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Coltrane «à la française»: la chanteuse Camille Bertault (France)
« Virtuose, ludique et attachant » (Le Figaro, 2018)
Une carrière à « pas de géant »
Ex-étudiante en piano classique convertie au jazz (vocal), la chanteuse Camille Bertault s’est fait connaître sur Facebook en reprenant à la voix quelques solos fameux et particulièrement difficiles des plus grands instrumentistes du jazz dont un solo ultrarapide de John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps » (pas de géant en français), l'un des morceaux et albums légendaires du jazz moderne... L’aisance sidérante de cette jeune Française (31) dans cet exercice est renversante : dès lors qu’elle en a posté des vidéos sur le web, 700.000 vues en quatre jours attirent la maison de disque Sony Music qui la signe pour deux albums magnifiques : « En Vie », premier opus (2016) et « Pas de Géant », le dernier sorti début 2018. Son chant scat hors norme swingue entre le français et une petite touche d’anglais et portugais, porté par une voix sensuelle et joyeuse qui alterne entre les styles avec grande virtuosité. Une intonation parfaite, un timing captivant, un timbre clair, une précision incroyable et des hauteurs du son impressionnantes – elle incorpore tout ça. Un véritable phénomène...
Tout commence par une vidéo amateur postée sur le net : la jeune chanteuse française Camille Bertault se filme en chantant note pour note le solo du John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps ». Elle multiple alors – du même tonneau, toutes ébouriffantes les unes que les autres – les réinterprétations et improvisations de quelques poids lourds du jazz contemporain dont Bill Evans, Wayne Shorter, Sonny Rollins, Herbie Hancock, Roy Hargrove et Hermeto Pascoal. Bingo ! En quelques semaines, cette Française remuante s’est fait un nom et sa carrière est lancée…
A quatre ans, Camille s’initie au piano grâce à son père, pianiste amateur de jazz, qui lui met dans les oreilles Bill Evans et Keith Jarrett, et lui apprend Ravel, Chopin et Scriabine, les quelques préludes de Bach et Debussy. A l’âge de huit, elle se rend au conservatoire. Camille Bertault fait aussi de la danse, du théâtre : au bout de vingt ans, fatiguée de la structure stricte et rigide du conservatoire, elle abandonne le piano pour le chant. Après une incursion dans le milieu du théâtre, elle reconnaît enfin que c’est le rapport texte/musique qui la passionne vraiment. Puis, imprégnée des chansons de Ferré, Brassens et Gainsbourg, elle commence à écrire ses propres chansons et intègre le Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris (CRR) en section jazz, en tant que chanteuse. Elle y reçoit une solide formation en composition, harmonie et chant jazz, bref, elle travaille l’improvisation, peaufine sa technique et prend confiance grâce à la chanteuse Sara Lazarus, « ma seule et unique prof de chant jazz en fin de compte ».
En parallèle, elle crée le duo guitare-voix-clavier-pédale looper, TIPA (aux textes français bien acides et au rythme qui groove, théâtral et culotté), qui obtient une bourse de la mairie de Paris, fait plusieurs tournées au Japon et au Brésil, et enregistre l’album « 100% coton ».
« J’ai toujours chanté, un peu avec mon père, mais toujours de manière assez festive », raconte Camille. Entre-temps, le chant et l’improvisation font partie de sa vie. Dans la rue, dans les transports, Camille Bertault chante, écoute des solos et tente de les reproduire, comme un défi : « Pendant une semaine je me mets le casque sur les oreilles et je chante. Les gens me regardent un peu bizarrement parfois c’est vrai », s’amuse-t-elle.
Peu après, un premier album s’enclenche, « En Vie », qui sort au printemps 2016 et qui met en œuvre les intentions musicales de Camille Bertault, à savoir, de ne pas produire un album où la voix n’est qu’un matériau mais où les textes sont aussi suffisamment étroits (« Je suis très attentive aux textes, j'aime le rôle de conteur qui incombe aux chanteurs, cela me vient du théâtre et du cabaret »). Publié par le label Sunnyside, cet album début enregistré avec un trio composé du pianiste Olivier Hutman, du contrebassiste Gildas Boclé et du batteur Antoine Paganotti, est une collection de six de ses propres compositions et quatre morceaux appartenant au répertoire du jazz (entre autres l’illustre « Prelude to a Kiss » de Duke Ellington), auxquels Camille Bertault donne des paroles à elle, joviales, plaisantines, songeuses, teintées de mélancolie et d’ironie, toujours en français. Le bilan est « frais, c’est vif, c’est habile et léger, c’est beau et mélodieux, ça pétille ; c’est admirablement soutenu par le trio du pianiste Olivier Hutman » (bananierbleu.fr). Tous les arrangements et compositions accordent amplement de place aux instrumentistes en confortant cet esprit de finesse et de légèreté. Bref, un disque passionnant, plein de charme, de joie et de sensibilité…
Après le superbe album début qui donne envie d’écouter plus encore Camille Bertault, elle revient avec son second album « Pas de Géant », fort de seize titres, en ce début d’année. Dans la continuité de son premier opus, la chanteuse nous propose encore un album très personnel. On redécouvre des réinterprétations de classiques comme un pot-pourri magistral de Ravel (seize mélodies en quatre minutes) et la première des trente « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach ainsi que des classiques de la chanson française comme « Je me suis fait tout petit » de Georges Brassens et « Comme te dire adieu » de Serge Gainsbourg. L’album se clôture avec une reprise déjantée de « Conne » écrite par Brigitte Fontaine. Et, c’est évident, il ne faut pas non plus manquer le jazz : elle reprend alors des standards comme « Very Early » de Bill Evans ou « House of Jade » de Wayne Shorter mais aussi « Giant Steps », l’historique standard de John Coltrane (1959), devenu sous ses mains une chanson, un vocalese sous le titre « Là où tu vas » ayant repris note à note le jeu de saxophone, dans la version qui l’a rendue populaire sur internet :
« Pas de géant tu As fait quand tu a compris Que tu n'es pas là pour être ce Que le monde veut Pas de géant tu As fait quand ce que tu donnes Vient d'ici, pas d'ailleurs Ni d'là-bas Et qu'tu sais là où tu vas »
Pour proposer un album vraiment personnel, Camille Bertault ne se contente uniquement de reprises. Sept propres compositions complètent cet album, dont une chantée en anglais, où les rêves, la mélancolie, l’intimité et la poésie sont au programme. C’est donc un bel album original que nous offre Camille Bertault, chaque pièce une porte ouverte sur la personnalité de cette chanteuse. Sur l’album, Camille Bertault (voix, compositions, textes, arrangements) est accompagnée par Michael Leonhart (arrangements, direction, trompette, bugle, claviers, percussion), Dan Tepfer (piano), Christophe 'Disco' Minck (contrebasse, guitare basse, harpe, synthétiseur), Joe Sanders (contrebasse), Jeff Ballard (batterie), Stéphane Guillaume (saxophones, flûte, clarinette basse), Daniel Mille (accordéon), Mathias Mahler (trombone), et François Salque (violoncelle).
Avec « Pas de Géant », Camille Bertault prouve qu'elle sait unir et combiner tous ses talents divers: sa formation classique de piano, sa passion pour le théâtre et le cabaret, celle pour le jazz et surtout son ingéniosité illimitée et sa liberté. Elle est une vraie artiste qui vit sa vie sur scène, qui ressent cette énergie virtuose, qui la fait carrément briller en chantant. Elle ne fait pas non seulement de la musique, elle est de la musique pure et dure. Si elle hurle, chuchote ou scatte, dans tous les registres qu’elle survole à une vitesse folle: sa voix est toujours au centre. De plus, Bertault est une brilliante conteuse qui sait mettre en musique le grand patrimoine des chansonniers français, ainsi que les « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach. Sur cet album, Camille Bertault ne cache rien. Parfois nostalgique, parfois mélancolique, parfois farceuse, parfois déjantée, elle montre, en toute liberté, ses différentes facettes. Une personnalité musicale impressionnante – un album impressionnant...
Disques :
Camille Bertault 2016. En Vie. Sunnyside. Camille Bertault 2018. Pas de Géant. Okeh (Sony Music).
Vidéos :
Camille Bertault 'chante' le grand John Coltrane :
https://www.youtube.com/watch?v=OkQRt82jKfU
Camille Bertault 'chante' Hermeto Pascoal :
https://www.youtube.com/watch?v=gJ76xbFWY90
Camille Bertault 'chante' « Course » :
https://www.youtube.com/watch?v=Hw43Z61N86w
Camille Bertault 'chante' « En Vie » (live, avec le trio du pianiste Olivier Hutman) :
https://www.youtube.com/watch?v=oFb0s_WdbyY
Amusez-vous bien !
Hery
Une carrière à « pas de géant »
Ex-étudiante en piano classique convertie au jazz (vocal), la chanteuse Camille Bertault s’est fait connaître sur Facebook en reprenant à la voix quelques solos fameux et particulièrement difficiles des plus grands instrumentistes du jazz dont un solo ultrarapide de John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps » (pas de géant en français), l'un des morceaux et albums légendaires du jazz moderne... L’aisance sidérante de cette jeune Française (31) dans cet exercice est renversante : dès lors qu’elle en a posté des vidéos sur le web, 700.000 vues en quatre jours attirent la maison de disque Sony Music qui la signe pour deux albums magnifiques : « En Vie », premier opus (2016) et « Pas de Géant », le dernier sorti début 2018. Son chant scat hors norme swingue entre le français et une petite touche d’anglais et portugais, porté par une voix sensuelle et joyeuse qui alterne entre les styles avec grande virtuosité. Une intonation parfaite, un timing captivant, un timbre clair, une précision incroyable et des hauteurs du son impressionnantes – elle incorpore tout ça. Un véritable phénomène...
Tout commence par une vidéo amateur postée sur le net : la jeune chanteuse française Camille Bertault se filme en chantant note pour note le solo du John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps ». Elle multiple alors – du même tonneau, toutes ébouriffantes les unes que les autres – les réinterprétations et improvisations de quelques poids lourds du jazz contemporain dont Bill Evans, Wayne Shorter, Sonny Rollins, Herbie Hancock, Roy Hargrove et Hermeto Pascoal. Bingo ! En quelques semaines, cette Française remuante s’est fait un nom et sa carrière est lancée…
A quatre ans, Camille s’initie au piano grâce à son père, pianiste amateur de jazz, qui lui met dans les oreilles Bill Evans et Keith Jarrett, et lui apprend Ravel, Chopin et Scriabine, les quelques préludes de Bach et Debussy. A l’âge de huit, elle se rend au conservatoire. Camille Bertault fait aussi de la danse, du théâtre : au bout de vingt ans, fatiguée de la structure stricte et rigide du conservatoire, elle abandonne le piano pour le chant. Après une incursion dans le milieu du théâtre, elle reconnaît enfin que c’est le rapport texte/musique qui la passionne vraiment. Puis, imprégnée des chansons de Ferré, Brassens et Gainsbourg, elle commence à écrire ses propres chansons et intègre le Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris (CRR) en section jazz, en tant que chanteuse. Elle y reçoit une solide formation en composition, harmonie et chant jazz, bref, elle travaille l’improvisation, peaufine sa technique et prend confiance grâce à la chanteuse Sara Lazarus, « ma seule et unique prof de chant jazz en fin de compte ».
En parallèle, elle crée le duo guitare-voix-clavier-pédale looper, TIPA (aux textes français bien acides et au rythme qui groove, théâtral et culotté), qui obtient une bourse de la mairie de Paris, fait plusieurs tournées au Japon et au Brésil, et enregistre l’album « 100% coton ».
« J’ai toujours chanté, un peu avec mon père, mais toujours de manière assez festive », raconte Camille. Entre-temps, le chant et l’improvisation font partie de sa vie. Dans la rue, dans les transports, Camille Bertault chante, écoute des solos et tente de les reproduire, comme un défi : « Pendant une semaine je me mets le casque sur les oreilles et je chante. Les gens me regardent un peu bizarrement parfois c’est vrai », s’amuse-t-elle.
