie Haden (1976). The Golden Number. A&M/Horizon.
Charlie Haden/Ornette Coleman Duo (1978). Soapsuds, Soapsuds. Artists House.
Charlie Haden/Jan Garbarek/Egberto Gismonti Trio (1979). Magico. ECM.
Charlie Haden/Jan Garbarek/Egberto Gismonti Trio (1979). Folk Songs. ECM.
Mingus Dynasty (1979). Chair in the Sky. Elektra.
Don Cherry/Dewey Redman/Charlie Haden/Ed Blackwell (1979). Old and New Dreams. ECM.
Charlie Haden Quartet West (1986). Quartet West. Verve.
Charlie Haden Quartet West (1988). In Angel City. Verve.
Abbey Lincoln (1990). The World is Falling Down. Verve.
Charlie Haden Quartet West (1991). Haunted Heart. Verve.
Charlie Haden/Hank Jones Duo (1994). Steal Away: Spirituals, Hymns, and Folk Songs. Verve.
Charlie Haden/Kenny Barron Duo (1996). Night And the City. Verve.
Charlie Haden/Pat Metheny Duo (1996). Beyond the Missouri Sky. Verve.
Charlie Haden/Lee Konitz/Brad Mehldau (1997). Alone Together. Verve.
Art Pepper (2000). So in Love. Apo.
Charlie Haden/Gonzal Rubalcaba (2001). Nocturne. Verve.
Charlie Haden & The Liberation Music Orchestra. (2005). Not in Our Name. Verve.
Charlie Haden Family And Friends (2008). Rambling Boy. EmArcy.
Charlie Haden/Keith Jarrett Duo (2010). Jasmine. ECM.
Charlie Haden/Keith Jarrett Duo (2014). Last Dance. ECM.
Charlie Haden/Jim Hall Duo (2014). Charlie Haden/Jim Hall. Impulse. (en sept.'14)
Hery
L'Américain Charlie Haden, figure majeure du jazz moderne, est décédé le 12 juillet des suites d'une longue maladie. A l'âge de 76. Le contrebassiste avait collaboré avec les plus grands du jazz depuis plus d'un demi-siècle, de John Coltrane à Ornette Coleman et Keith Jarrett, en passant par Chet Baker, Paul Bley, Archie Shepp, Gato Barbieri, Dewey Redman, Egberto Gismonti, Don Cherry, le Cubain Gonzalo Rubalcaba, Jim Hall, Herbie Hancock et bien d'autres. Il venait de sortir un disque au titre tristement prémonitoire, "Last Dance", avec son éternel complice, le pianiste Keith Jarrett. Ce contrebassiste, compositeur et bandleader américain a marqué plus de cinq décennies d'histoire musicale. Quelle perte !
Charlie Haden est né en 1937 à Shenandoah, dans l'Etat de l'Iowa, élevé dans une famille de musiciens. Il passe son enfance à chanter, notamment des thèmes de musique country, au sein du Haden Family Band. Mais bientôt, il s'oriente vers le jazz et la contrebasse : après ses premiers pas, en 1957, aux côtés des pianistes Paul Bley et Hampton Hawes ou des saxophonistes Art Pepper et Dexter Gordon, il commence sa vraie carrière dans le double quartette du pionnier du "free jazz" Ornette Coleman (avec Don Cherry, Freddie Hubbard, Eric Dolphy, Scott LaFaro, Ed Blackwell et Billy Higgins) à la fin des années 50. C'est surtout avec Coleman qu'il participe à la révolution du "free jazz" en débarrassant le jazz des contraites rythmiques et harmoniques : leur album manifeste intitulé "Free Jazz : A Collective Improvisation" fait époque et donne le nom à ce mouvement radical et libertaire. Il joue avec la veuve de John Coltrane, Alice. On le retrouve aussi dans le disque culte intitulé "Escalator over the Hill", une sorte d'opéra free-jazz et expérimentel (avec une trentaine de musiciens dont Carla Bley, Jack Bruce, Leroy Jenkins, Howard Johnson, Jimmy Lyons, Jeanne Lee, John McLaughlin, Don Preston, Enrico Rava, Linda Ronstadt, Roswell Rudd etc. etc.). Le trio avec Keith Jarrett et le batteur Paul Motian qu'il complète, brille entre 1968 et 1976, tout comme celui qu'il forme dans les années 80 avec le Brésilien Egberto Gismonti et Jan Garbarek, le saxophoniste norvégien. Ses duos avec Ornette Coleman, Archie Shepp, Don Cherry, Pat Metheny etc. font briller ses talents de mélodiste, sa capacité à développer un son ample. L'une des collaborations marquantes de la dernière partie de la carrière de Haden est celle avec le guitariste Pat Metheny. Leur magnifique album en duo, "Beyond the Missouri Sky" en atteste : une unique célébration de leurs racines communes du Middle West américain. A partir des années mi-80, il mène un groupe appelé Quartet West pendant plus de 20 ans. A ce projet, Haden se consacre aux thèmes des années 30 et 40 puisés dans la chanson populaire ou le cinéma noir. En 2008, le contrebassiste revient à ses racines musicales en publiant l'album "Rambling Boy", superbe hommage à la musique country, enregistré avec les membres de sa famille. Il renoue aussi avec Ornette Coleman le temps de quelques concerts, et enregistre avec les pianistes Hank Jones et Kenny Baron : l'album en duo avec Hank Jones est un de ses albums les plus marquants de cette période. Cet homme empreint de spiritualité et de militantisme, qui sort la contrebasse de son rôle d'accompagnement, laisse une empreinte de géant. Trois décennies s'écoulent avant que Charlie Haden et Keith Jarrett se retrouvent pour interpréter des splendides ballades et standards de jazz, immortalisés sur deux albums : "Jasmine" (2010) et "Last Dance" (2014).
