Bonjour tout le monde

Si vous êtes intéressé(e)s par la musique iranienne, cette présentation courte peut vous donner des idées sur cette musique. Il s’agit ici de la musique ancienne de l’Iran, qui peut être considérée comme un pair pour la poésie ancienne persane. Les noms des pièces de cette musique se trouvent dans les poésies de Molânâ, Sa’di, Hâfez et … et les livres qui expliquent sa théorie, datent plus de 7 siècles (et même mille ans). Aujourd’hui il existe bien sûr des nouvelles musiques venues de l’occident qui se chantent en farsi, dont on ne parle pas ici.

Ce n’est pas facile de donner un adjectif précis à la musique en Iran. L’adjectif « iranienne » peut être remplacé par « nationale », « traditionnelle », « persane », « officielle » ou « dastgâhi ». Ce dernier peut bien qualifier la structure de cette musique qui est basée sur les 7 Dastgâh, intitulés : Chour (ici « ch » se prononce comme "ch" en general du français, et « sh » en anglais, et non pas « k » comme quelques cas semblables en français), Segâh, Tchahârgâh, Mâhour, Homâyoun, Navâ, Râstpandjgâh (tous les derniers lettres dans les noms des dastgâh se prononcent).

Dastgâh contient quelques modes, et chaque mode contient des Gouché : de petites pièces ayant des spécifications mélodiques ou rythmiques. Si chaque dastgâh a plus de 20 gouché, mais il existe aussi de petits ensembles des gouché qui s’appellent Âvâz : une structure semblable à (et dérivée de) dastgâh. Mais tous les dastgâh n’ont pas d’âvâz : Homâyoun en a un seul, intitulé "Bayâté Esfahan", et les 4 (ou 5 selon quelques versions) autres sont dérivés de Chour : Abou-Atâ, Afchâri, Dachti, Bayâté Tork (et le cinquième "Bayâté Kord"). Il ne faut pas confondre ces deux mots semblables, ayant des significations différentes: "âvâz" (dérivé de dastgâh) avec "âvaz" (qui désigne la forme vocale de la musique engénéral).

Tous ces dastgâh et leurs âvaz forment un répertoire musical nommé Radif, qui dans un système oral (apprendre par cœur, et non pas écrit) simplifie l’apprentissage de la musique dastgâhi.

Il y a deux sortes de Radif : Radif-é Sâzi (concernant la musique instrumentale et contenant 250-300 gouché) et Radif-é Âvâzi (concernant la musique vocale et ayant plus de 120 gouché).

En travaillant sur une seule phrase musicale ou bien un petit gouché par semaine, le fait d’apprendre l’ensemble de Radif peut durer plus de 7 ans, selon le maitre, l’intelligence d’élève, et la version de Radif : enfin chaque grand maître a sa propre version, avec des pièces plus ou moins enrichies et élargies.

Quand vous serez en Iran, et précisément à Isfahân, vous pouvez participer à mes cours pour bien connaitre cette musique et ses instruments, et même (pourquoi pas!) apprendre un petit gouché, comme un souvenir musical de l’Iran.

Amicalement Rassoul

Bonjour, 🙂

Je prépare actuellement un voyage dans les états du Sud-ouest US. (Arizona, Vouveau-Mexique, Colorado, Nevada, Utah, Californie) 3 ou 4 semaines en voiture, seul.

Je cherche des conseils en matière de musique Folk/Folk-rock (pas country...) pour accompagner ce voyage solitaire dans les grandes étendues désertiques.😛

Bon, je connais bien un peu Bob Dylan, Neil Young. Plus récemment, j'ai beaucoup aimé Damien Rice. Mais même si j'apprécie cette musique, je n'y connais pas grand chose.

bref, j'ai besoin de conseils. Surtout des ballades. Des trucs plutôt récents. Mais n'importe... Des trucs qui vont bien pour la route.

Je vous remercie pour votre aide 🙂

Chant religieux de la poesie "soufie", le qawwali se caracrerise par l' usage de voix masculines fortes faisant alterner solo et choeur, repetitions et impro par le soutien vigoureux de tambours et de claquements de mains .

Apres le genie de "NUSRAT FATEH ALI KHAN " la nouvelle grande voix du qawwali se nomme " FAIZ ALI FAIZ ".