Peu après, un premier album s’enclenche, « En Vie », qui sort au printemps 2016 et qui met en œuvre les intentions musicales de Camille Bertault, à savoir, de ne pas produire un album où la voix n’est qu’un matériau mais où les textes sont aussi suffisamment étroits (« Je suis très attentive aux textes, j'aime le rôle de conteur qui incombe aux chanteurs, cela me vient du théâtre et du cabaret »). Publié par le label Sunnyside, cet album début enregistré avec un trio composé du pianiste Olivier Hutman, du contrebassiste Gildas Boclé et du batteur Antoine Paganotti, est une collection de six de ses propres compositions et quatre morceaux appartenant au répertoire du jazz (entre autres l’illustre « Prelude to a Kiss » de Duke Ellington), auxquels Camille Bertault donne des paroles à elle, joviales, plaisantines, songeuses, teintées de mélancolie et d’ironie, toujours en français. Le bilan est « frais, c’est vif, c’est habile et léger, c’est beau et mélodieux, ça pétille ; c’est admirablement soutenu par le trio du pianiste Olivier Hutman » (bananierbleu.fr). Tous les arrangements et compositions accordent amplement de place aux instrumentistes en confortant cet esprit de finesse et de légèreté. Bref, un disque passionnant, plein de charme, de joie et de sensibilité…
Après le superbe album début qui donne envie d’écouter plus encore Camille Bertault, elle revient avec son second album « Pas de Géant », fort de seize titres, en ce début d’année. Dans la continuité de son premier opus, la chanteuse nous propose encore un album très personnel. On redécouvre des réinterprétations de classiques comme un pot-pourri magistral de Ravel (seize mélodies en quatre minutes) et la première des trente « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach ainsi que des classiques de la chanson française comme « Je me suis fait tout petit » de Georges Brassens et « Comme te dire adieu » de Serge Gainsbourg. L’album se clôture avec une reprise déjantée de « Conne » écrite par Brigitte Fontaine. Et, c’est évident, il ne faut pas non plus manquer le jazz : elle reprend alors des standards comme « Very Early » de Bill Evans ou « House of Jade » de Wayne Shorter mais aussi « Giant Steps », l’historique standard de John Coltrane (1959), devenu sous ses mains une chanson, un vocalese sous le titre « Là où tu vas » ayant repris note à note le jeu de saxophone, dans la version qui l’a rendue populaire sur internet :
« Pas de géant tu As fait quand tu a compris Que tu n'es pas là pour être ce Que le monde veut Pas de géant tu As fait quand ce que tu donnes Vient d'ici, pas d'ailleurs Ni d'là-bas Et qu'tu sais là où tu vas »
Pour proposer un album vraiment personnel, Camille Bertault ne se contente uniquement de reprises. Sept propres compositions complètent cet album, dont une chantée en anglais, où les rêves, la mélancolie, l’intimité et la poésie sont au programme. C’est donc un bel album original que nous offre Camille Bertault, chaque pièce une porte ouverte sur la personnalité de cette chanteuse. Sur l’album, Camille Bertault (voix, compositions, textes, arrangements) est accompagnée par Michael Leonhart (arrangements, direction, trompette, bugle, claviers, percussion), Dan Tepfer (piano), Christophe 'Disco' Minck (contrebasse, guitare basse, harpe, synthétiseur), Joe Sanders (contrebasse), Jeff Ballard (batterie), Stéphane Guillaume (saxophones, flûte, clarinette basse), Daniel Mille (accordéon), Mathias Mahler (trombone), et François Salque (violoncelle).
Avec « Pas de Géant », Camille Bertault prouve qu'elle sait unir et combiner tous ses talents divers: sa formation classique de piano, sa passion pour le théâtre et le cabaret, celle pour le jazz et surtout son ingéniosité illimitée et sa liberté. Elle est une vraie artiste qui vit sa vie sur scène, qui ressent cette énergie virtuose, qui la fait carrément briller en chantant. Elle ne fait pas non seulement de la musique, elle est de la musique pure et dure. Si elle hurle, chuchote ou scatte, dans tous les registres qu’elle survole à une vitesse folle: sa voix est toujours au centre. De plus, Bertault est une brilliante conteuse qui sait mettre en musique le grand patrimoine des chansonniers français, ainsi que les « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach. Sur cet album, Camille Bertault ne cache rien. Parfois nostalgique, parfois mélancolique, parfois farceuse, parfois déjantée, elle montre, en toute liberté, ses différentes facettes. Une personnalité musicale impressionnante – un album impressionnant...
Disques :
Camille Bertault 2016. En Vie. Sunnyside. Camille Bertault 2018. Pas de Géant. Okeh (Sony Music).
Vidéos :
Camille Bertault 'chante' le grand John Coltrane :
https://www.youtube.com/watch?v=OkQRt82jKfU
Camille Bertault 'chante' Hermeto Pascoal :
https://www.youtube.com/watch?v=gJ76xbFWY90
Camille Bertault 'chante' « Course » :
https://www.youtube.com/watch?v=Hw43Z61N86w
Camille Bertault 'chante' « En Vie » (live, avec le trio du pianiste Olivier Hutman) :
https://www.youtube.com/watch?v=oFb0s_WdbyY
Amusez-vous bien !
Hery
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Communauté rasta au Sénégal
Je souhaite aller au sénégal ou au bénin prochainement, et j'aimerai savoir s'il y a des communautés de rasta .. pouvez-vous m'aider?
merci de vos réponses
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Apprendre la danse (théâtre, musique) indienne en Inde: le quoi, le où, le comment et le combien
De nombreuses personnes semblent être à la recherche de cours de danse indienne en Inde sur voyage forum et il y a peu d’information disponible alors je me suis dis que j’allais essayer de vous en dire un maximum sur le sujet, basé sur mon expérience personnelle.
Si d'autres danseuses passent par mon post, n'hésitez pas à compléter et partager votre expérience!
Je ne veux pas faire de pub pour qui que se soit alors j'ai évité de citer des noms particuliers.
Le maître mot sur le sujet selon moi est que tout est possible en Inde, même si le coût de vie et les habitudes quotidiennes des gens changent, vous pouvez trouver toutes sortes de cours (privés ou en groupe) avec tous types de professeurs (réputés ou pas) et à tous les coûts (de 3 euros de l'heure en cours privé et au delà) à partir du moment ou vous êtes motivés à faire des recherches et parlez de vos désirs d'apprendre la danse aux gens qui vous entourent en Inde. J'ai trouvé mes 3 premiers stages de danse en Inde à travers mon entourage proche (hôtel, restaurant, épicerie, spectacle). Mais avant de tout commencer, vous devez vous posez les questions suivantes : Quoi (Quel type de danse)? Où (dans quelle ville) ? Comment (qualité de la formation) et Combien (à quel prix)?Le Quoi et le Où. Je divise les danses Indiennes en 3 grandes catégories : les danses indiennes folkloriques, les danses indiennes classiques et la danse Bollywood.
1) Les danses Indiennes Folkloriques : L'Inde est riche d'innombrables formes de danse folkloriques (probablement des centaines). Chaque région de l'Inde a une culture dansée qui lui est propre, la plupart des danses folkloriques naissent et se pratiquent seulement dans certaines villes. Certaines sont plus connues que d'autres et s'exportent de plus en plus comme c'est le cas de la danse Kalbelia en France et du Banghra en Angleterre. La danse Kalbelia vient du Rajasthan. Ce lieu est donc le mieux approprié pour partir à la recherche de quelqu'un qui peut vous l'enseigner. Il faut aussi savoir qu'il y a de nombreux styles différents au sein même d'1 style particulier de danse folklorique. Pour la danse Kalbelia par exemple, certaines danseuses sont plus connues que d'autres au Rajasthan et en France mais il y a aussi de nombreux/ses autres artistes toutes aussi talentueux/es, qui vont tous avoir un style qui leur est propre. Lors de ma visite à Jodhpur, j'ai eu l'immense chance de pouvoir rencontrer et danser dans une famille qui pratique la danse Kalbelia depuis des générations. Souvent, ce sont des familles de danseurs qui apprennent et développent leur style de générations en générations et ils portent le nom de famille qui correspond à l'activité de leur caste. Les gens font donc appel à ses familles là pour faire des spectacles. Ces familles sont donc connues par de nombreuses personnes et sont, je pense (mais peut-être que la chance m'a aidé à les trouver) facilement approchables. La vie de ses artistes est parfois très dure et vous n'allez pas forcément comprendre ce que vous voyez autour de vous si vous vous lancez dans ce monde là. Je ne peux malheureusement rien vous dire de plus à ce sujet car j'étais venu en Inde dans le but d'apprendre le Kathak, et c'est maintenant ce que je suis en train de faire.
Alors que les danses folkloriques commencent à être malmenés par les effets de la vie moderne, les danses classiques indiennes elles, sont LOIN de disparaitre tant elles sont institutionnalisées et codifiées :
2) Les danses Indiennes classiques :
Voici un tableau des 9 danses classiques de l'Inde et de leur état d’origine selon la Sangeet Natak Academie.
Dance form State(s) of origin Bharatanatyam ->>Tamil Nadu Kathak ->>Uttar Pradesh Odissi ->>Orissa Kathakali ->>Kerala Mohiniyattam ->>Kerala Kuchipudi ->>Andhra Pradesh Manipuri ->>Manipur Gaudiya Nritya ->>West Bengal Sattriya ->>Assam
Si vous voulez vous lancer dans l'apprentissage d'une de ces danses, c'est comme si vous vouliez apprendre le Ballet en France. Vous pouvez très bien choisir d'aller en Inde et suivre seulement quelques heures de cours de la danse classique que vous avez choisi de découvrir. Cependant, si votre but est de maitriser ce style, cela vous prendra de nombreuses années de travail. La différence majeure ici avec notre danse classique nationale est que les danses classiques indiennes ne se limitent pas à l'apprentissage de la danse. Le solfège et le théâtre vont faire partie intégrale de votre apprentissage, ainsi que la musique, le chant et le yoga dans certaines écoles. La musique, le théâtre, le chant et la danse sont intimement liés en Inde. Les grandes écoles de danse classique du pays proposent des programmes complets d'apprentissage avec un diplôme à la clé. Même chose que pour les danses folkloriques ici, il y de nombreux sous-groupe de style différent dans chaque forme de danse. Chaque grande ville de l'Inde (Mumbai, Delhi, Kolkatta..) offre la possibilité d'apprendre la plupart de ces 9 danses classiques, mais vous trouverez beaucoup plus de professeurs particuliers et écoles dans la région d'origine du style que vous voulez apprendre. A savoir aussi que certaines écoles sont plus réputées que d'autre. Les meilleures écoles de Kathak par exemple sont pour la plupart à Delhi. Si vous voulez vous lancer dans l'aventure (danseuse professionnelle ou pas), il va falloir choisir votre mode d'apprentissage : école ou cours privés? Les cours dans les écoles sont enseignées à année longue ce qui signifie que vous devrez habiter en Inde pendant la durée de vos études. Certaines écoles ont la capacité d'héberger leur étudiants. D'autres n'acceptent que les étudiants qui reçoivent une bourse du gouvernement indien qui va financer leurs études, comme c'est le cas de l'école Kathak Kendra à Delhi il me semble. Cette école n'accepte que les étudiants qui ont une bonne base de Kathak. Chaque école a un mode particulier de fonctionner. Il est important de bien faire attention à ce que vous choisissez ici car certaines écoles se sont transformées en véritables institutions financières et se sont éloignées de leur message d'origine. De nombreux danseurs étrangers viennent en Inde pour apprendre la danse (surtout le Baratanatyam et l'Odissi) et les locaux savent que les étrangers ont un pouvoir financier bien supérieur au leur. Quand à moi j'ai choisi les cours privés, même si plus onéreux, car plus flexibles et plus efficaces dans le temps. Je me rends à Delhi 4 mois par an pour apprendre le Kathak. Si vous vous donnez les moyens (je dois chaque année économiser pour l'année suivante) et que vous êtes motivés, les cours pivés sont selon moi la meilleure solution, peut importe le style choisi.
3) La danse Bollywood : C'est le style de danse des films Indiens Bollywood qui sont en langue hindi et produits pour la plupart dans la région de Mumbai (Bombay). Ce style mélange un peu de tout (danses folkloriques et classiques indiennes, danses occidentales, danse orientale etc..). Il y a aussi la version Tamoule, le Kollywood, au Tamil Nadu. Il y a de nombreux styles de danse Bollywood différents, du plus traditionnel au plus occidentalisé. Certaines chorégraphies Bollywood vont être plus influencées par le Baratanatyam ou le Kathak alors que d'autres vont plus ou moins ressembler à notre style modern-Jazz. Les films indiens actuels semblent de plus en plus tournés vers l'occident et les magnifiques chorégraphies du film Devdas se font de plus en plus rares! Si vous voulez apprendre ce style, le mieux selon moi est de l'apprendre chez nous! Il y a de nombreux professeurs de danse Bollywood compétents en Europe et en Amérique du Nord. Mais c'est vrai que certaines villes sont plus reconnues que d'autres dans ce domaine comme par exemple Londres ou New York. Pour ce qui est de l'apprentissage de ce style en Inde, Mumbai me semble l'endroit le plus approprié. J'ai fait partie d'une troupe de danse Bollywood basée à Toronto et notre prof venait de Mumbai. Elle me disait qu'il y a de nombreuses bonnes écoles dans cette région. Mais je ne peux pas dire grand chose de plus à ce sujet, je n'ai jamais essayé de trouver des cours de Bollywood en Inde. Je recommande une grande prudence aux danseurs qui veulent se lancer là dedans en Inde. Encore une fois, les locaux savent très bien nous duper. Attention aussi aux productions Bollywood qui recherchent des danseuses "blanches" pour jouer dans leur films à Mumbai. Préparer vous aux jupes courtes et choré sexy; plus important : pensez aux conséquences ce que vous faites! Le public indien juge les occidentaux de la façon dont ils se montrent dans les films et il n'est pas rare que certaines touristes occidentales se fassent toucher dans les transports en communs parce que certains indiens pensent que de toute façon " elles vont tout accepter, ce sont des filles faciles". Si vous avez un peu de bon sens et de respect pour vous même et pour la culture indienne, n'acceptez pas n'importe quoi.Comment et Combien :Quel est votre degré d'intérêt envers la danse et les danses indiennes? vous y intéressez-vous de façon professionnelle et/ou voulez-vous plutôt vivre une expérience locale profonde et/ou amusante? Votre degré d'intérêt est intimement lié avec la qualité de la formation que vous choisirez. En danse classique indienne, les professeurs les plus réputés chargent plus que les autres (en cours privés). J'ai vu les prix par heures de cours privé passer de 200Rp (3 euros) de l'heure à 1000Rp (15 euros) selon la région de l'Inde et la réputation du professeur. Mais comme vous le verrez, tout est possible en Inde et la diversité de ce que l'on va vous proposer n'a des fois aucun sens (plus particulièrement pour les cours de danses folkloriques): Une danseuse renommée d'exception rencontrée à Jodhpur, m'a proposé des cours gratuitement, tandis qu'une danseuse à Udaipur, sans talent exceptionnel, faisait payer ses cours. Comme dis plus haut, les cours privés sont selon moi les plus avantageux quand vous n’habitez pas en Inde. Les cours privés sont quelque chose de très communs en Inde et facile à trouver. Ceci marche aussi pour les cours de musique et de chant. Vous pouvez marchander le prix de vos cours avec votre professeur en fonction de votre situation financière. Tous ceux que j’ai rencontrés étaient très compréhensifs à ce sujet.