Charlie Haden est aussi un musicien engagé contre la guerre (notamment au Vietnam), la colonisation, l'impérialisme et pour les droits civiques : à la fin des années 60, il crée en compagnie avec la pianiste Carla Bley un collectif free, le Liberation Music Orchestra (LMO), très expérimenté et symbole de son engagement politique fort à cette époque, qui reprend dans son premier disque des chants militants de la Guerre civile espagnole (avec, en outre, la magnifique et inoubliable ballade dédiée à Ché Guevara, "Song for Ché"). Il dénonce l'oppression des dictatures d'Amérique latine soutenues par le gouvernement américain et l'apartheid sud-africain avec véhémence. Lors d'un concert à Lisbonne en 1971, il dédie un morceau aux mouvements de libération du Mozambique et de l'Angola et est arrêté par la police portugaise. Avec le dernier album du LMO, "Not in Our Name" (2005), il s'élève contre George W. Bush et la guerre en Irak. Un orchestre qui dépasse ce qu'est communément un orchestre, plutôt un programme : une musique conçue comme étant un "fanal de la liberté", autrement dit, une musique qui allie la libre tonalité du "free jazz" avec la libération (souhaitée) des peuples ...
Cet homme de gauche et un des plus grands et novateurs contrebassistes dans l'histoire du jazz – à un drive irrésistible, un goût du jeu ensemble, et un feeling parfait du tempo et du rythme – est souvent associé au "free jazz", et au "free jazz" seulement à cause de sa longue et fructueuse collaboration avec Ornette Coleman mais cet avant-gardiste en est beaucoup plus : un amoureux des splendides mélodies et un fin connaisseur des musiques traditionnelles américaines. Il ne cesse jamais de voir des parentés entre le jazz et sa musique country : "When you think about the art form, jazz, coming from this country and you think about the Underground Railroad and all the music that came from that struggle, and then you think about all the music coming over from Scotland and Ireland and England into the Appalachian and Ozark Mountains where I was born and raised, you know, it's all one really. We can only have been born here in this country."
Charlie Haden joue tout, ne manque aucun train, toujours d'être musicien avant d'être contrebassiste, un instrumentiste qui impose une propre langue et donne à son instrument un rôle majeur. Sa musique est un engagement total, il cultive sa liberté, sur scène et en dehors, jusqu'au bout ...
Voici une LISTE DES ALBUMS à ne pas rater de/avec Charlie Haden :
Ornette Coleman Quartet (1959). The Shape of Jazz to Come. Atlantic.
Ornette Coleman Quartet (1960). Change of the Century. Atlantic.
Ornette Coleman Quartet (1961). This is Our Music. Atlantic.
Ornette Coleman Double Quartet (1961). Free Jazz : A Collective Improvisation. Atlantic.
Archie Shepp (1966). Mama Too Tight. Impulse.
Ornette Coleman Quartet (1968). Ornette at 12. Impulse.
Ornette Coleman (1970). The Art of the Improvisers. Atlantic.
Ornette Coleman Quartet (1970). Friends and Neighbours : Live at Prince Street. Flying Dutchman.
Charlie Haden (1971). Liberation Music Orchestra. Impulse.
Carla Bley & The Jazz Composer's Orchestra (1971). Escalator over the Hill. WATT.
John McLaughlin (1971). My Goal's Beyond. Douglas.
Ornette Coleman (1972). Science Fiction. CBS.
Don Cherry (1973). Relativity Suite. JCOA.
Charlie Haden (1976). Closeness. A&M/Horizon.
Charlie Haden (1976). The Golden Number. A&M/Horizon.
Charlie Haden/Ornette Coleman Duo (1978). Soapsuds, Soapsuds. Artists House.
Charlie Haden/Jan Garbarek/Egberto Gismonti Trio (1979). Magico. ECM.
Charlie Haden/Jan Garbarek/Egberto Gismonti Trio (1979). Folk Songs. ECM.
Mingus Dynasty (1979). Chair in the Sky. Elektra.
Don Cherry/Dewey Redman/Charlie Haden/Ed Blackwell (1979). Old and New Dreams. ECM.
Charlie Haden Quartet West (1986). Quartet West. Verve.
Charlie Haden Quartet West (1988). In Angel City. Verve.
Abbey Lincoln (1990). The World is Falling Down. Verve.
Charlie Haden Quartet West (1991). Haunted Heart. Verve.
Charlie Haden/Hank Jones Duo (1994). Steal Away: Spirituals, Hymns, and Folk Songs. Verve.
Charlie Haden/Kenny Barron Duo (1996). Night And the City. Verve.
Charlie Haden/Pat Metheny Duo (1996). Beyond the Missouri Sky. Verve.
Charlie Haden/Lee Konitz/Brad Mehldau (1997). Alone Together. Verve.
Art Pepper (2000). So in Love. Apo.
Charlie Haden/Gonzal Rubalcaba (2001). Nocturne. Verve.
Charlie Haden & The Liberation Music Orchestra. (2005). Not in Our Name. Verve.
Charlie Haden Family And Friends (2008). Rambling Boy. EmArcy.
Charlie Haden/Keith Jarrett Duo (2010). Jasmine. ECM.
Charlie Haden/Keith Jarrett Duo (2014). Last Dance. ECM.
Charlie Haden/Jim Hall Duo (2014). Charlie Haden/Jim Hall. Impulse. (en sept.'14)
Hery
Puisque le retour n'est pas que tristesse. J'y trouve plein de notes positives, pas vous ? Qu'est ce qui vous fait plaisir en rentrant de voyage ?