Chanter le désert: Tamikrest (Kidal, Mali)

Si la zone semi-désertique du Sahel est marquée par une extrême sécheresse, cette caractéristique ne s’applique pas à son output musical du tout : A partir de TINARIWEN, ensemble de nomades, formé dans les camps de réfugiés libyens durant les années 80 qui mêle guitares électriques et poésie traditionnelle, au groupe de femmes, TARTIT, en passant par le « blues » sahélien du grand ALI FARKA TOURÉ, le nord du Mali ne cesse de regorger des artistes talentueux dont la musique enrichit tant les oreilles occidentales. Le plus nouveau régal : TAMIKREST, groupe post-tinariwen dont le premier album, Adagh, un coup de maître vraiment, rend hommage à l’Adagh des Ifoghas, une des plus belles régions du Sahara et patrie du jeune septuor ...

L'histoire de Tamikrest (« nœud ; union » en langue tamasheq) commence à Kidal, capitale de la 8ème région du Mali, autour d’un thé, comme il se doit. Les jeunes membres du groupe représentent la nouvelle vague des ishumar, ceux qui étaient enfants pendant la dernière grande rébellion et sont aujourd’hui en âge de faire de la musique. Leur musique est enracinée dans la lignée du rock ishumar (musique des rebelles touaregs), emprunté d’infuences diverses (dont le rap, la pop maghrebine, le métal, l'afro-pop du Côte d'Ivoire) ; Ousmane Ag Mossa, le leader et compositeur de Tamikrest, a entendu nombreux styles de musique, Bob Marley, Dire Straits, Led Zeppelin, Neil Young, et notamment la guitare rebelle de sa grande idole, le charismatique guitariste de Tinariwen, Ibrahim Ag Alhabib. Leurs guitares se teintent de sonorités rock, la batterie remplace la percussion, et des influences arabes sont perceptibles et tonitruantes.

Les sept musiciens de Kidal, cinq hommes et deux femmes, tous dans les vingt-cinq ans, conduisent – au moyen d‘un groove hypnotique (p.ex. dans « Amidini » et « Tamiditin »), d’un jeu de guitare magique (écoutez l'intro dans « Aratane N’Adagh » !!!), et de leurs chansons intenses – la tradition dans un nouvel avenir ; les chansons de l‘album respirent la magie et la fascination du désert, et, en particulier, rendent témoignage de la dure réalité politique au nord du Mali et de la lutte interminable pour la liberté et l’autonomie du peuple touareg : les Touaregs ou, à proprement parler, les Kel Tamasheq (« qui parlent le tamasheq ») ne sont qu’un des nombreux peuples africains oubliés après les désastres de la colonisation. Leur territoire divisé entre le Mali, le Niger, l'Algérie, la Libye et le Burkina Faso, leur identité niée, leur communauté discriminée, sont autant d'agressions qui ont poussé les nomades à régulièrement se révolter. Des sécheresses, du racisme, le manque de l’éducation scolaire et les guerres ne sont que les quelques problèmes, avec qui leur peuple doit mener un dur combat. Ousmane Ag Mossa traite ces thèmes, les met en musique et les chante, puis proteste doucement sans se transformer en rebelle. « Notre but est de faire entendre au monde entier à travers nos chansons révolutionnaires, les conditions de vie que subit le peuple touareg. La musique de TAMIKREST chante aussi le désert, auquel les Touaregs tiennent tant, elle chante l’amour, parle de la bonté et de la beauté du monde nomade » (Ousmane Ag Mossa).

Une chanson extraordinaire, accusante et lyrique à la fois, est « Aratane N’Adagh » dans laquelle Ousmane chante la plus grande peur des enfants de l’Adagh : leur manque de connaissance. Du feedback discret, de la percussion molle, du subtil picking de guitare accompagnent la triste voix d’Ousmane, voix toujours portée d’une mélodique orientale :

Oh! Qu’ils font pitié les enfants de l’Adagh, Qu’ils font pitié ces enfants. Depuis qu’ils sont nés, ils souffrent Et ne vivent que dans la sécheresse. Les villes étrangères les soutiennent, Lyon et Les Ulis leur donnent de l’aide. Luttons contre l’ignorance qui accable les Enfants de l'Adagh Car leur plus grand souci est le manque de Connaissance.

Malgré toutes les plaintes dans les chansons, la résignation ne prend jamais le dessus. La musique, tout en poésie, est remplie plutôt d’une aure de « Yes. We can », le plus fort dans la chanson « Alhorya » :

On a toujours di et on le dira encore : On obtiendra la liberté même si on laisse des orphelins. On ne vend pas et on n’achête pas nos terres. La liberté sera l’héritage. Chacun de vous entend ce que je dis. Vous savez bien que c’est la liberté, La liberté de voir mon peuple trouver son Indépendance.

« Adagh » est, pour un début, un album assez parfait d’un si jeune groupe. Malgré la « proximité » stylistique de Tinariwen, ces jeunes n’ont pas créé une copie, mais un ouvrage qui continue et développe les pensées de leurs idoles, Tinariwen. Bilan : un groupe prometteur a produit un grandios! album qui est à recommander inconditionnellement.