Voilà n'hésitez pas à compléter ce post avec vos expériences artistiques! Si vous avez des questions à me poser, n'hésitez pas à me contacter, je serais ravie de pouvoir vous aider.
Le maître mot sur le sujet selon moi est que tout est possible en Inde, même si le coût de vie et les habitudes quotidiennes des gens changent, vous pouvez trouver toutes sortes de cours (privés ou en groupe) avec tous types de professeurs (réputés ou pas) et à tous les coûts (de 3 euros de l'heure en cours privé et au delà) à partir du moment ou vous êtes motivés à faire des recherches et parlez de vos désirs d'apprendre la danse aux gens qui vous entourent en Inde. J'ai trouvé mes 3 premiers stages de danse en Inde à travers mon entourage proche (hôtel, restaurant, épicerie, spectacle). Mais avant de tout commencer, vous devez vous posez les questions suivantes : Quoi (Quel type de danse)? Où (dans quelle ville) ? Comment (qualité de la formation) et Combien (à quel prix)?Le Quoi et le Où. Je divise les danses Indiennes en 3 grandes catégories : les danses indiennes folkloriques, les danses indiennes classiques et la danse Bollywood.
1) Les danses Indiennes Folkloriques : L'Inde est riche d'innombrables formes de danse folkloriques (probablement des centaines). Chaque région de l'Inde a une culture dansée qui lui est propre, la plupart des danses folkloriques naissent et se pratiquent seulement dans certaines villes. Certaines sont plus connues que d'autres et s'exportent de plus en plus comme c'est le cas de la danse Kalbelia en France et du Banghra en Angleterre. La danse Kalbelia vient du Rajasthan. Ce lieu est donc le mieux approprié pour partir à la recherche de quelqu'un qui peut vous l'enseigner. Il faut aussi savoir qu'il y a de nombreux styles différents au sein même d'1 style particulier de danse folklorique. Pour la danse Kalbelia par exemple, certaines danseuses sont plus connues que d'autres au Rajasthan et en France mais il y a aussi de nombreux/ses autres artistes toutes aussi talentueux/es, qui vont tous avoir un style qui leur est propre. Lors de ma visite à Jodhpur, j'ai eu l'immense chance de pouvoir rencontrer et danser dans une famille qui pratique la danse Kalbelia depuis des générations. Souvent, ce sont des familles de danseurs qui apprennent et développent leur style de générations en générations et ils portent le nom de famille qui correspond à l'activité de leur caste. Les gens font donc appel à ses familles là pour faire des spectacles. Ces familles sont donc connues par de nombreuses personnes et sont, je pense (mais peut-être que la chance m'a aidé à les trouver) facilement approchables. La vie de ses artistes est parfois très dure et vous n'allez pas forcément comprendre ce que vous voyez autour de vous si vous vous lancez dans ce monde là. Je ne peux malheureusement rien vous dire de plus à ce sujet car j'étais venu en Inde dans le but d'apprendre le Kathak, et c'est maintenant ce que je suis en train de faire.
Alors que les danses folkloriques commencent à être malmenés par les effets de la vie moderne, les danses classiques indiennes elles, sont LOIN de disparaitre tant elles sont institutionnalisées et codifiées :
2) Les danses Indiennes classiques :
Voici un tableau des 9 danses classiques de l'Inde et de leur état d’origine selon la Sangeet Natak Academie.
Dance form State(s) of origin Bharatanatyam ->>Tamil Nadu Kathak ->>Uttar Pradesh Odissi ->>Orissa Kathakali ->>Kerala Mohiniyattam ->>Kerala Kuchipudi ->>Andhra Pradesh Manipuri ->>Manipur Gaudiya Nritya ->>West Bengal Sattriya ->>Assam
Si vous voulez vous lancer dans l'apprentissage d'une de ces danses, c'est comme si vous vouliez apprendre le Ballet en France. Vous pouvez très bien choisir d'aller en Inde et suivre seulement quelques heures de cours de la danse classique que vous avez choisi de découvrir. Cependant, si votre but est de maitriser ce style, cela vous prendra de nombreuses années de travail. La différence majeure ici avec notre danse classique nationale est que les danses classiques indiennes ne se limitent pas à l'apprentissage de la danse. Le solfège et le théâtre vont faire partie intégrale de votre apprentissage, ainsi que la musique, le chant et le yoga dans certaines écoles. La musique, le théâtre, le chant et la danse sont intimement liés en Inde. Les grandes écoles de danse classique du pays proposent des programmes complets d'apprentissage avec un diplôme à la clé. Même chose que pour les danses folkloriques ici, il y de nombreux sous-groupe de style différent dans chaque forme de danse. Chaque grande ville de l'Inde (Mumbai, Delhi, Kolkatta..) offre la possibilité d'apprendre la plupart de ces 9 danses classiques, mais vous trouverez beaucoup plus de professeurs particuliers et écoles dans la région d'origine du style que vous voulez apprendre. A savoir aussi que certaines écoles sont plus réputées que d'autre. Les meilleures écoles de Kathak par exemple sont pour la plupart à Delhi. Si vous voulez vous lancer dans l'aventure (danseuse professionnelle ou pas), il va falloir choisir votre mode d'apprentissage : école ou cours privés? Les cours dans les écoles sont enseignées à année longue ce qui signifie que vous devrez habiter en Inde pendant la durée de vos études. Certaines écoles ont la capacité d'héberger leur étudiants. D'autres n'acceptent que les étudiants qui reçoivent une bourse du gouvernement indien qui va financer leurs études, comme c'est le cas de l'école Kathak Kendra à Delhi il me semble. Cette école n'accepte que les étudiants qui ont une bonne base de Kathak. Chaque école a un mode particulier de fonctionner. Il est important de bien faire attention à ce que vous choisissez ici car certaines écoles se sont transformées en véritables institutions financières et se sont éloignées de leur message d'origine. De nombreux danseurs étrangers viennent en Inde pour apprendre la danse (surtout le Baratanatyam et l'Odissi) et les locaux savent que les étrangers ont un pouvoir financier bien supérieur au leur. Quand à moi j'ai choisi les cours privés, même si plus onéreux, car plus flexibles et plus efficaces dans le temps. Je me rends à Delhi 4 mois par an pour apprendre le Kathak. Si vous vous donnez les moyens (je dois chaque année économiser pour l'année suivante) et que vous êtes motivés, les cours pivés sont selon moi la meilleure solution, peut importe le style choisi.
3) La danse Bollywood : C'est le style de danse des films Indiens Bollywood qui sont en langue hindi et produits pour la plupart dans la région de Mumbai (Bombay). Ce style mélange un peu de tout (danses folkloriques et classiques indiennes, danses occidentales, danse orientale etc..). Il y a aussi la version Tamoule, le Kollywood, au Tamil Nadu. Il y a de nombreux styles de danse Bollywood différents, du plus traditionnel au plus occidentalisé. Certaines chorégraphies Bollywood vont être plus influencées par le Baratanatyam ou le Kathak alors que d'autres vont plus ou moins ressembler à notre style modern-Jazz. Les films indiens actuels semblent de plus en plus tournés vers l'occident et les magnifiques chorégraphies du film Devdas se font de plus en plus rares! Si vous voulez apprendre ce style, le mieux selon moi est de l'apprendre chez nous! Il y a de nombreux professeurs de danse Bollywood compétents en Europe et en Amérique du Nord. Mais c'est vrai que certaines villes sont plus reconnues que d'autres dans ce domaine comme par exemple Londres ou New York. Pour ce qui est de l'apprentissage de ce style en Inde, Mumbai me semble l'endroit le plus approprié. J'ai fait partie d'une troupe de danse Bollywood basée à Toronto et notre prof venait de Mumbai. Elle me disait qu'il y a de nombreuses bonnes écoles dans cette région. Mais je ne peux pas dire grand chose de plus à ce sujet, je n'ai jamais essayé de trouver des cours de Bollywood en Inde. Je recommande une grande prudence aux danseurs qui veulent se lancer là dedans en Inde. Encore une fois, les locaux savent très bien nous duper. Attention aussi aux productions Bollywood qui recherchent des danseuses "blanches" pour jouer dans leur films à Mumbai. Préparer vous aux jupes courtes et choré sexy; plus important : pensez aux conséquences ce que vous faites! Le public indien juge les occidentaux de la façon dont ils se montrent dans les films et il n'est pas rare que certaines touristes occidentales se fassent toucher dans les transports en communs parce que certains indiens pensent que de toute façon " elles vont tout accepter, ce sont des filles faciles". Si vous avez un peu de bon sens et de respect pour vous même et pour la culture indienne, n'acceptez pas n'importe quoi.Comment et Combien :Quel est votre degré d'intérêt envers la danse et les danses indiennes? vous y intéressez-vous de façon professionnelle et/ou voulez-vous plutôt vivre une expérience locale profonde et/ou amusante? Votre degré d'intérêt est intimement lié avec la qualité de la formation que vous choisirez. En danse classique indienne, les professeurs les plus réputés chargent plus que les autres (en cours privés). J'ai vu les prix par heures de cours privé passer de 200Rp (3 euros) de l'heure à 1000Rp (15 euros) selon la région de l'Inde et la réputation du professeur. Mais comme vous le verrez, tout est possible en Inde et la diversité de ce que l'on va vous proposer n'a des fois aucun sens (plus particulièrement pour les cours de danses folkloriques): Une danseuse renommée d'exception rencontrée à Jodhpur, m'a proposé des cours gratuitement, tandis qu'une danseuse à Udaipur, sans talent exceptionnel, faisait payer ses cours. Comme dis plus haut, les cours privés sont selon moi les plus avantageux quand vous n’habitez pas en Inde. Les cours privés sont quelque chose de très communs en Inde et facile à trouver. Ceci marche aussi pour les cours de musique et de chant. Vous pouvez marchander le prix de vos cours avec votre professeur en fonction de votre situation financière. Tous ceux que j’ai rencontrés étaient très compréhensifs à ce sujet.
Voilà n'hésitez pas à compléter ce post avec vos expériences artistiques! Si vous avez des questions à me poser, n'hésitez pas à me contacter, je serais ravie de pouvoir vous aider.
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Terry Riley à la malienne: "In C Mali"
"Few pieces of music straddle the divide between cultural artifact, radical manifesto of musical intention, and wide popularity like Terry Riley’s In C" (Matt Starling, bandcamp.com ; 2015)
"When I wrote In C, for instance – believe it or not – that was an act of bravery because nobody was writing tonal music then." (Terry Riley)
Musique minimaliste au Mali
La liste des pièces vraiment révolutionnaires de la musique du 20e siècle n'est pas trop longue : parmi les pièces inédites figure Le Sacre du Printemps (1913) d'Igor Stravinsky, et un autre exemple authentique est, à mon avis, In C (1964), pièce majeure du compositeur américain Terry Riley. Cinquante ans plus tard, cette œuvre minimaliste – la plus connue et la plus jouée encore de nos jours, un classique de la musique du 20e siècle et le représentant par excellence du minimalisme américain –, composée pour 35 instrumentistes fait l'objet d'une renaissance en une version africaine/malienne et en outre sous forme d'un film en ligne interactif aussi exaltant et pédagogique (Tate Modern and Africa Express present Terry Riley’s In C Mali, voir la vidéo II en bas) ...