Heurese de retrouver : mes amis que J'AIME, et avoir le coeur qui bat plus fort juste avant de les revoir, ma soeur au téléphone, les CD de John Coltrane (My favourite things .... mmmmmhhhh j'adore !!!!🙂) et de Nitin Sawhney, et me laisser transporter par ces mélodies intenses et vibrantes, mon parfum préféré, et en vaporiser sur mon cou cinq, six, sept fois par jour, les pains au chocolat et le lait fermenté, mes 6 nounours, et partager tous ensemble le lit une carte IGN du monde juste en face de mon lit, et rêver de la Terre entière les yeux ouverts, depuis ma couche emplie d'oreillers.
Ravie de : apaiser mon obsession des mots avec un dictionnaire monolingue à côté de mon lit, chatter avec mon amie argentine pour laquelle je ferai tout ce qu'il n'est pas raissonable de faire, organiser le séjour de cette amie à Paris, ne pas laisser mollement traîner mon insomnie les longs des draps, et prendre mon courage à deux mains pour aller dans les hauteurs de Saint Cloud admirer le soleil qui pointe du nez sur l'évanescente silhoutte parisienne, danser le matin avec une tasse de café, sémillante, échevelée et d'humeur rieuse, sur de la salsa (et arriver à 11 heures au travail), regarder le prix du billet d'avion pour mon prochain départ (déjà tu repars ?!?), laisser les mauvaises choses et habitudes derrière soit, être heureuse de partir, de rentrer, de repartir, et de vivre.
Bon retour à ceux qui rentrent, que ce retour là ne signifie pas se scléroser en se berçant dans la mélacolie du souvenir, mais qu'il soit fécond et riche d'énergie et projets.
Heurese de retrouver : mes amis que J'AIME, et avoir le coeur qui bat plus fort juste avant de les revoir, ma soeur au téléphone, les CD de John Coltrane (My favourite things .... mmmmmhhhh j'adore !!!!🙂) et de Nitin Sawhney, et me laisser transporter par ces mélodies intenses et vibrantes, mon parfum préféré, et en vaporiser sur mon cou cinq, six, sept fois par jour, les pains au chocolat et le lait fermenté, mes 6 nounours, et partager tous ensemble le lit une carte IGN du monde juste en face de mon lit, et rêver de la Terre entière les yeux ouverts, depuis ma couche emplie d'oreillers.
Ravie de : apaiser mon obsession des mots avec un dictionnaire monolingue à côté de mon lit, chatter avec mon amie argentine pour laquelle je ferai tout ce qu'il n'est pas raissonable de faire, organiser le séjour de cette amie à Paris, ne pas laisser mollement traîner mon insomnie les longs des draps, et prendre mon courage à deux mains pour aller dans les hauteurs de Saint Cloud admirer le soleil qui pointe du nez sur l'évanescente silhoutte parisienne, danser le matin avec une tasse de café, sémillante, échevelée et d'humeur rieuse, sur de la salsa (et arriver à 11 heures au travail), regarder le prix du billet d'avion pour mon prochain départ (déjà tu repars ?!?), laisser les mauvaises choses et habitudes derrière soit, être heureuse de partir, de rentrer, de repartir, et de vivre.
Bon retour à ceux qui rentrent, que ce retour là ne signifie pas se scléroser en se berçant dans la mélacolie du souvenir, mais qu'il soit fécond et riche d'énergie et projets.
« With his mutton-chop sideburns and penchant for countrymen’s tweed jackets, waistcoats and collarless shirts, Keith Tippett suggested a quirky Edwardian gentleman farmer more than an experimental music firebrand. » (John Fordham, The Guardian, juin 2020)
Entre jazz libre et rock progressif
Un grand nom du jazz britannique vient de disparaître. En juin, le compositeur, improvisateur et pianiste anglais Keith Tippett est mort à l’âge de 72 ans. Curieux de tous les styles et tous les genres, infatigable à la quête de nouvelles expériences musicales, il est une figure pionnière de la scène anglaise de jazz libre depuis le début des années 70. Mais il se fait surtout connaître pour avoir fondé le méga-orchestre CENTIPEDE, comprenant une cinquantaine de musiciens, et par sa participation à trois albums du groupe de rock progressif KING CRIMSON. Sa discographie est immense...
Né à Bristol en 1947, Keith Tippett étudie le piano et l’orgue d’église et forme son premier groupe quand il est adolescent. En 1967, il s‘installe à la capitale britannique, la date qui équivaut au début de sa vie musicale professionnelle. Déjà sa première formation, le KEITH TIPPETT GROUP, un sextet comprenant notamment le saxophoniste Elton Dean, le trompettiste Mark Charig et le tromboniste Nick Evans, atteint un certain degré de notorité. Le groupe enregistre deux disques de jazz-rock qui font date, You are here...I am There en 1970, et Dedicated to You, but You weren’t Listening en 1971, auquel participe aussi Robert Wyatt, entre autres. A cette époque également, Keith Tippett collabore à la chanteuse Shelag McDonald et effectue plusieurs sessions de King Crimson où il laisse son imparable touche pianistique : faut écouter p.ex. la pièce Cat Food ou aussi Lizard, really great !)...
En 1970 de même, Keith Tippett fonde un orchestre hors du commun comprenant d’une cinquantaine de musiciens issus des scènes jazz et rock britannique, CENTIPEDE, laissant un double album, Septober Energy, qui reste unique en son genre : une composition déclinée en quatre parties, chacune faisant intervenir les musiciens soit en solo, en duos, en trios, en quartets, en orchestre complet, mélangeant et mariant différents styles – jazz, classique, rock, free music, etc. Peu de temps après, Keith Tippett crée une autre formation, OVARY LODGE, avec le contrebassiste Roy Babington, le batteur Frank Perry et – plus tard – le bassiste sud-africain, Harry Miller. Sa femme, la vocaliste et percussionniste Julie Tippetts (née Driscoll) y participe également : qui ne se souvient pas d‘une voix soul, celle de Julie, accompagnée du groupe Brian Auger & The Trinity ayant eu plusieurs hits à l‘époque : This Wheel‘s on Fire, Road to Cairo, Season of the Witch... Ce quartet s’oriente vers une musique entièrement improvisée, au croisement du free et de la musique contemporaire, préfigurant même l’ambient.