Assurez-vous de cette musique hypnotique et poétique, elle mérite une écoute plus qu’attentive !

Tamikrest sont : Ousmane Ag Mossa (lead guitare, chant), Aghaly Ag Mohamadine (batterie, percussions, chant), Cheicke Ag Tigly aka Pino (basse, chant), Mossa Ag Borayba (guitare, chant), Mossa Ag Ahmed (guitare, chant), Fatma Walette Cheicke & Bassa Walette Abdamou (chants, claquement de mains).

CD : Tamikrest, Adagh (Glitterhouse/Differ-Ant Distribution), 2010

MySpace : http://www.myspace.com/tamikrest

hgb

salut tout le monde,

Voilà, à mon avis le rap marocain est le meilleur rap arabe (étant marocaine je suis probablement pas très objectif mais😉) mes préférés sont :muslim (ou moutamarid), h-kayn et fnair.

Que pensez vous?😄

Bonjour, À noter que la semaine dernière est sortie sur les radios québécoises la chanson "Tirage au Sort". C'est une chanson en français, chantée par un groupe originaire de New York: The Ever After. Voici le genre de collaboration intéressante qui parfois se produit en terre québécoise et dont voici le vidéoclip. https://www.youtube.com/watch?v=pp6uX_DjiQg

MUSAFIR Les gitans du Rajasthan Mardi 04 et mercredi. 05 septembre 2007

Aux sources de l'art gitan avec les nomades du Rajasthan, Musafir propose une musique subtile, ethnique et spirituelle, aux confluents des cultures gitanes, hindoues et musulmanes. Réunissant des musiciens de la plus ancienne tradition du Désert du Thar (désert situé près du Rajasthan en Inde), des danseuses Kalbelia Sapera du berceau du peuple tsigane, et des fakirs de contrées lointaines, Musafir mêle poésie, chants sacrés Hindous, Sufis, mélodies et rythmes envoûtants, danses hypnotiques et acrobaties. Un spectacle authentique et fascinant, sonore et visuel, rythmé et coloré qui est une véritable féerie. Un retour sur la scène du SATELLIT Café, (qu’ils avaient déjà fréquenté d’ailleurs) très attendu. Si vous voulez de plus amples informations, vous pouvez aller sur leur site :

http://www.satellit-cafe.com/public/page.tpl?art=21251

Bon rendez-vous musical Jasmine

Bonjour !

Je viens de voir sur le site d'un artiste québécois que j'adore, qu'il présentait des spectacles à Paris les 24, 25 et 26 avril, au Café de la danse. Il s'agit de Pierre Lapointe Si vous avez envie de voir un très beau show, découvrir un auteur-compositeur-interprète plus que talentueux et original, je vous le conseille. 2 heures magiques de musique, de poésie, d'humour, de plaisir. Malheureuesement (!) je suis à Montréal, ça fait un peu loin ! Mais je me suis dit que ça pourrait intéresser des amateurs de musique parisiens !

ciao !

Merveilleuse Natalia King! Qui nous a fait le plaisir jeudi dernier ( 17 novembre ) de nous offrir au sein de notre Université ( Université Paul Valéry, Montpellier III ) à la maison des étudiants, un concert intimiste, chargé de funk suffocant, de jazz où encore de blues rural : tout simplement irrésistible! (son dernier opus : "Flesh is Speaking") Et pour reprendre certaines louanges : Natalia King à su se forger un style original (bien loin des comparaisons qu'on lui prête, avec la non moins envoûtante Tracy Chapman) mêlé d'atmosphères contrastées, spasmes psychédéliques, accalmies introspectives...la musique de cette artiste ne se laisse réduire à aucune étiquette si ce n'est celle d'une poésie guérisseuse.....

" A la croisée du folk fiévreux de Joni Mitchell, des vocalises habitées de Jeff Buckley, de la sérénité grave de Tracy Chapman, des mantras soufis de Nusrat Fateh Ali Khan " Virgin Mégastore

* *** tous les jeudis de l'année jusqu'au 20 avril (qui se clôture avec les Marvellous Pig Noîse), retrouvez les JEUDIS EN MUSIQUE, à l'Université Paul Valéry de Montpellier, dès 12h15 jusqu'à 14h, entrée libre.

je suis monomaniaque depuis une dizaine de jours : MANA à toutes les sauces, à toutes les heures, plein son. Qui connaît et apprécie ce groupe Mexicain ? Yo me muero cuando escucho "Oye mi amor" o "Te deseo" ... un vrai retour à l'adolescence !!!