Cette première version africaine est un hommage à la musique minimaliste, dite également répétitive, de l'octogénaire et à la fois un hymne au Mali. Les musiciens de l'Africa Express, projet amorcé par les Anglais Damon Albarn (Blur, Gorillaz) et Brian Eno, accompagnés par le chef d'orchestre et violoniste allemand André de Ridder, les guitaristes Nick Zinner (du groupe indie Yeah Yeah Yeahs) et Jeff Wootton (Gorillaz, Damo Suzuki), et tout particulièrement par une douzaine de jeunes artistes prometteurs du Mali, tous très talentueux mais encore peu connus, se sont retrouvés à s'engager à un avenir commun du Mali : "Nous sommes venus pour soutenir le peuple, la société civile. Au moyen de la musique, nous avons voulu démontrer la cohérence : prendre position contre la guerre, jouer ensemble, improviser, produire et donner aux jeunes musiciens maliens l'occasion de se faire remarquer", explique le manager français, Marc-Antoine Moreau qui s'occupe aussi du groupe tombouctouais Songhoy Blues, d'Amadou & Mariam et de Mamani Keïta.
La caméra se déplace à travers les rues de Bamako, capte les gens au bord de la rue – à moto et à voiture, à pied et à fauteuil roulant – avant d'arrêter à l'entrée de la Maison des Jeunes, club de jeunes et institution socio-éducative de Bamako, avec ses belles mosaïques, étant le lieu où à la fin de l'été 2013 a pris résidence ce projet de musique britannique-africain pour enregistrer un album intitulé Africa Express presents…Terry Riley’s In C Mali, accompagné d'une vidéo qui traduit ledit enregistrement en belles images de la capitale malienne : cette vidéo, quant à elle, nous fait plonger avec confusion dans le tourbillon de la chaleur bamakoise, dans une exploration hasardeuse des rues de la ville, entremêlés d’images des musiciens et de la Maison des Jeunes (voir la vidéo I en bas) ...
Les artistes dans la Maison des Jeunes sont : André de Ridder (violon, kalimba, guitare baritone, chef d'orchestre), Adama Koïta (kamalengoni), Djelifily Sacko (kora), Modibo Diawara (kora), Guindo Sala (imzad), Nick Zinner (guitare électrique), Jeff Wootton (guitare électrique), Cheick Diallo (flûte peule), Damon Albarn (mélodica), Alou Coulibaly (calebasse), Kalifa Koné (balafon), Mémé Koné (balafon), Andi Toma (kalimba, percussions), Madou Mbaye (djembé, percussions), Brian Eno (voix), Bijou (voix) et Olugbenga Adelekan (voix) ...
Le concept de musique minimaliste trouve son origine dans les Etats-Unis au début des années 60 (La Monte Young, Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, John Adams) et se sait un contre-courant de l'atonalité et de la musique sérielle en Europe (Arnold Schönberg, Anton Webern, Pierre Boulez) et dont les caractéristiques sont le retour à la tonalité (et/ou à la modalité), l'intrépidité aux harmonies simples, l'utilisation d'une pulsation rythmique mais aussi d'une densification d'un temps "oriental" statique, la répétition de courts motifs mélodiques, harmoniques ou rythmiques (avec également d'infimes variations) comme principale technique de composition, et la réduction du matériau musical au "minimal" manifeste. Mais lesquelles sont les particularités de In C, pourquoi cette composition a-elle tourné au coup de fouet pour un nouveau et influent courant de musique ?! Ce sont notamment les instructions du compositeur pour la pratique d'exécution de In C : la partition (voir en bas de page, photo IV !) ne précise ni l’instrumentation, ni le nombre de musiciens et ne donne aucune précision quant à la dynamique ou à l’articulation. Elle tient sur seulement une page contenant cinquante-trois fragments (ou : motifs, modules, riffs, patterns) mélodiques-rythmiques qui comprennent autant une note unique que de courtes phrases. Le musicien joue chacun des fragments autant de fois qu’il le souhaite avant de passer au suivant. Cependant, les fragments doivent être joués dans l'ordre, de 1 à 53, et être répétés un nombre suffisant de fois, de plus, les musiciens ne doivent hésiter à s'arrêter de jouer de temps à autre afin d'écouter l'ensembre ni prendre trop d'avance ou de retard les uns par rapport aux autres. La pièce se déroule dans un tempo constant maintenu grâce à une pulsation jouée en do majeur (en anglais : in c) dans l’aigu du piano (ou marimba etc.), note la plus courante dans la musique occidentale, immédiatement reconnaissable et réconfortante, qui a dans cette pièce fonction de métronome et est donc point de repère sempiternel pour les musiciens ("In the beginning was the pulse"). Terry Riley apporte une importance particulière à cette note accentuée dans le titre. La couleur, les nuances, le mouvement, en gros la musicalité est laissée au libre choix de l'interprète. L’exécution, dont la durée varie suivant l’effectif et les choix individuels (elle peut osciller entre un quart d'heure et deux heures), prend fin lorsque tous les musiciens ont accédé le dernier fragment. Tout compte fait, on craque pour une pièce à la fois orgiaque et méditative, un puzzle multicolore en qualité hypnotique et un voyage intemporel et magique au cœur de la tonalité et de la polyphonie ...
Il y a pas mal d'enregistrements qui rivalisent pour le titre de la version "définitive" de In C mais à mon sens cette interprétation africaine/malienne qui dispose autant de plaisir du jeu parmi les participants cherche son pareil, et tout le plaisir vient des combinaisions polyrythmiques qui se font et se défont dans le croisement des différentes parties que tout musicien joue. Elle se présente de manière dense et "terreuse", ludique et joyeuse mais pas du tout académique, un fait qui est dû bien sûr aussi aux percussions (pas prévues à l'origine de Riley). Au spectacle dans la cour de la Maison des Jeunes, le do majeur est joué par la kalimba et le balafon. L'interprétation de l'Africa Express est certes fidèle à l'esprit de l'original, conserve donc la "nature" du minimalisme mais les instrumentistes maliens – balafonistes, koraistes, flûtiste peule, joueurs de kamalengoni, de sokou (imzad), de djembé et de calebasse – apportent à la pièce "une coloration radicalement nouvelle, celle de la terre ocre du Mandé, ainsi qu'une dynamique inhabituelle" (Les Inrocks). La transe originale de cette pièce est retrouvée à la perfection mais agrémentée et imprégnée de cette âme, de cette humanité si typique de la musique malienne : un moment somptueux est là où la musique arrête brusquement et l'un des musiciens maliens commence à parler presque timidement : il se rappelle à ses débuts d'apprendre à jouer de son instrument, la kora. Incroyable, un moment qui souffle l'esprit, pardi ! Cette interprétation étourdissante ici présentée par Africa Express transcende la proposition originelle et en inaugure la dimension africaine (ou : malienne), une interprétation qui sait apprécier de manière plus qu'évocatrice le 50e anniversaire de la pièce majeure et au fait l'héritage musical d'un compositeur hors pair : "I am overwhelmed and delighted by this cd. I was not quite prepared for such an incredible journey, hearing the soul of Africa in joyous flight over those 53 patterns of In C. This ensemble feeds the piece with ancient threads of musical wisdom and humanity indicating to me that this work is a vessel ready to receive and be shaped by the spontaneous feelings and colours of the magician/musician. I could not ask for a greater gift for this daughter’s 50th birthday."
Hery
Appendice (discographie, vidéos) :
Discographie (1970–2015) :
• Africa Express (2014). Africa Express presents... Terry Riley's In C Mali. Transgressive Rec. (40:45)
Autres interprétations gravées sur cd (ou parfois vinyle et mp3) de In C :
• Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O. (2003). In C. Squealer Music. (20:31) • Adrian Utley's Guitar Orchestra (2013). ...presents Terry Riley's 'In C' featuring 18 guitars, 4 organs, bass clarinet and percussion. Invada. (61:23) • Akchoté, Noël (2014). In C – Pt.1 (Arr. for Guitar Synthesizer). (mp3). Noël Akchoté Downloads. (3:31) • American Festival of Microtonal Music (2007). Ear Gardens. Pitch. . (23:11) • Balmer, Hans (2010). Minimal Flute. Fontastix. . (40:04) • Bang On A Can (2001). In C (version for chamber ensemble). Alliance. (45:30) • DésAccordes / d-zAkord (2005). In C (Terry Riley). Gazul Rec. (49:04) • Ensemble Ictus (2006). In C. Recorded live on May 31, 1997 at Chapelle des Brigittines, Brussels. Cypres. (64:58) • Ensemble Percussione Ricerca/Eddy De Fanti (2004). In C/Djembe. Materiali Sonori. (41:01) • Ensemble Piano Circus (1991). Six Pianos/In C. Argo. (20:00) • European Music Project/Zignorii++ (2002). Terry Riley – In C. Wergo. (60:48) • Grand Valley State University New Music Ensemble (2009). In C Remixed. (19 tracks). Innova. (en total : 137:20) • Grand Valley State University New Music Ensemble (2010). Terry Riley: In C (Live @ Le Poisson Rouge ). Ghostly Int. (61:28) • Hillier, Paul/Ars Nova Copenhagen/Percurama Percussion Ensemble (2006). In C. Dacapo. (55:19) • L'Infonie (1970). Volume 33 - Mantra (adapted from Terry Riley's In C). (vinyle). Polydor. (29:30) • Orkest de Volharding/Jussi Jaatinen (2013). The Minimalists. Mode Rec. . (51:29) • Oxford Minimalist Ensemble/Alexander Campkin (2013). In C. Academy Rec. (43:28) • Quebec Contemporary Music Society/Raôul Duguay/Walter Boudreau (2000). Riley: In C... Atma Classique. (35:46) • Re-Sound (2002). In C. Move Rec. (56:59) • Shanghai Film Symphony Orchestra (2012). In C (Remastered Edition). Esoteric. (41:57) • State University Center of Creative and Performing Arts (1979). In C. (vinyle). Sony. (42:03) • Terry Riley/Cacciapaglia Ensemble (2015). In C. Performed live at Aterforum Festival, July 9, 1988. Mirumir. • Terry Riley/Repetition Orchestra (2001). Live at Moscow Conservatory. Long Arms Rec. . (env. 40:00) • Terry Riley In C. 25th Anniversary Concert. Presented by New Music Theatre and Life on the Water in collaboration with the Good Sound Foundation, San Francisco. New Albion Rec., 1995. (76:20) • The Gothenburg Combo (2015). Guitarscapes. GBG Combo. . (24:43) • The New Audience Ensemble (2006). Live at the Edge. Odessa Mama Rec. (16:36) • The Salt Lake Electric Ensemble (2010). The Salt Lake Electric Ensemble perform Terry Riley's In C. Crescent Phase. (65:56) • The Sensorium Saxophone Orchestra (2012). Terry Riley – In C. Living Rec. (30:33) • The Styrenes (2002). In C. Enja. (53:22) • Ut Gret (2006). Recent Fossils. 3-cd-box. Ear-X-tacy Rec. . (64:11) • Van Veen, Jeroen (2007). Minimal Piano Collection, Volumes I–IX. 9-cd-box. Brilliant Classics. (version piano, 57:56)
Vidéos :
• Vidéo I – réalisation par Roland Hamilton. In C in extenso avec de belles images de Bamako :
https://www.youtube.com/watch?v=_FXQ68ZkWVw
• Vidéo II – présentation de In C Mali dans la Modern Tate Gallery, Londres :
https://interlude.fm/v/V5PDXA
"When I wrote In C, for instance – believe it or not – that was an act of bravery because nobody was writing tonal music then." (Terry Riley)
Musique minimaliste au Mali
La liste des pièces vraiment révolutionnaires de la musique du 20e siècle n'est pas trop longue : parmi les pièces inédites figure Le Sacre du Printemps (1913) d'Igor Stravinsky, et un autre exemple authentique est, à mon avis, In C (1964), pièce majeure du compositeur américain Terry Riley. Cinquante ans plus tard, cette œuvre minimaliste – la plus connue et la plus jouée encore de nos jours, un classique de la musique du 20e siècle et le représentant par excellence du minimalisme américain –, composée pour 35 instrumentistes fait l'objet d'une renaissance en une version africaine/malienne et en outre sous forme d'un film en ligne interactif aussi exaltant et pédagogique (Tate Modern and Africa Express present Terry Riley’s In C Mali, voir la vidéo II en bas) ...
Cette première version africaine est un hommage à la musique minimaliste, dite également répétitive, de l'octogénaire et à la fois un hymne au Mali. Les musiciens de l'Africa Express, projet amorcé par les Anglais Damon Albarn (Blur, Gorillaz) et Brian Eno, accompagnés par le chef d'orchestre et violoniste allemand André de Ridder, les guitaristes Nick Zinner (du groupe indie Yeah Yeah Yeahs) et Jeff Wootton (Gorillaz, Damo Suzuki), et tout particulièrement par une douzaine de jeunes artistes prometteurs du Mali, tous très talentueux mais encore peu connus, se sont retrouvés à s'engager à un avenir commun du Mali : "Nous sommes venus pour soutenir le peuple, la société civile. Au moyen de la musique, nous avons voulu démontrer la cohérence : prendre position contre la guerre, jouer ensemble, improviser, produire et donner aux jeunes musiciens maliens l'occasion de se faire remarquer", explique le manager français, Marc-Antoine Moreau qui s'occupe aussi du groupe tombouctouais Songhoy Blues, d'Amadou & Mariam et de Mamani Keïta.