En 1976, Keith Tippett joue en duo avec un autre pianiste britannique, Stan Tracey, et en 1978, il forme sa deuxième grande formation, ARK, un big-band de 22 musiciens, cette fois issu du jazz et des musiques improvisées, se déplaçant musicalement entre Charles Mingus et Sun Ra. Cette grande formation comprend notamment des membres d’OVARY LODGE et du Chris McGregor’s Brotherhood of Breath, n’ayant enregistré, tout comme CENTIPEDE, qu’un seul double album, Frames (Music for an Imaginary Film). Par la suite, le pianiste crée d’autres formations orchestrales qui, même sans avoir dépassé le nombre de participants d’ARK et de CENTIPEDE, témoigne d’une densité et d’un foisonnement musicaux tout aussi impressionnants, comme le KEITH TIPPETT SEPTET, le KEITH TIPPETT TAPESTRY ORCHESTRA, VIVE LA BLACK et le KEITH TIPPETT OCTET. En somme, une carrière musicale qui présente diverses formes musicalement assez contrastées...
A l’opposé de ces grandes formations, le fécond talent pianistique de Keith Tippett s’exprime également sous la stricte forme du solo piano, une démarche qu’il initie à partir des années 80 avec le double album The Unlonely Raindancer et qu’il développe dans les décennies suivantes au sein de sa série de disques solistes Mujician I, II, III (August Air) et IV (Live in Piacenza) et dans d’autres albums comme The Dartington Concert, Friday the 13th et Live in Triest. Ce sont tous des albums qui illustrent toute l’amplitude créative de Keith Tippett sur le piano, rayonnant d’un lyrisme brûlant, d’un souffle vital et d’une inventivité infaillible, souvent le traitant d’un "piano préparé à la John Cage" (le son des cordes étant modifié par des pièces de bois et autres objets). MUJICIAN devient aussi le nom de l’un des groupes les plus éloquents du pianiste, un quartet improvisé d’harmonie intuitive, avec le saxophoniste Paul Dunmall, inspiré de Coltrane, le virtuose de basse, Paul Rogers, et le batteur Tony Levin...
Au cours de sa longue carrière, Keith Tippett multiplie les rencontres musicales sous plusieurs formes, en duos, en trios, etc. etc., et participe, de la même façon, dans différentes formations d‘amis musiciens, dont Elton Dean (Quartet, Quintet, Ninesense), Harry Miller (Isipingo), le violoniste de King Crimson, David Cross (Low Flying Aircraft), le bassiste de Soft Machine, Hugh Hopper (Hopper-Dean-Tippett-Gallivan), Paul Dunmall ou en duo avec le pianiste Howard Riley, le saxophoniste Andy Sheppard, ou encore avec sa femme Julie, avec laquelle il enregistre plusieurs albums (Couple in Spirit). En 2000, il écrit une musique pour un quartet à cordes contemporain, le Kreutzer Strings Quartet (Linuckea. Let The Music Speak).
Toute sa vie (musicale), Keith Tippett a la vision idéaliste que les gens qui écoutent de la musique entrent dans un espace sacré. Il envisage d'atteindre ses objectifs humanistes et musicaux sans tout compromis. Sa classe pianistique, ses compétences artistiques ne sont pas toujours reconnues et la reconnaissance que son travail mérite ne lui est pas toujours témoignée. A cet égard, Keith Tippett n’est certainement pas le seul. En Grande-Bretagne et ailleurs, on ne traite pas toujours les trésors nationaux comme il faut. En tout cas, Keith Tippett en est un...
Quel que soient les projets musicaux dans lesquels il s’investit, Keith Tippett laisse des traces immanquables et remarquées, avec son jeu de piano aussi endiablé que raffiné, fécond et innovant, son swing habité et hypnotique. Par sa mort, la musique du XXe siècle perd l’un de ses plus inspirés serviteurs. Les traces qu’il laisse, en Grande-Bretagne et ailleurs, sont profondes et durables, mes souvenirs de plusieurs concerts que j’ai pu voir – en particulier à Berlin – restent inoubliables : THANK YOU, KEITH TIPPETT !!!
Hery
(Keith Tippett et sa femme Julie : © Frank Schindelbeck)
https://www.youtube.com/watch?v=JW2qdrPBikA
(Keith Tippett solo, live in Italy)
Entre jazz libre et rock progressif
Un grand nom du jazz britannique vient de disparaître. En juin, le compositeur, improvisateur et pianiste anglais Keith Tippett est mort à l’âge de 72 ans. Curieux de tous les styles et tous les genres, infatigable à la quête de nouvelles expériences musicales, il est une figure pionnière de la scène anglaise de jazz libre depuis le début des années 70. Mais il se fait surtout connaître pour avoir fondé le méga-orchestre CENTIPEDE, comprenant une cinquantaine de musiciens, et par sa participation à trois albums du groupe de rock progressif KING CRIMSON. Sa discographie est immense...
Né à Bristol en 1947, Keith Tippett étudie le piano et l’orgue d’église et forme son premier groupe quand il est adolescent. En 1967, il s‘installe à la capitale britannique, la date qui équivaut au début de sa vie musicale professionnelle. Déjà sa première formation, le KEITH TIPPETT GROUP, un sextet comprenant notamment le saxophoniste Elton Dean, le trompettiste Mark Charig et le tromboniste Nick Evans, atteint un certain degré de notorité. Le groupe enregistre deux disques de jazz-rock qui font date, You are here...I am There en 1970, et Dedicated to You, but You weren’t Listening en 1971, auquel participe aussi Robert Wyatt, entre autres. A cette époque également, Keith Tippett collabore à la chanteuse Shelag McDonald et effectue plusieurs sessions de King Crimson où il laisse son imparable touche pianistique : faut écouter p.ex. la pièce Cat Food ou aussi Lizard, really great !)...