La caméra se déplace à travers les rues de Bamako, capte les gens au bord de la rue – à moto et à voiture, à pied et à fauteuil roulant – avant d'arrêter à l'entrée de la Maison des Jeunes, club de jeunes et institution socio-éducative de Bamako, avec ses belles mosaïques, étant le lieu où à la fin de l'été 2013 a pris résidence ce projet de musique britannique-africain pour enregistrer un album intitulé Africa Express presents…Terry Riley’s In C Mali, accompagné d'une vidéo qui traduit ledit enregistrement en belles images de la capitale malienne : cette vidéo, quant à elle, nous fait plonger avec confusion dans le tourbillon de la chaleur bamakoise, dans une exploration hasardeuse des rues de la ville, entremêlés d’images des musiciens et de la Maison des Jeunes (voir la vidéo I en bas) ...
Les artistes dans la Maison des Jeunes sont : André de Ridder (violon, kalimba, guitare baritone, chef d'orchestre), Adama Koïta (kamalengoni), Djelifily Sacko (kora), Modibo Diawara (kora), Guindo Sala (imzad), Nick Zinner (guitare électrique), Jeff Wootton (guitare électrique), Cheick Diallo (flûte peule), Damon Albarn (mélodica), Alou Coulibaly (calebasse), Kalifa Koné (balafon), Mémé Koné (balafon), Andi Toma (kalimba, percussions), Madou Mbaye (djembé, percussions), Brian Eno (voix), Bijou (voix) et Olugbenga Adelekan (voix) ...
Le concept de musique minimaliste trouve son origine dans les Etats-Unis au début des années 60 (La Monte Young, Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, John Adams) et se sait un contre-courant de l'atonalité et de la musique sérielle en Europe (Arnold Schönberg, Anton Webern, Pierre Boulez) et dont les caractéristiques sont le retour à la tonalité (et/ou à la modalité), l'intrépidité aux harmonies simples, l'utilisation d'une pulsation rythmique mais aussi d'une densification d'un temps "oriental" statique, la répétition de courts motifs mélodiques, harmoniques ou rythmiques (avec également d'infimes variations) comme principale technique de composition, et la réduction du matériau musical au "minimal" manifeste. Mais lesquelles sont les particularités de In C, pourquoi cette composition a-elle tourné au coup de fouet pour un nouveau et influent courant de musique ?! Ce sont notamment les instructions du compositeur pour la pratique d'exécution de In C : la partition (voir en bas de page, photo IV !) ne précise ni l’instrumentation, ni le nombre de musiciens et ne donne aucune précision quant à la dynamique ou à l’articulation. Elle tient sur seulement une page contenant cinquante-trois fragments (ou : motifs, modules, riffs, patterns) mélodiques-rythmiques qui comprennent autant une note unique que de courtes phrases. Le musicien joue chacun des fragments autant de fois qu’il le souhaite avant de passer au suivant. Cependant, les fragments doivent être joués dans l'ordre, de 1 à 53, et être répétés un nombre suffisant de fois, de plus, les musiciens ne doivent hésiter à s'arrêter de jouer de temps à autre afin d'écouter l'ensembre ni prendre trop d'avance ou de retard les uns par rapport aux autres. La pièce se déroule dans un tempo constant maintenu grâce à une pulsation jouée en do majeur (en anglais : in c) dans l’aigu du piano (ou marimba etc.), note la plus courante dans la musique occidentale, immédiatement reconnaissable et réconfortante, qui a dans cette pièce fonction de métronome et est donc point de repère sempiternel pour les musiciens ("In the beginning was the pulse"). Terry Riley apporte une importance particulière à cette note accentuée dans le titre. La couleur, les nuances, le mouvement, en gros la musicalité est laissée au libre choix de l'interprète. L’exécution, dont la durée varie suivant l’effectif et les choix individuels (elle peut osciller entre un quart d'heure et deux heures), prend fin lorsque tous les musiciens ont accédé le dernier fragment. Tout compte fait, on craque pour une pièce à la fois orgiaque et méditative, un puzzle multicolore en qualité hypnotique et un voyage intemporel et magique au cœur de la tonalité et de la polyphonie ...
Il y a pas mal d'enregistrements qui rivalisent pour le titre de la version "définitive" de In C mais à mon sens cette interprétation africaine/malienne qui dispose autant de plaisir du jeu parmi les participants cherche son pareil, et tout le plaisir vient des combinaisions polyrythmiques qui se font et se défont dans le croisement des différentes parties que tout musicien joue. Elle se présente de manière dense et "terreuse", ludique et joyeuse mais pas du tout académique, un fait qui est dû bien sûr aussi aux percussions (pas prévues à l'origine de Riley). Au spectacle dans la cour de la Maison des Jeunes, le do majeur est joué par la kalimba et le balafon. L'interprétation de l'Africa Express est certes fidèle à l'esprit de l'original, conserve donc la "nature" du minimalisme mais les instrumentistes maliens – balafonistes, koraistes, flûtiste peule, joueurs de kamalengoni, de sokou (imzad), de djembé et de calebasse – apportent à la pièce "une coloration radicalement nouvelle, celle de la terre ocre du Mandé, ainsi qu'une dynamique inhabituelle" (Les Inrocks). La transe originale de cette pièce est retrouvée à la perfection mais agrémentée et imprégnée de cette âme, de cette humanité si typique de la musique malienne : un moment somptueux est là où la musique arrête brusquement et l'un des musiciens maliens commence à parler presque timidement : il se rappelle à ses débuts d'apprendre à jouer de son instrument, la kora. Incroyable, un moment qui souffle l'esprit, pardi ! Cette interprétation étourdissante ici présentée par Africa Express transcende la proposition originelle et en inaugure la dimension africaine (ou : malienne), une interprétation qui sait apprécier de manière plus qu'évocatrice le 50e anniversaire de la pièce majeure et au fait l'héritage musical d'un compositeur hors pair : "I am overwhelmed and delighted by this cd. I was not quite prepared for such an incredible journey, hearing the soul of Africa in joyous flight over those 53 patterns of In C. This ensemble feeds the piece with ancient threads of musical wisdom and humanity indicating to me that this work is a vessel ready to receive and be shaped by the spontaneous feelings and colours of the magician/musician. I could not ask for a greater gift for this daughter’s 50th birthday."
Hery
Appendice (discographie, vidéos) :
Discographie (1970–2015) :
• Africa Express (2014). Africa Express presents... Terry Riley's In C Mali. Transgressive Rec. (40:45)
Autres interprétations gravées sur cd (ou parfois vinyle et mp3) de In C :
• Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O. (2003). In C. Squealer Music. (20:31) • Adrian Utley's Guitar Orchestra (2013). ...presents Terry Riley's 'In C' featuring 18 guitars, 4 organs, bass clarinet and percussion. Invada. (61:23) • Akchoté, Noël (2014). In C – Pt.1 (Arr. for Guitar Synthesizer). (mp3). Noël Akchoté Downloads. (3:31) • American Festival of Microtonal Music (2007). Ear Gardens. Pitch. . (23:11) • Balmer, Hans (2010). Minimal Flute. Fontastix. . (40:04) • Bang On A Can (2001). In C (version for chamber ensemble). Alliance. (45:30) • DésAccordes / d-zAkord (2005). In C (Terry Riley). Gazul Rec. (49:04) • Ensemble Ictus (2006). In C. Recorded live on May 31, 1997 at Chapelle des Brigittines, Brussels. Cypres. (64:58) • Ensemble Percussione Ricerca/Eddy De Fanti (2004). In C/Djembe. Materiali Sonori. (41:01) • Ensemble Piano Circus (1991). Six Pianos/In C. Argo. (20:00) • European Music Project/Zignorii++ (2002). Terry Riley – In C. Wergo. (60:48) • Grand Valley State University New Music Ensemble (2009). In C Remixed. (19 tracks). Innova. (en total : 137:20) • Grand Valley State University New Music Ensemble (2010). Terry Riley: In C (Live @ Le Poisson Rouge ). Ghostly Int. (61:28) • Hillier, Paul/Ars Nova Copenhagen/Percurama Percussion Ensemble (2006). In C. Dacapo. (55:19) • L'Infonie (1970). Volume 33 - Mantra (adapted from Terry Riley's In C). (vinyle). Polydor. (29:30) • Orkest de Volharding/Jussi Jaatinen (2013). The Minimalists. Mode Rec. . (51:29) • Oxford Minimalist Ensemble/Alexander Campkin (2013). In C. Academy Rec. (43:28) • Quebec Contemporary Music Society/Raôul Duguay/Walter Boudreau (2000). Riley: In C... Atma Classique. (35:46) • Re-Sound (2002). In C. Move Rec. (56:59) • Shanghai Film Symphony Orchestra (2012). In C (Remastered Edition). Esoteric. (41:57) • State University Center of Creative and Performing Arts (1979). In C. (vinyle). Sony. (42:03) • Terry Riley/Cacciapaglia Ensemble (2015). In C. Performed live at Aterforum Festival, July 9, 1988. Mirumir. • Terry Riley/Repetition Orchestra (2001). Live at Moscow Conservatory. Long Arms Rec. . (env. 40:00) • Terry Riley In C. 25th Anniversary Concert. Presented by New Music Theatre and Life on the Water in collaboration with the Good Sound Foundation, San Francisco. New Albion Rec., 1995. (76:20) • The Gothenburg Combo (2015). Guitarscapes. GBG Combo. . (24:43) • The New Audience Ensemble (2006). Live at the Edge. Odessa Mama Rec. (16:36) • The Salt Lake Electric Ensemble (2010). The Salt Lake Electric Ensemble perform Terry Riley's In C. Crescent Phase. (65:56) • The Sensorium Saxophone Orchestra (2012). Terry Riley – In C. Living Rec. (30:33) • The Styrenes (2002). In C. Enja. (53:22) • Ut Gret (2006). Recent Fossils. 3-cd-box. Ear-X-tacy Rec. . (64:11) • Van Veen, Jeroen (2007). Minimal Piano Collection, Volumes I–IX. 9-cd-box. Brilliant Classics. (version piano, 57:56)
Vidéos :
• Vidéo I – réalisation par Roland Hamilton. In C in extenso avec de belles images de Bamako :
https://www.youtube.com/watch?v=_FXQ68ZkWVw
• Vidéo II – présentation de In C Mali dans la Modern Tate Gallery, Londres :
https://interlude.fm/v/V5PDXA
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Chanter en lingala comme Fally Ipupa
J'aimerais chanter en lingala comme Fally ipupa
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Musique gitane / tzigane
Bonjour j'aimerais un peu plus découvrir cette univers musicale de se fait je me tourne vers vous afin d’être un peu orienté étant perdu dans la masse d'internet .
Des best of ou des album regroupant plusieurs artiste afin de pouvoir plus tard voir de moi même plus en profondeur.
Ou bien des artiste "incontournable".
Merci d'avance.
Des best of ou des album regroupant plusieurs artiste afin de pouvoir plus tard voir de moi même plus en profondeur.
Ou bien des artiste "incontournable".
Merci d'avance.
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Spectacles de flamenco en Andalousie
Bonjour
début Avril 2018 nous allons visiter l'Andalousie ; je cherche à connaitre les plus beau spectacle à voir flamencos ou autre pouvez vous me conseiller
Merçi beaucoup
Le Normand
Le Normand
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Fado à Porto
Nous avons fait une super découverte de la musique Fado à Porto à la Casa da Guitarra !
Ils font de petits concerts en soirée (de 18 à 19h) à 50 mètres du Pont Luis.
A aller découvrir absolument si vous êtes à Porto !
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La Aita
Très populaire à la fin du 19e siècle, l'expression musicale traditionnelle de l'aïta (cri ou appel) refait surface grâce à un coffret présenté à Casablanca le 27 février et réalisé par l'association Atlas Azawan, sous la direction de Brahim El Mazned.
J'ai decouvert cette forme de musique . La connaissez vous ? Un peu de détente pour un week end pluvieux .
https://m.youtube.com/watch?v=Eu9TnMTWO28
J'ai decouvert cette forme de musique . La connaissez vous ? Un peu de détente pour un week end pluvieux .
https://m.youtube.com/watch?v=Eu9TnMTWO28
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Musique klezmer à Cracovie
Bonjour,
Connaissez vous un lieu où l'on peut écouter de la musique klezmer à cracovie. Merci
Connaissez vous un lieu où l'on peut écouter de la musique klezmer à cracovie. Merci
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Musique à Trinidad
https://culturebox.francetvinfo.fr/musique/musiques-du-monde/chronique-cubaine-les-rois-de-la-debrouille-dejouent-les-studios-d-etat-269745
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Une légende du post-punk n’est plus (Angleterre)
"Si c'est ta grand-mère aux bongos et moi, c'est toujours The Fall." (Mark E. Smith)
Une légende du post-punk n’est plus (Angleterre)
Une page importante du post-punk se tourne : Mark E. Smith, chanteur et leader du groupe britannique The Fall (en référence à La Chute d’Albert Camus) est décédé le 24 janvier 2018. Il avait 60 ans. Jusqu’ici, Mark E. Smith reste une grande figure du mouvement post-punk des années 80, et son groupe est culte, certes avec un succès commercial plutôt modeste mais avec une solide base de fidèles adeptes...
En 1976, Mark E. Smith, un amateur de la littérature, décide de se lancer dans la musique, joue d’abord dans des formations locales de heavy metal, mais ses goûts musicaux penchent pour le rock expérimental de groupes comme Can, Faust, ou le Velvet Underground. Ensuite, il fonde son propre groupe, The Fall, originaire de Prestwich/Manchester, au nord de l‘Angleterre. A ses débuts associé avec le punk des Sex Pistols et des Buzzcocks à la fin des années 70, le groupe a depuis aspiré un large spectre de styles musicaux dont un rock atonal, peu mélodique et presque cacophonique, à une musique plus accessible à partir des années mi-80. Toutefois, le groupe n’a jamais abandonné son côté expérimental. D’autres traits caractéristiques de la musique de The Fall sont la répétition rythmique, le son de guitare abrasif et notamment des paroles cryptiques, furibondes, mordantes, empoisonnées, misanthropes de Mark E. Smith, sans oublier son chant très particulier, un parlé-chanté nasillard, reconnaissable entre mille. Ses textes à la fois réalistes, surréalistes et absurdes, sa poésie abstraite et crasse...
Ce produit de Mark E. Smith a publié plus de 30 albums studio sortis en quarante ans, mais est aussi tristement célèbre pour ses multiples changements de musiciens lors de sa carrière : une soixantaine de guitaristes, bassistes et batteurs ont été "épuisés". Le seul membre permanent, l’irascible Mark E. Smith. A côté de son activité au sein du The Fall, Mark E. Smith a édité deux albums solo qui sont plus des lectures : The Post-Nearly Man (1988) et Pander! Panda! Panzer! (2002). En outre, il a publié régulièrement des tribunes dans des journaux comme le New Musical Express (NME), en 2009 son autobiographie Renegade, the Lives and Tales of Mark E. Smith.
L’ex-bassiste de Joy Division puis de New Order le décrit : "Mark était un homme bizarre. [...] Il avait toujours son groupe à l'esprit, comme Ian Curtis, le chanteur de Joy Division. Beaucoup de gens vous diront que c'était un personnage difficile mais la plupart des génies ont des caractères difficiles pour une raison ou une autre, et lui était un vrai génie punk. Il n'y a personne pour prendre la place de Mark E. Smith, personne, c'était un personnage absolument unique et lui, et The Fall, vont manquer à la musique".
40 ans d‘existence et plus de 80 albums studio et live, compilations et eps, d’innombrables tournées autour du monde, The Fall est l’un des groupes les plus prolifiques et endurants de sa génération, et surtout l’un des plus influents : toute une génération de musiciens et groupes underground se réclament de son influence dont Sonic Youth, Minuteman, The Teardrop Explodes, Happy Mondays, Pavement et beaucoup beaucoup d‘autres...
J’avais vécu The Fall trois ou quatre fois en concert : des mémoires inoubliables. Quel bonheur !
Discographie (albums recommandables) :
1979 : Live at the Witch Trials 1979 : Dragnet 1980 : Grotesque (After the Gramme) 1981 : Slates 1982 : Hex Enduction Hour 1984 : Perverted by Language 1985 : The Wonderful and Frightening World of The Fall 1986 : This Nation's Saving Grace 1987 : Bend Sinister 1988 : The Frenz Experiment 1988 : I Am Kurious Oranj 1993 : The Infotainment Scan 2005 : The Complete Peel-Sessions 1978-2004 2010 : Your Future Our Clutter 2013 : Re-Mit
Vidéos :
The Fall : "Garden" (1983)
https://www.youtube.com/watch?v=OMJJmdlZoPw
The Fall : "The Container Drivers" (1980)
https://www.youtube.com/watch?v=N8bjJf3Q5mE
The Fall live au Glastonbury Festival (2015) :
https://www.youtube.com/watch?v=MVupLNiSJDs
Une légende du post-punk n’est plus (Angleterre)
Une page importante du post-punk se tourne : Mark E. Smith, chanteur et leader du groupe britannique The Fall (en référence à La Chute d’Albert Camus) est décédé le 24 janvier 2018. Il avait 60 ans. Jusqu’ici, Mark E. Smith reste une grande figure du mouvement post-punk des années 80, et son groupe est culte, certes avec un succès commercial plutôt modeste mais avec une solide base de fidèles adeptes...
En 1976, Mark E. Smith, un amateur de la littérature, décide de se lancer dans la musique, joue d’abord dans des formations locales de heavy metal, mais ses goûts musicaux penchent pour le rock expérimental de groupes comme Can, Faust, ou le Velvet Underground. Ensuite, il fonde son propre groupe, The Fall, originaire de Prestwich/Manchester, au nord de l‘Angleterre. A ses débuts associé avec le punk des Sex Pistols et des Buzzcocks à la fin des années 70, le groupe a depuis aspiré un large spectre de styles musicaux dont un rock atonal, peu mélodique et presque cacophonique, à une musique plus accessible à partir des années mi-80. Toutefois, le groupe n’a jamais abandonné son côté expérimental. D’autres traits caractéristiques de la musique de The Fall sont la répétition rythmique, le son de guitare abrasif et notamment des paroles cryptiques, furibondes, mordantes, empoisonnées, misanthropes de Mark E. Smith, sans oublier son chant très particulier, un parlé-chanté nasillard, reconnaissable entre mille. Ses textes à la fois réalistes, surréalistes et absurdes, sa poésie abstraite et crasse...
Ce produit de Mark E. Smith a publié plus de 30 albums studio sortis en quarante ans, mais est aussi tristement célèbre pour ses multiples changements de musiciens lors de sa carrière : une soixantaine de guitaristes, bassistes et batteurs ont été "épuisés". Le seul membre permanent, l’irascible Mark E. Smith. A côté de son activité au sein du The Fall, Mark E. Smith a édité deux albums solo qui sont plus des lectures : The Post-Nearly Man (1988) et Pander! Panda! Panzer! (2002). En outre, il a publié régulièrement des tribunes dans des journaux comme le New Musical Express (NME), en 2009 son autobiographie Renegade, the Lives and Tales of Mark E. Smith.
L’ex-bassiste de Joy Division puis de New Order le décrit : "Mark était un homme bizarre. [...] Il avait toujours son groupe à l'esprit, comme Ian Curtis, le chanteur de Joy Division. Beaucoup de gens vous diront que c'était un personnage difficile mais la plupart des génies ont des caractères difficiles pour une raison ou une autre, et lui était un vrai génie punk. Il n'y a personne pour prendre la place de Mark E. Smith, personne, c'était un personnage absolument unique et lui, et The Fall, vont manquer à la musique".
40 ans d‘existence et plus de 80 albums studio et live, compilations et eps, d’innombrables tournées autour du monde, The Fall est l’un des groupes les plus prolifiques et endurants de sa génération, et surtout l’un des plus influents : toute une génération de musiciens et groupes underground se réclament de son influence dont Sonic Youth, Minuteman, The Teardrop Explodes, Happy Mondays, Pavement et beaucoup beaucoup d‘autres...
J’avais vécu The Fall trois ou quatre fois en concert : des mémoires inoubliables. Quel bonheur !
Discographie (albums recommandables) :
1979 : Live at the Witch Trials 1979 : Dragnet 1980 : Grotesque (After the Gramme) 1981 : Slates 1982 : Hex Enduction Hour 1984 : Perverted by Language 1985 : The Wonderful and Frightening World of The Fall 1986 : This Nation's Saving Grace 1987 : Bend Sinister 1988 : The Frenz Experiment 1988 : I Am Kurious Oranj 1993 : The Infotainment Scan 2005 : The Complete Peel-Sessions 1978-2004 2010 : Your Future Our Clutter 2013 : Re-Mit
Vidéos :
The Fall : "Garden" (1983)
https://www.youtube.com/watch?v=OMJJmdlZoPw
The Fall : "The Container Drivers" (1980)
https://www.youtube.com/watch?v=N8bjJf3Q5mE
The Fall live au Glastonbury Festival (2015) :
https://www.youtube.com/watch?v=MVupLNiSJDs
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La musique cubaine distribuée par Sony
EGREM qui posséde les droits sur plus de 10 000 oeuvres musicales Cubaines, vient de signer un accord de distribution avec la Compagnie SONY.
On retrouve dans ce catalogue tous les musiciens cubains de Benny Moré à Los Van Van
Toutes ces oeuvres seront distribuées sur les principales plateformes numériques
Pour les amateurs des diffferents types de musiqueslatino cha cha cha , Mambo, salsa etc c'est une ouverture formidable
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Cours de guitare à Trinidad et Tobago
Bonjour à tous et bonne année
Je serai 4 mois à Trinidad Tobago à partir du 9 janvier Pour un séjour linguistique. Voilà, je cherche à faire des cours de guitare en plus, quelq'un connaît il un professeur ou une école à Port or Spain ? Merci d'avance de prendre le temps de me répondre
Cordialement
Mycastafiore
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Concerts de musique traditionnelle à Katmandou?
Bonjour, je serai à KTM à la fin de la semaine. Quelqu'un sait-il où écouter de bons concerts de musique traditionelle, pas réservés aux touristes ? C'est assez facile à New Delhi, en consultant le journal local, est-ce le cas à KTM ? Bix
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Et pourquoi pas un voyage musical à Montluçon...
Bonjour,
Je vous invite, si vous passez par là, à Montluçon, à venir voir le musée des musiques populaires ( MUPOP ) qui regroupe une quantité incroyable d’instruments et d'objets du quotidien du 19 ème à nos jours ( vielles, cornemuses, guitares+++ etc...) mises en scène nombreuses.
Un voyage donc, dans notre temps d'avant, telle que la reconstitution avec des objets authentiques de la chambre des années 60 !!!
Je vous joint en photo la batterie des Beatles ( exposition temporaire en ce moment sur les batteries ) Bon voyage vers chez moi, cordialement
Je vous joint en photo la batterie des Beatles ( exposition temporaire en ce moment sur les batteries ) Bon voyage vers chez moi, cordialement
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Cherche groupe de musique canadien
bonjour les voyageurs
je suis sur mon vélo depuis mi mai et maintenant au nord de la norvège
le samedi soir 28 mai vers 22h - 23 h , j'écoutais une émission de france dans la tente au fond des bois
incapable de retrouver cette émission en scoutant le site de cette radio -- j'arrive bien à revenir sur la date mais ne peut afficher le programme du 28 mai
cette soirée était consacrée à un groupe canadien fascinant .. musique style rock - psychédélique - gothique ( je crois ) , un peu genre siouxie and the banshees en plus hard avec de longs riffs trainant de guitares
pouvez-vous m'aider à trouver le nom du groupe et comment réécouter ou podcaster je pense que le podcast n'est pas possible car les émisions musique cherchent à protèger les droits des artistes
un gros ( mais alors un gros ) merci pour votre aide
janick dans des îles où le soleil refuse de se couche même tard
je suis sur mon vélo depuis mi mai et maintenant au nord de la norvège
le samedi soir 28 mai vers 22h - 23 h , j'écoutais une émission de france dans la tente au fond des bois
incapable de retrouver cette émission en scoutant le site de cette radio -- j'arrive bien à revenir sur la date mais ne peut afficher le programme du 28 mai
cette soirée était consacrée à un groupe canadien fascinant .. musique style rock - psychédélique - gothique ( je crois ) , un peu genre siouxie and the banshees en plus hard avec de longs riffs trainant de guitares
pouvez-vous m'aider à trouver le nom du groupe et comment réécouter ou podcaster je pense que le podcast n'est pas possible car les émisions musique cherchent à protèger les droits des artistes
un gros ( mais alors un gros ) merci pour votre aide
janick dans des îles où le soleil refuse de se couche même tard
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Une guitare rend hommage à la kora (Afrique du Sud, Mali)
"It's hard to imagine a more impressive and passionate rendering of Malian music on classical guitar." (Banning Eyre, Afropop Worldwide)
Répertoire mandingue retranscrit en guitare classique
Quelle prouesse ! Le guitariste sud-africain Derek Gripper réussit à transcrire avec brio le répertoire de kora pour la guitare classique à six cordes et fait ainsi entrer la guitare africaine dans le courant classique...