En 1970 de même, Keith Tippett fonde un orchestre hors du commun comprenant d’une cinquantaine de musiciens issus des scènes jazz et rock britannique, CENTIPEDE, laissant un double album, Septober Energy, qui reste unique en son genre : une composition déclinée en quatre parties, chacune faisant intervenir les musiciens soit en solo, en duos, en trios, en quartets, en orchestre complet, mélangeant et mariant différents styles – jazz, classique, rock, free music, etc. Peu de temps après, Keith Tippett crée une autre formation, OVARY LODGE, avec le contrebassiste Roy Babington, le batteur Frank Perry et – plus tard – le bassiste sud-africain, Harry Miller. Sa femme, la vocaliste et percussionniste Julie Tippetts (née Driscoll) y participe également : qui ne se souvient pas d‘une voix soul, celle de Julie, accompagnée du groupe Brian Auger & The Trinity ayant eu plusieurs hits à l‘époque : This Wheel‘s on Fire, Road to Cairo, Season of the Witch... Ce quartet s’oriente vers une musique entièrement improvisée, au croisement du free et de la musique contemporaire, préfigurant même l’ambient.
En 1976, Keith Tippett joue en duo avec un autre pianiste britannique, Stan Tracey, et en 1978, il forme sa deuxième grande formation, ARK, un big-band de 22 musiciens, cette fois issu du jazz et des musiques improvisées, se déplaçant musicalement entre Charles Mingus et Sun Ra. Cette grande formation comprend notamment des membres d’OVARY LODGE et du Chris McGregor’s Brotherhood of Breath, n’ayant enregistré, tout comme CENTIPEDE, qu’un seul double album, Frames (Music for an Imaginary Film). Par la suite, le pianiste crée d’autres formations orchestrales qui, même sans avoir dépassé le nombre de participants d’ARK et de CENTIPEDE, témoigne d’une densité et d’un foisonnement musicaux tout aussi impressionnants, comme le KEITH TIPPETT SEPTET, le KEITH TIPPETT TAPESTRY ORCHESTRA, VIVE LA BLACK et le KEITH TIPPETT OCTET. En somme, une carrière musicale qui présente diverses formes musicalement assez contrastées...
A l’opposé de ces grandes formations, le fécond talent pianistique de Keith Tippett s’exprime également sous la stricte forme du solo piano, une démarche qu’il initie à partir des années 80 avec le double album The Unlonely Raindancer et qu’il développe dans les décennies suivantes au sein de sa série de disques solistes Mujician I, II, III (August Air) et IV (Live in Piacenza) et dans d’autres albums comme The Dartington Concert, Friday the 13th et Live in Triest. Ce sont tous des albums qui illustrent toute l’amplitude créative de Keith Tippett sur le piano, rayonnant d’un lyrisme brûlant, d’un souffle vital et d’une inventivité infaillible, souvent le traitant d’un "piano préparé à la John Cage" (le son des cordes étant modifié par des pièces de bois et autres objets). MUJICIAN devient aussi le nom de l’un des groupes les plus éloquents du pianiste, un quartet improvisé d’harmonie intuitive, avec le saxophoniste Paul Dunmall, inspiré de Coltrane, le virtuose de basse, Paul Rogers, et le batteur Tony Levin...
Au cours de sa longue carrière, Keith Tippett multiplie les rencontres musicales sous plusieurs formes, en duos, en trios, etc. etc., et participe, de la même façon, dans différentes formations d‘amis musiciens, dont Elton Dean (Quartet, Quintet, Ninesense), Harry Miller (Isipingo), le violoniste de King Crimson, David Cross (Low Flying Aircraft), le bassiste de Soft Machine, Hugh Hopper (Hopper-Dean-Tippett-Gallivan), Paul Dunmall ou en duo avec le pianiste Howard Riley, le saxophoniste Andy Sheppard, ou encore avec sa femme Julie, avec laquelle il enregistre plusieurs albums (Couple in Spirit). En 2000, il écrit une musique pour un quartet à cordes contemporain, le Kreutzer Strings Quartet (Linuckea. Let The Music Speak).
Toute sa vie (musicale), Keith Tippett a la vision idéaliste que les gens qui écoutent de la musique entrent dans un espace sacré. Il envisage d'atteindre ses objectifs humanistes et musicaux sans tout compromis. Sa classe pianistique, ses compétences artistiques ne sont pas toujours reconnues et la reconnaissance que son travail mérite ne lui est pas toujours témoignée. A cet égard, Keith Tippett n’est certainement pas le seul. En Grande-Bretagne et ailleurs, on ne traite pas toujours les trésors nationaux comme il faut. En tout cas, Keith Tippett en est un...
Quel que soient les projets musicaux dans lesquels il s’investit, Keith Tippett laisse des traces immanquables et remarquées, avec son jeu de piano aussi endiablé que raffiné, fécond et innovant, son swing habité et hypnotique. Par sa mort, la musique du XXe siècle perd l’un de ses plus inspirés serviteurs. Les traces qu’il laisse, en Grande-Bretagne et ailleurs, sont profondes et durables, mes souvenirs de plusieurs concerts que j’ai pu voir – en particulier à Berlin – restent inoubliables : THANK YOU, KEITH TIPPETT !!!