On se raconte : après avoir écouté les premiers enregistrements de guitare, le virtuose de kora, Toumani Diabaté, demande la productrice Lucy Durán d'attester qu’elle avait effectivement vu une seule personne jouer cette musique sur une seule guitare. Par la suite, Toumani Diabaté invite Gripper à collaborer avec lui au Mali et à se produire dans la foulée au Festival Acoustik de Bamako au début 2016. Gripper joue également à différentes reprises à Londres avec la légende de la guitare classique, John Williams, et avec l'incroyable Debashish Bhattacharya en tant que joueur de slide guitare indien, avec lequel il continue à collaborer cette année.
Gripper commence sa formation musicale à l'âge de 6 ans sur le violon d'abord. Après avoir étudié la musique classique au Cap pendant 13 ans, il recherche de nouveaux défis musicaux. Cette recherche le mène au sous-continent indien, où il étudie la musique carnatique de l'Inde du Sud. Après son retour, il se concentre sur la guitare en essayant de trouver une nouvelle direction pour son instrument. Il s'absorbe dans la musique à plusieurs couches d'Olivier Messiaen et dans les structures polyrythmiques de la musique répétitive de Steve Reich, ainsi que dans la musique de J.S. Bach. Gripper s'inspire également du compositeur et guitariste brésilien Egberto Gismonti.
Ses projets musicaux les plus récents incorporent des transcriptions et des improvisations centrées autour les œuvres des compositeurs-interprètes africains, tels que Madosini (Afrique du Sud), Ali Farka Touré, Ballaké Sissoko, Salif Keïta et Fanta Sacko (tous Mali) et Amadu Bansang Jobarteh (Gambie), ainsi que ses propres compositions basées sur la musique du Cap occidental de l'Afrique du Sud et au-delà. Dans son neuvième album, "One Night on Earth : Music from the Strings of Mali" (2012), enregistré lors d'une séance nocturne, Gripper explore l'incroyable richesse du patrimoine séculaire musical africain/malien, en retranscrivant magistralement pour la guitare classique des compositions de kora. Un véritable régal pour les oreilles, un exploit prodigieux que John Williams pensait "totalement impossible jusqu’au moment où j’ai entendu Derek Gripper le faire."
Gripper continue à explorer la ligne entre improvisation et interprétation classique, en appliquant des leçons qu'il a apprises des grands maîtres d'Afrique, et telles comprises tout de la composition à l'interprétation de la musique de J.S. Bach.
Enjoy it, Hery
Vidéo 1 (Derek Gripper : NPR Music Tiny Desk Concert) :
https://www.youtube.com/watch?v=55QnOlXckOk
Vidéo 2 (Derek Gripper Live at the Slave Church, Cape Town) :
https://www.youtube.com/watch?v=TRhPRKz2EIQ
Répertoire mandingue retranscrit en guitare classique
Quelle prouesse ! Le guitariste sud-africain Derek Gripper réussit à transcrire avec brio le répertoire de kora pour la guitare classique à six cordes et fait ainsi entrer la guitare africaine dans le courant classique...
On se raconte : après avoir écouté les premiers enregistrements de guitare, le virtuose de kora, Toumani Diabaté, demande la productrice Lucy Durán d'attester qu’elle avait effectivement vu une seule personne jouer cette musique sur une seule guitare. Par la suite, Toumani Diabaté invite Gripper à collaborer avec lui au Mali et à se produire dans la foulée au Festival Acoustik de Bamako au début 2016. Gripper joue également à différentes reprises à Londres avec la légende de la guitare classique, John Williams, et avec l'incroyable Debashish Bhattacharya en tant que joueur de slide guitare indien, avec lequel il continue à collaborer cette année.
Gripper commence sa formation musicale à l'âge de 6 ans sur le violon d'abord. Après avoir étudié la musique classique au Cap pendant 13 ans, il recherche de nouveaux défis musicaux. Cette recherche le mène au sous-continent indien, où il étudie la musique carnatique de l'Inde du Sud. Après son retour, il se concentre sur la guitare en essayant de trouver une nouvelle direction pour son instrument. Il s'absorbe dans la musique à plusieurs couches d'Olivier Messiaen et dans les structures polyrythmiques de la musique répétitive de Steve Reich, ainsi que dans la musique de J.S. Bach. Gripper s'inspire également du compositeur et guitariste brésilien Egberto Gismonti.
Ses projets musicaux les plus récents incorporent des transcriptions et des improvisations centrées autour les œuvres des compositeurs-interprètes africains, tels que Madosini (Afrique du Sud), Ali Farka Touré, Ballaké Sissoko, Salif Keïta et Fanta Sacko (tous Mali) et Amadu Bansang Jobarteh (Gambie), ainsi que ses propres compositions basées sur la musique du Cap occidental de l'Afrique du Sud et au-delà. Dans son neuvième album, "One Night on Earth : Music from the Strings of Mali" (2012), enregistré lors d'une séance nocturne, Gripper explore l'incroyable richesse du patrimoine séculaire musical africain/malien, en retranscrivant magistralement pour la guitare classique des compositions de kora. Un véritable régal pour les oreilles, un exploit prodigieux que John Williams pensait "totalement impossible jusqu’au moment où j’ai entendu Derek Gripper le faire."
Gripper continue à explorer la ligne entre improvisation et interprétation classique, en appliquant des leçons qu'il a apprises des grands maîtres d'Afrique, et telles comprises tout de la composition à l'interprétation de la musique de J.S. Bach.
Enjoy it, Hery
Vidéo 1 (Derek Gripper : NPR Music Tiny Desk Concert) :
https://www.youtube.com/watch?v=55QnOlXckOk
Vidéo 2 (Derek Gripper Live at the Slave Church, Cape Town) :
https://www.youtube.com/watch?v=TRhPRKz2EIQ
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Je vous invite à découvrir Gaël Faye
Si ce n'est déjà fait: Gaël Faye.
http://www.youtube.com/watch?v=XTF2pwr8lYk Petit Pays.
http://www.youtube.com/watch?v=AYpaghNSbK4 Bouge à Buja.
http://www.youtube.com/watch?v=51VPtPLBK70 Président (feat Bonga).
http://www.youtube.com/watch?v=Au5k7NzUkIk Hope Anthem. (feat Milk Coffee & Sugar et Jali)
http://www.youtube.com/watch?v=fV4iLBFmNY4 Pili Pili sur un Croissant au Beurre.
http://www.youtube.com/watch?v=IXTKr0ElwhE Je pars.
et d'autres...
Beaux textes.
Bon voyage sur la route du Pili Pili: http://www.youtube.com/watch?v=bT9KjNNpbZU
http://www.youtube.com/watch?v=XTF2pwr8lYk Petit Pays.
http://www.youtube.com/watch?v=AYpaghNSbK4 Bouge à Buja.
http://www.youtube.com/watch?v=51VPtPLBK70 Président (feat Bonga).
http://www.youtube.com/watch?v=Au5k7NzUkIk Hope Anthem. (feat Milk Coffee & Sugar et Jali)
http://www.youtube.com/watch?v=fV4iLBFmNY4 Pili Pili sur un Croissant au Beurre.
http://www.youtube.com/watch?v=IXTKr0ElwhE Je pars.
et d'autres...
Beaux textes.
Bon voyage sur la route du Pili Pili: http://www.youtube.com/watch?v=bT9KjNNpbZU
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Une vie au rythme du balafon (Mali)
Néba Solo, le "génie du balafon"
Même s'il a remporté le premier Prix de Meilleur Balafoniste en 1995, même s'il est couronné du Prix de Meilleur Artiste du Mali en 1996, il est pourtant peu connu en dehors de la région. Ses albums sont diffusés localement et difficiles à trouver. Il a déjà joué aux Etats-Unis – y compris une visite à Harvard en 2006 – mais compte tenu d'une pléthore de superstars maliens sur le circuit de la World Music (Salif Kéïta, Toumani Diabaté, Oumou Sangaré, Bassékou Kouyaté pour n‘en nommer que quelques-uns), on a jusqu'ici refusé de lui (et de beaucoup d’autres) donner la reconnaissance méritée. De plus, son choix de balafon est celui qui n’est pas favorisé par les griots (jeli), les musiciens héréditaires étroitement associés à la tradition musicale malienne. Leur balafon est construit sur une échelle heptatonique (7 notes), pendant que lui préfère jouer de son "cousin" pentatonique (5 notes), longtemps méprisé par l'élite culturelle du Mali. Son nom : Néba Solo.
Souleymane Traoré, alias Néba Solo, voit le jour en fin des années 60 dans la région de Sikasso, au sud du Mali. Originaire d'une famille paysanne sénoufo, le petit Souleymane passe sa jeunesse dans le village de Nébadougou (qui lui donne son sobriquet). C'est là qu'il s’initie au balafon, par l'entremise de son père, un virtuose de balafon, et surtout réputé pour ses talents de facteur d'instruments qu'il conçoit pour les artistes locaux. Entre travaux agricoles et musique, le jeune homme se fait vite un nom à Nébadougou et environs. "J'ai appris le balafon depuis ma tendre enfance. Cela ne m'a pas empêché de tenter l'aventure. J'ai fait beaucoup de métiers. En fin 86, je me trouvais à Bamako ou j'étais employé par un maraîcher", se souvient-il. Parallèlement, il s'initie à divers instruments du pays comme le ngoni et le kamalengoni (instruments à cordes), le karignan et le cicaara (percussions) ou le djembé et le bara (tambours), donc plus ou moins tous les instruments traditionnels. Et il les joue autant qu’il les fabrique. Son attachement inconditionnel et sa connaissance des instruments traditionnels font sa force. "Ce sont ces instruments que je connais le mieux. J'ai beau maîtriser les instruments modernes, je ne peux pas mieux les connaître que ceux de ma société. C'est aux artistes maliens de valoriser et de faire la promotion de nos instruments traditionnels. J'ai aujourd'hui en projet, la construction à Sikasso, d'une école qui formera les jeunes pour qu'ils les connaissent et les maîtrisent", dit-il.
Néba Solo conforte son style et sa réputation au point d'être un sacré génie du balafon. Il faut dire que celui dont on dit qu'il joue "tellement vite qu'on croit que son instrument joue tout seul" a un style bien particulier. Un joueur qui a apporté le respect du balafon rural de son groupe ethnique sénoufo, et a également innové, construisant des balafons avec des clés supplémentaires pour les parties de basse et en inventant de nouveaux accords pour interagir avec des divers artistes africains, européens, américains et asiatiques : en 1999, il est de la tournée du spécialiste de la techno music française, le DJ Frédéric Galliano. En 2003, il croise sa musique sénoufo avec celle, persane, des Iraniens du Trio Chemirani.
"Je me suis beaucoup appuyé sur la basse que j’ai amélioré pour rendre le rythme attrayant et dansant. Pour cela j’ai ajouté à l’instrument trois grosses lamelles", souligne-t-il. Si cet exploit lui a valu une distinction particulière, il n’était pas du goût de tout le monde à commencer par son père, qui craignait que son fils ne dénature l’instrument fétiche des Sénoufos. Mais par la suite, la permission a été accordée et il a dû reconnaître la réussite de l’initiative de son héritier. Son objectif de "prouver qu’on peut obtenir tous les rythmes et toutes les sonorités avec le balafon" est atteint.
Solo est également un chanteur, inhabituel pour un joueur de balafon (balafɔla en bambara). Ses chansons sont composées à la gloire des cultivateurs, des forgerons ou de la vaccination des nourrissons. Elles nous viennent du fond des terroirs du Mali. D’après son opinion, il est inutile de chanter si vous ne transmettez pas de message à la société. Ainsi, Solo a le souci d’être efficace et d’atteindre le public le plus large. Par conséquent, le virtuose du balafon chante de nombreuses chansons en langue bamabra, la plus répandue et la plus importante au Mali mais aussi en sa langue maternelle, le sénoufo.
Le succès de Néba Solo commence à partir de son coup de génie à avoir accordé son balafon avec d'autres instruments modernes et traditionnels. Sa manière de jouer est surprenante, sa rapidité est telle qu’on a l’impression que le balafon joue tout seul. "A lui tout seul, il joue comme un orchestre”, disent de lui de nombreux musiciens. Certains critiques estiment même que Néba Solo est un sorcier du balafon. Sa technique innovante de l’instrument est exceptionnelle.
Les rythmiques envoûtantes et les subtiles variations de l’artiste autour de thèmes répétitifs sont d’une incroyable modernité. Le mélomane croirait entendre une techno acoustique où les basses métalliques et les crissements des puces électroniques auraient été remplacés par d’harmonieux frottements boisés et des bruissements syncopés de coquillages. Cette techno est dénuée de tensions urbaines. Elle donne l’impression de laisser suffisamment de place entre les boucles étourdissantes. Ainsi s’élève libre et fier le chant nasal mais gorgé de soul de Souleymane Traoré. (maliweb.net)
Discographie : https://rateyourmusic.com/artist/neba_solo
Hery
Vidéo 1 : Chérif Kéïta (https://apps.carleton.edu/profiles/ckeita/), accompagné par quelques étudiants de lui, rend visite à Néba Solo dans sa cour...
https://www.youtube.com/watch?v=JWm70T0SdjM
Vidéo 2 : Mondomix présente : Néba Solo
https://www.youtube.com/watch?v=g1qG8MISdIM
Vidéo 3 : Néba Solo & son groupe en concert à Harvard, Etats-Unis :
https://www.youtube.com/watch?v=4wXgrE7aVzo
Même s'il a remporté le premier Prix de Meilleur Balafoniste en 1995, même s'il est couronné du Prix de Meilleur Artiste du Mali en 1996, il est pourtant peu connu en dehors de la région. Ses albums sont diffusés localement et difficiles à trouver. Il a déjà joué aux Etats-Unis – y compris une visite à Harvard en 2006 – mais compte tenu d'une pléthore de superstars maliens sur le circuit de la World Music (Salif Kéïta, Toumani Diabaté, Oumou Sangaré, Bassékou Kouyaté pour n‘en nommer que quelques-uns), on a jusqu'ici refusé de lui (et de beaucoup d’autres) donner la reconnaissance méritée. De plus, son choix de balafon est celui qui n’est pas favorisé par les griots (jeli), les musiciens héréditaires étroitement associés à la tradition musicale malienne. Leur balafon est construit sur une échelle heptatonique (7 notes), pendant que lui préfère jouer de son "cousin" pentatonique (5 notes), longtemps méprisé par l'élite culturelle du Mali. Son nom : Néba Solo.
Souleymane Traoré, alias Néba Solo, voit le jour en fin des années 60 dans la région de Sikasso, au sud du Mali. Originaire d'une famille paysanne sénoufo, le petit Souleymane passe sa jeunesse dans le village de Nébadougou (qui lui donne son sobriquet). C'est là qu'il s’initie au balafon, par l'entremise de son père, un virtuose de balafon, et surtout réputé pour ses talents de facteur d'instruments qu'il conçoit pour les artistes locaux. Entre travaux agricoles et musique, le jeune homme se fait vite un nom à Nébadougou et environs. "J'ai appris le balafon depuis ma tendre enfance. Cela ne m'a pas empêché de tenter l'aventure. J'ai fait beaucoup de métiers. En fin 86, je me trouvais à Bamako ou j'étais employé par un maraîcher", se souvient-il. Parallèlement, il s'initie à divers instruments du pays comme le ngoni et le kamalengoni (instruments à cordes), le karignan et le cicaara (percussions) ou le djembé et le bara (tambours), donc plus ou moins tous les instruments traditionnels. Et il les joue autant qu’il les fabrique. Son attachement inconditionnel et sa connaissance des instruments traditionnels font sa force. "Ce sont ces instruments que je connais le mieux. J'ai beau maîtriser les instruments modernes, je ne peux pas mieux les connaître que ceux de ma société. C'est aux artistes maliens de valoriser et de faire la promotion de nos instruments traditionnels. J'ai aujourd'hui en projet, la construction à Sikasso, d'une école qui formera les jeunes pour qu'ils les connaissent et les maîtrisent", dit-il.
Néba Solo conforte son style et sa réputation au point d'être un sacré génie du balafon. Il faut dire que celui dont on dit qu'il joue "tellement vite qu'on croit que son instrument joue tout seul" a un style bien particulier. Un joueur qui a apporté le respect du balafon rural de son groupe ethnique sénoufo, et a également innové, construisant des balafons avec des clés supplémentaires pour les parties de basse et en inventant de nouveaux accords pour interagir avec des divers artistes africains, européens, américains et asiatiques : en 1999, il est de la tournée du spécialiste de la techno music française, le DJ Frédéric Galliano. En 2003, il croise sa musique sénoufo avec celle, persane, des Iraniens du Trio Chemirani.
"Je me suis beaucoup appuyé sur la basse que j’ai amélioré pour rendre le rythme attrayant et dansant. Pour cela j’ai ajouté à l’instrument trois grosses lamelles", souligne-t-il. Si cet exploit lui a valu une distinction particulière, il n’était pas du goût de tout le monde à commencer par son père, qui craignait que son fils ne dénature l’instrument fétiche des Sénoufos. Mais par la suite, la permission a été accordée et il a dû reconnaître la réussite de l’initiative de son héritier. Son objectif de "prouver qu’on peut obtenir tous les rythmes et toutes les sonorités avec le balafon" est atteint.
Solo est également un chanteur, inhabituel pour un joueur de balafon (balafɔla en bambara). Ses chansons sont composées à la gloire des cultivateurs, des forgerons ou de la vaccination des nourrissons. Elles nous viennent du fond des terroirs du Mali. D’après son opinion, il est inutile de chanter si vous ne transmettez pas de message à la société. Ainsi, Solo a le souci d’être efficace et d’atteindre le public le plus large. Par conséquent, le virtuose du balafon chante de nombreuses chansons en langue bamabra, la plus répandue et la plus importante au Mali mais aussi en sa langue maternelle, le sénoufo.
Le succès de Néba Solo commence à partir de son coup de génie à avoir accordé son balafon avec d'autres instruments modernes et traditionnels. Sa manière de jouer est surprenante, sa rapidité est telle qu’on a l’impression que le balafon joue tout seul. "A lui tout seul, il joue comme un orchestre”, disent de lui de nombreux musiciens. Certains critiques estiment même que Néba Solo est un sorcier du balafon. Sa technique innovante de l’instrument est exceptionnelle.
Les rythmiques envoûtantes et les subtiles variations de l’artiste autour de thèmes répétitifs sont d’une incroyable modernité. Le mélomane croirait entendre une techno acoustique où les basses métalliques et les crissements des puces électroniques auraient été remplacés par d’harmonieux frottements boisés et des bruissements syncopés de coquillages. Cette techno est dénuée de tensions urbaines. Elle donne l’impression de laisser suffisamment de place entre les boucles étourdissantes. Ainsi s’élève libre et fier le chant nasal mais gorgé de soul de Souleymane Traoré. (maliweb.net)
Discographie : https://rateyourmusic.com/artist/neba_solo
Hery
Vidéo 1 : Chérif Kéïta (https://apps.carleton.edu/profiles/ckeita/), accompagné par quelques étudiants de lui, rend visite à Néba Solo dans sa cour...
https://www.youtube.com/watch?v=JWm70T0SdjM
Vidéo 2 : Mondomix présente : Néba Solo
https://www.youtube.com/watch?v=g1qG8MISdIM
Vidéo 3 : Néba Solo & son groupe en concert à Harvard, Etats-Unis :
https://www.youtube.com/watch?v=4wXgrE7aVzo
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Vidéos de musique de Cebu
j y retrouve toute l energie de cebu city, je lui souhaite du succes
https://www.youtube.com/watch?v=1zyXkcnL_z8
https://www.youtube.com/watch?v=qFittFuFdQE
https://www.youtube.com/watch?v=1zyXkcnL_z8
https://www.youtube.com/watch?v=qFittFuFdQE
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Recherche d'une chanson Québécoise
Bonjour, je cherche le nom d'une chanson quebecoise et de son artiste que j'entends jouer presqu'a tous les été à la radio depuis quelque année.
Je sais que les paroles du refrain son les suivantes : " il fait beau, il fait chaud et on est Bien au bord de l'eau.. Michel embarqué sa 24..."
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Musique de Hisham Abbas "Habitha" en live
Bonsoir. S'il vous plaît j'aimerais savoir par exemple sur quel site cette musique de Hisham Abbas titrée "habitha" est publié en "live" car quand j'étais plus jeune je l'ai entendue à la cassette cassette après la piste de Dawaba chanté par Hassan el Asmar. Merci de regarder si il y a cette musique de Hisham Abbas en "live". :/
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Aide pour comprendre cette sublime chanson d'Aylen Lecot - "Qué mas da?"
Bonjour,
Quelqu'un peut il m'aider en me donnant les paroles de cette superbe chanson "Aylen Lecot - Qué mas da?". Ce n'est pas la chanson Qué mas da habituelle qui est très connue. C'en est une autre, écrite par Aylen Lecot. Elle est très belle mais je n'arrive pas à comprendre toutes les paroles. Ce n'est pas la peine de traduire, je souhaiterai connaître les paroles en espagnol. Merci beaucoup de votre aide.
Quelqu'un peut il m'aider en me donnant les paroles de cette superbe chanson "Aylen Lecot - Qué mas da?". Ce n'est pas la chanson Qué mas da habituelle qui est très connue. C'en est une autre, écrite par Aylen Lecot. Elle est très belle mais je n'arrive pas à comprendre toutes les paroles. Ce n'est pas la peine de traduire, je souhaiterai connaître les paroles en espagnol. Merci beaucoup de votre aide.
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Cherche références de musique slave traditionnelle polonaise et hongroise
Bonjour,
Je cherche des références de musique traditionnelle slave particulièrement instrumentale, surtout polonaise et hongroise. Pourriez-vous me conseiller ? Je vous remercie par avance. Par ailleurs, je lance un petit test vos musiques de film préférées ?
Pour moi, 1) The mission, Ennio Morricone 2) Bodyguard 3) The chariot of fire, Vangelis 4) Les choristes 5) BO de Va, vis, deviens
Musicalement! Emilie
Je cherche des références de musique traditionnelle slave particulièrement instrumentale, surtout polonaise et hongroise. Pourriez-vous me conseiller ? Je vous remercie par avance. Par ailleurs, je lance un petit test vos musiques de film préférées ?
Pour moi, 1) The mission, Ennio Morricone 2) Bodyguard 3) The chariot of fire, Vangelis 4) Les choristes 5) BO de Va, vis, deviens
Musicalement! Emilie
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Boutiques de vente CD en Inde
salut. Je connaissais un magasin à mumbai et un autre a kolkata. Les 2 supers, mais ils ont fermé. Sur place non plus de renseignements .Donc voilà , quelqu'un dans ces 2 villes, ou a chennai ou kotchi, goa, connaît-il des boutiques où sont en vente les cd ou mp3 de qualité de musique classique et traditionnelle de l'inde?
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Concerto d'Aranjuez en Europe
Bonjour à tous,
Je suis à la recherche du concerto d'Aranjuez en Europe. Merci à toux ceux qui ont une info à me communiquer. Je sais qu'un orchestre philharmonique se produit à Londres le 4 octobre, mais c'est beaucoup trop tard pour les réservations
Cordialement
Je suis à la recherche du concerto d'Aranjuez en Europe. Merci à toux ceux qui ont une info à me communiquer. Je sais qu'un orchestre philharmonique se produit à Londres le 4 octobre, mais c'est beaucoup trop tard pour les réservations
Cordialement
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Vidéo: "Salif, Souleymane, Toumani: music from the heart of Mali"
Deux Kéïtas en interview
Cheick M. Chérif Kéïta, originaire du Mali et aujourd'hui professeur d’université à Carleton College dans le Minnesota/US, interviewe son ami d’enfance, le grand Salif Kéïta. Mais pas d’interview sans de la musique : accompagné par Souleymane "Solo" Doumbia (djembé) et Toumani Diabaté (kora), Salif Kéïta (guitare acoustique) présente le top 3 de ses plus belles chansons : Abédé (de l'album "Papa"), Tekere (de l'album "Folon") et Folon. Enjoy it...
https://vimeo.com/channels/ntv26
Hery
Cheick M. Chérif Kéïta, originaire du Mali et aujourd'hui professeur d’université à Carleton College dans le Minnesota/US, interviewe son ami d’enfance, le grand Salif Kéïta. Mais pas d’interview sans de la musique : accompagné par Souleymane "Solo" Doumbia (djembé) et Toumani Diabaté (kora), Salif Kéïta (guitare acoustique) présente le top 3 de ses plus belles chansons : Abédé (de l'album "Papa"), Tekere (de l'album "Folon") et Folon. Enjoy it...
https://vimeo.com/channels/ntv26
Hery
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Chanson "Hey mister Dukkha"
Bonjour à tous,
J'ai visité la Birmanie en août 2013 et une chanson passait régulièrement dans les bus de nuit que j'ai pris. Elle a fini par bien me plaire et je cherche depuis régulièrement à la retrouver, sans succès. Je ne me souviens que d'une phrase du refrain: "hey mister dukkha" (répété 2 fois)
Quelqu'un.e saurait qui est l'interprète de cette chanson et/ou connaitrait le nom de celle-ci?
Je vous serais infiniment reconnaissante!
J'ai visité la Birmanie en août 2013 et une chanson passait régulièrement dans les bus de nuit que j'ai pris. Elle a fini par bien me plaire et je cherche depuis régulièrement à la retrouver, sans succès. Je ne me souviens que d'une phrase du refrain: "hey mister dukkha" (répété 2 fois)
Quelqu'un.e saurait qui est l'interprète de cette chanson et/ou connaitrait le nom de celle-ci?
Je vous serais infiniment reconnaissante!
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Musique pour faire le film de Thaïlande 2016
Bonjour , j ai passer deux super bonne vacances en thaillande, mais voila j ai pris pas mal de photo ainsi j ai filmer pas mal , mais je cherche de la musique thaïlandaise pour faire mon film de video ainsi mes photos , merci de me dire ou je peux acheter les dvd de musique ,
bonne soirée liliane
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