Hery
(Keith Tippett et sa femme Julie : © Frank Schindelbeck)
https://www.youtube.com/watch?v=JW2qdrPBikA
(Keith Tippett solo, live in Italy)
"After more than 30 years of being "disappeared", Grimes made it back into the world, and the jazz world, [...]. Grimes is once again active in music… a remarkable comeback, both musically and emotionally. Too often the jazz life offers more victims than survivors, and Henry Grimes' life is a rare story of the latter." (JazzTimes)
La renaissance d'une légende vivante
Le contrebassiste (et violoniste) Henry Grimes, né à Philadelphie en 1935, est une figure emblématique, un des architectes de la musique afro-américaine d'avant-garde (free-jazz, musique improvisée), un musicien qui a traîné sa contrebasse dans les années 60 avec les plus grands du genre tels que Charles Mingus, Thelonious Monk, Sonny Rollins, Albert Ayler, Don Cherry, Archie Shepp, Pharoah Sanders, McCoy Tyner et Cecil Taylor. Mais un beau jour, il a disparu de la carte sans laisser de trace. On l'a même cru mort. Retrouvé de nombreuses années plus tard, soit en 2002, Grimes reprend sa carrière et collabore depuis avec Marshall Allen, David Murray, Rashied Ali, Wadada Leo Smith, encore Cecil Taylor et surtout avec le guitariste Marc Ribot. Sans doute, sa mystérieuse disparition compte parmi les histoires les plus rocambolesques au jazz ...
"Ressuscité" après la "mort" (les quelques ouvrages encyclopédiques jazz le supposaient mort*) en 2002, grâce à un passionné de jazz, qui l'a retracé et reconnu, on voit à nouveau Henry Grimes réapparaître sur la scène de la musique jazz et contemporaine. En fait, son histoire, triste d'abord, est finalement celle d'un succès continu qui pourrait servir bel et bien à un scénario hollywoodien ... Depuis, Henry Grimes a dû expliquer plein de fois cette disparition exceptionnelle. Selon ses dires, tout se résume à la perte de son insturment endommagé lors de son voyage à voiture vers la Californie. Faute de moyen pour le faire réparer, il s'est résolu à le vendre à Los Angeles. Ainsi privé de sa contrebasse, il survit grâce à des petits boulots et à l'aide sociale. Seules l’écriture et la poésie ont comblé ses temps libres durant les années qui ont suivi, à savoir 35 au total : jusqu'à ce jour où il est reconnu dans la rue ... Une fois le retour pris, tout va très vite : son collègue contrebassiste William Parker lui fait cadeau d'un instrument et l'anime à reprendre son activité musicale, et un an plus tard, en 2003, Henry Grimes retrouve le chemin de la scène. Dans la dernière décennie (2003–2014), lui qui figure sur 90 albums, il donne 500 concerts et participe aux enregistrements d'une dizaine d'albums dont plusieurs sous son propre nom : en 2004, Henry Grimes enregistre la deuxième référence – après son album début The Call (avec le clarinettiste Perry Robinson et le percussionniste Tom Price) des années mi-60 – de sa discographie : Live at the Kerava Jazz Festival, concert donné en Finlande en compagnie du saxophoniste David Murray et du batteur Hamid Drake. Sinon, son retour est marqué par sa rencontre avec le guitariste Marc Ribot et l'album Spiritual Unity (2005) au cadre de son projet Albert Ayler (avec Ribot, Grimes, Chad Taylor/dr et Roy Campbell/tr) ; avec cet album, le quartette rend hommage au disque éponyme de Albert Ayler paru en 1964. Ce guitariste incontournable de la scène new-yorkaise, compositeur et improvisateur recherché par les stars du pop, du rock et du jazz à la fois (Tom Waits, Elvis Costello, Lounge Lizards, Jazz Passengers, Don Byron, John Zorn), aurait-il pu choisir pour ce projet un contrebassiste plus authentique et plus chevronné dans la musique d'Albert Ayler que Henry Grimes, son partenaire dans le passé ? Réduit du défunt trompettiste, le trio Ribot-Grimes-Taylor donne un set live au mythique Village Vanguard en 2013 pour faire revivre l'esprit des grands maîtres, des plus grands maîtres du jazz moderne avec des thèmes légendaires et des improvisations endiablées, une sorte d'hommage au Coltrane dernière époque, et avant tout au saxophoniste free Albert Ayler ; ce grandiose album intitulé Live at the Village Vanguard sort en été 2014.
Son double album Solo (2009), enregistré en solo absolu sans toutes restrictions de durée ni de quoi que ce soit mettant obstacle à sa liberté créative est un tour de force sans pareil sur la contrebasse et le violon, deux improvisations de plus de 150 minutes qui témoignent sa maîtrise instrumentale, son puissant jeu, ses énormes rythmes, son jeu à l'archet et pincé avec grande clarté et imagination. Ce musicien qui fait corps avec son instrument est une source des idées musicales sans limites. Incroyable ! Yes, il y a beaucoup de musique à digérer sur cet album, et Grimes est un véritable modèle de l'auto-réalisation à travers la musique. Cette œuvre l'expédie sans façons dans le panthéon des vrais et rares improvisateurs, au même rang que son ex-bandleader, le pianiste Cecil Taylor. Le boucle est bouclé ...
Aujourd'hui âgé de 79, Henry Grimes vit encore à New York City. Comme dans les années 60, ce contrebassiste d'avant-garde est à nouveau désiré partout, "pour l'éblouissante singularité de sa musique" (Le Monde). Henry Grimes n'est pas mort mais bel et bien en vie ... et en grande forme !!!
Site web : henrygrimes.com
Discographie (extrait) :
— côté historique ...
Henry Grimes Trio (1965). The Call. ESP Thelonious Monk (1958). Newport Jazz Festival. FDC Charles Mingus (1962/1993). In Concert. Jazzman Albert Ayler (1965). Spirits Rejoice. ESP Albert Ayler (1965). Swing Low Sweet Spiritual. Osmosis Albert Ayler (1966). Spirits. ESP Albert Ayler (1967). Live in Greenwich Village. The Complete Impulse Recordings. Impulse! Gil Evans Orchestra / Cecil Taylor (1961). Into the Hot. Impulse! Sonny Rollins (1963). Sonny meets Hawk! RCA Victor McCoy Tyner (1963). Reaching Forth. Impulse! Pharoah Sanders (1966). Tauhid. Impulse! Archie Shepp (1966). On this Night. Impulse! Archie Shepp (1966). Further Fire Music. Impulse! Cecil Taylor (1966). Unit Structures. Blue Note Cecil Taylor (1966). Conquistador! Blue Note Don Cherry (1969). Where is Brooklyn? Blue Note
— côté actuel ...
Henry Grimes / David Murray / Hamid Drake (2005). Live at the Kerava Jazz Festival. Ayler Records Marc Ribot Quartett (2005). Spiritual Unity. Pi Recordings Henry Grimes / Rashied Ali (2008). Going to the Ritual. Porter Records Henry Grimes (2009). Solo. ILK Music Fred Anderson (2009). 21st Century Chase. Delmark Marc Ribot Trio (2014). Live at the Village Vanguard. Pi Recordings
* p.ex. dans Carles/Clergeat/Comolli (1994). Dictionnaire du Jazz. (coll. Bouquins). Ed. Robert Laffont, Paris
Hery
La renaissance d'une légende vivante
Le contrebassiste (et violoniste) Henry Grimes, né à Philadelphie en 1935, est une figure emblématique, un des architectes de la musique afro-américaine d'avant-garde (free-jazz, musique improvisée), un musicien qui a traîné sa contrebasse dans les années 60 avec les plus grands du genre tels que Charles Mingus, Thelonious Monk, Sonny Rollins, Albert Ayler, Don Cherry, Archie Shepp, Pharoah Sanders, McCoy Tyner et Cecil Taylor. Mais un beau jour, il a disparu de la carte sans laisser de trace. On l'a même cru mort. Retrouvé de nombreuses années plus tard, soit en 2002, Grimes reprend sa carrière et collabore depuis avec Marshall Allen, David Murray, Rashied Ali, Wadada Leo Smith, encore Cecil Taylor et surtout avec le guitariste Marc Ribot. Sans doute, sa mystérieuse disparition compte parmi les histoires les plus rocambolesques au jazz ...
"Ressuscité" après la "mort" (les quelques ouvrages encyclopédiques jazz le supposaient mort*) en 2002, grâce à un passionné de jazz, qui l'a retracé et reconnu, on voit à nouveau Henry Grimes réapparaître sur la scène de la musique jazz et contemporaine. En fait, son histoire, triste d'abord, est finalement celle d'un succès continu qui pourrait servir bel et bien à un scénario hollywoodien ... Depuis, Henry Grimes a dû expliquer plein de fois cette disparition exceptionnelle. Selon ses dires, tout se résume à la perte de son insturment endommagé lors de son voyage à voiture vers la Californie. Faute de moyen pour le faire réparer, il s'est résolu à le vendre à Los Angeles. Ainsi privé de sa contrebasse, il survit grâce à des petits boulots et à l'aide sociale. Seules l’écriture et la poésie ont comblé ses temps libres durant les années qui ont suivi, à savoir 35 au total : jusqu'à ce jour où il est reconnu dans la rue ... Une fois le retour pris, tout va très vite : son collègue contrebassiste William Parker lui fait cadeau d'un instrument et l'anime à reprendre son activité musicale, et un an plus tard, en 2003, Henry Grimes retrouve le chemin de la scène. Dans la dernière décennie (2003–2014), lui qui figure sur 90 albums, il donne 500 concerts et participe aux enregistrements d'une dizaine d'albums dont plusieurs sous son propre nom : en 2004, Henry Grimes enregistre la deuxième référence – après son album début The Call (avec le clarinettiste Perry Robinson et le percussionniste Tom Price) des années mi-60 – de sa discographie : Live at the Kerava Jazz Festival, concert donné en Finlande en compagnie du saxophoniste David Murray et du batteur Hamid Drake. Sinon, son retour est marqué par sa rencontre avec le guitariste Marc Ribot et l'album Spiritual Unity (2005) au cadre de son projet Albert Ayler (avec Ribot, Grimes, Chad Taylor/dr et Roy Campbell/tr) ; avec cet album, le quartette rend hommage au disque éponyme de Albert Ayler paru en 1964. Ce guitariste incontournable de la scène new-yorkaise, compositeur et improvisateur recherché par les stars du pop, du rock et du jazz à la fois (Tom Waits, Elvis Costello, Lounge Lizards, Jazz Passengers, Don Byron, John Zorn), aurait-il pu choisir pour ce projet un contrebassiste plus authentique et plus chevronné dans la musique d'Albert Ayler que Henry Grimes, son partenaire dans le passé ? Réduit du défunt trompettiste, le trio Ribot-Grimes-Taylor donne un set live au mythique Village Vanguard en 2013 pour faire revivre l'esprit des grands maîtres, des plus grands maîtres du jazz moderne avec des thèmes légendaires et des improvisations endiablées, une sorte d'hommage au Coltrane dernière époque, et avant tout au saxophoniste free Albert Ayler ; ce grandiose album intitulé Live at the Village Vanguard sort en été 2014.
Son double album Solo (2009), enregistré en solo absolu sans toutes restrictions de durée ni de quoi que ce soit mettant obstacle à sa liberté créative est un tour de force sans pareil sur la contrebasse et le violon, deux improvisations de plus de 150 minutes qui témoignent sa maîtrise instrumentale, son puissant jeu, ses énormes rythmes, son jeu à l'archet et pincé avec grande clarté et imagination. Ce musicien qui fait corps avec son instrument est une source des idées musicales sans limites. Incroyable ! Yes, il y a beaucoup de musique à digérer sur cet album, et Grimes est un véritable modèle de l'auto-réalisation à travers la musique. Cette œuvre l'expédie sans façons dans le panthéon des vrais et rares improvisateurs, au même rang que son ex-bandleader, le pianiste Cecil Taylor. Le boucle est bouclé ...
Aujourd'hui âgé de 79, Henry Grimes vit encore à New York City. Comme dans les années 60, ce contrebassiste d'avant-garde est à nouveau désiré partout, "pour l'éblouissante singularité de sa musique" (Le Monde). Henry Grimes n'est pas mort mais bel et bien en vie ... et en grande forme !!!
Site web : henrygrimes.com
Discographie (extrait) :
— côté historique ...
Henry Grimes Trio (1965). The Call. ESP Thelonious Monk (1958). Newport Jazz Festival. FDC Charles Mingus (1962/1993). In Concert. Jazzman Albert Ayler (1965). Spirits Rejoice. ESP Albert Ayler (1965). Swing Low Sweet Spiritual. Osmosis Albert Ayler (1966). Spirits. ESP Albert Ayler (1967). Live in Greenwich Village. The Complete Impulse Recordings. Impulse! Gil Evans Orchestra / Cecil Taylor (1961). Into the Hot. Impulse! Sonny Rollins (1963). Sonny meets Hawk! RCA Victor McCoy Tyner (1963). Reaching Forth. Impulse! Pharoah Sanders (1966). Tauhid. Impulse! Archie Shepp (1966). On this Night. Impulse! Archie Shepp (1966). Further Fire Music. Impulse! Cecil Taylor (1966). Unit Structures. Blue Note Cecil Taylor (1966). Conquistador! Blue Note Don Cherry (1969). Where is Brooklyn? Blue Note
— côté actuel ...
Henry Grimes / David Murray / Hamid Drake (2005). Live at the Kerava Jazz Festival. Ayler Records Marc Ribot Quartett (2005). Spiritual Unity. Pi Recordings Henry Grimes / Rashied Ali (2008). Going to the Ritual. Porter Records Henry Grimes (2009). Solo. ILK Music Fred Anderson (2009). 21st Century Chase. Delmark Marc Ribot Trio (2014). Live at the Village Vanguard. Pi Recordings
* p.ex. dans Carles/Clergeat/Comolli (1994). Dictionnaire du Jazz. (coll. Bouquins). Ed. Robert Laffont, Paris
Hery
Bonjour.
Un beau mélange de guitare flamenca et de sitar indien , tablas y cajon pour la rythmique
Bonne écoute
http://www.youtube.com/watch?v=zCdN3rEFcj8
Je viens d'apprendre que James Brown est décédé ce jour, une très grande figure et le Roi de la musique soul, j'ai eu la chance de voir plusieurs de ces concerts de cet grand homme de la musique soul .
Le chanteur James Brown n'est plus. Le roi de la soul s'est éteint à Atlanta à l'âge de 73 ans 
25.12.2006 09:16 James Brown, le "Parrain de la soul", est mort, a annoncé son agent lundi. Il avait 73 ans. Il avait été hospitalisé dimanche pour une pneumonie à l'hôpital à Atlanta et espérait être remis sur pieds le week-end prochain pour se produire sur scène. L'interprète de "Sex Machine" avait déjà dû annuler 2 concerts cette semaine. (SWISS TXT)
25.12.2006 09:16 James Brown, le "Parrain de la soul", est mort, a annoncé son agent lundi. Il avait 73 ans. Il avait été hospitalisé dimanche pour une pneumonie à l'hôpital à Atlanta et espérait être remis sur pieds le week-end prochain pour se produire sur scène. L'interprète de "Sex Machine" avait déjà dû annuler 2 concerts cette semaine. (SWISS TXT)bonjour à tous! voila, j'aime particulierement le style de robert plant, la façon qu'il a de "mixer" les différentes influences dans sa musique, notament sur le titre kashmir en live, c'est énorme! et le coté oriental me plait énormement!
j'aimerai ainsi savoir si quelqu'un connait des artistes avec ce style de musique (oriental) avec ou non des titres purement instrumentaux...
voila voila... à bientot ;o) et merci!
/nico/
j'aimerai ainsi savoir si quelqu'un connait des artistes avec ce style de musique (oriental) avec ou non des titres purement instrumentaux...
voila voila... à bientot ;o) et merci!
/nico/
Bonjour,
Je viens de recevoir mon visa Laos : sa validité est du 27/07/2006 au 26/10/2006. je resterai au Laos (après prolongation du visa sur place) du 16/09/2006 au 31/10/2006, soit 5 jours après la fin de validité du visa.
Est-ce un problème ?
Merci !
Je viens de recevoir mon visa Laos : sa validité est du 27/07/2006 au 26/10/2006. je resterai au Laos (après prolongation du visa sur place) du 16/09/2006 au 31/10/2006, soit 5 jours après la fin de validité du visa.
Est-ce un problème ?
Merci !
namaste. pour moi le must de la musique indienne c'est trilok gurtu😎 good trip a tous
Bonjour,
J'ai lu dans un post que le routard avait un jour sorti un cd de musiques de voyageurs (avec notamment "On the road again") ...
Quelles seraient vos morceaux si vous deviez vous faire un cd de 10 chansons "symboliques" ?
J'ai lu dans un post que le routard avait un jour sorti un cd de musiques de voyageurs (avec notamment "On the road again") ...
Quelles seraient vos morceaux si vous deviez vous faire un cd de 10 chansons "symboliques" ?
Bonjour
Je viens à vous avec une question bien spécifique. Nous partons avec mon ami et son saxophone soprano courbe en Thailande. L'étui qu'il possède actuellement pour transporter son instrument est plutôt encombrant et peu pratique. On se demande si on pourra trouver (ou mieux faire faire) un étui de voyage pour cet instrument spécifique à Bangkok (ça je n'en doute pas) et surtout où (et éventuellement à quel prix :) ) ?
Si un forumeur musicien a une idée, cela nous serait d'une grande aide
Merci
Géraldine