Bonjour,

Je suis a la recherche de renseignements sur l'amerique du sud pour pouvoir presenter un spectacle avec des enfants et leur faire decouvrir les traditions des differents pays qui la peulple.

Notre spectacle est principalement basé sur des danses, mais j'avoue ne pas trop savoir ou chercher des musiques et danses traditionnelles!

Pouvez vous m'aider?

Merci d'avance à tous ceux qui pourront m'aider😉

«Mr. Thomas's voice is that of a man muttering in a crowd. You think he's talking to himself until you realize he's actually talking to you.» (Greil Marcus)

La voix de M. Thomas est celle d'un homme marmonnant dans une foule. Vous pensez qu'il se parle à lui-même jusqu'à ce que vous réalisiez qu'en réalité il est en train de vous parler.

A year ago, a singular monument passed away

Tall and imposing, he embodied the character of Père Ubu and captivated with his physical presence as much as his voice. His distinctive tone, audacity, and aura made him a respected and truly unique figure over the past five decades: David Thomas.

Born in Miami but primarily raised in Cleveland, Ohio, David Thomas was a central figure in Cleveland’s underground experimental rock scene—a regional movement that would later give rise to Devo and Nine Inch Nails. He first gained recognition as part of the group Rocket From the Tombs, which, though it never recorded an album, became an influential local act during its brief existence. Known for his high-pitched, near-falsetto voice and his unconventional taste for professor-style stage costumes, Thomas stood out as much in person as his music did on record.

In 1975, several members of Rocket From the Tombs split off to form Pere Ubu—a band named after a play by French writer Alfred Jarry. The group (labeled with many tags or none at all: garage, industrial, experimental, rock, art-rock, avant-garde, punk, new wave) was extremely ahead of its time (and remains incredibly stimulating today), embarking on an unprecedented journey blending punk, post-rock, and an insane art-rock sophistication. Their albums, filled with literary allusions and wounded poetry, were sung-spoken in Thomas’s singular style. The band’s boldness was evident everywhere, mixing brass (especially clarinet), electric instruments, and a constant effort to connect with American musical traditions.

During its initial run from 1975 to 1982, Pere Ubu was an unclassifiable group, fusing the loose energy of garage rock (a term used by D.T. to describe Pere Ubu’s music) with 1960s rock, funk bass, heavy saxophones, and Thomas’s dominant presence. Though they predated the rise of post-punk, Pere Ubu embodied that sound in all its sharp, repressed, and unpredictable nature—largely thanks to Thomas’s wild spirit. The band’s clever absurdity and adventurous approach inspired other groups, including Joy Division, Sonic Youth, Pixies, and R.E.M.

In 1978, Pere Ubu released The Modern Dance, their debut album, followed by Dub Housing (1978), New Picnic Time (1979), and The Art of Walking (1980). Though it never achieved commercial success, the album found its audience among eccentric punks and art-rock fans, intriguing many with its singular blend of rock, punk, new wave, and experimental prog. After a few lineup changes and a brief breakup, Pere Ubu released four more albums in a frenzy of creativity. Song of the Bailing Man briefly served as the group’s final album upon their split in 1982. For their 1987 return, Pere Ubu recorded The Tenement Year the following year. The band reunited intermittently over the following decades under Thomas’s leadership, who remained the sole founding member throughout the group’s existence, releasing 14 albums—not counting live records. Pere Ubu’s last full album with Thomas was Trouble on Big Beat Street, released in 2023.

Last year, on April 24, 2025, David Thomas, the founder and leader of the influential and avant-garde rock group Pere Ubu, passed away at his home in Brighton, England, at the age of 71.

hgb



https://www.youtube.com/watch?v=qHfZovOsXlI&list=RDqHfZovOsXlI&start_radio=1

Bonjour,

En attendant cette mythique réouverture des frontières , j'occupe un peu de mon temps à écouter de la musique du Maroc, du désert et plus largement d' Afrique et du pourtour Méditerranéen .

J'ai découvert un groupe marocain qui s'appelle Tasuta N'Imal que j'apprécie beaucoup . C'est de la musique du Sud . Le clip est fait à Aït Benhaddou, à l'auberge Ayouz où j'ai séjourné déjà 2 fois . Donc çà me fait chaud au coeur et remue de bons souvenirs .

La musique adouci les moeurs et certains esprits s'étant échauffés sur le forum récemment, pourquoi ne pas tenter cette thérapie collective ...

J'espère que çà va passer et si çà marche, on pourrait peut-être continuer ?

https://www.youtube.com/watch?v=r4OjsKUBT-Q

A plus....

"Si c'est ta grand-mère aux bongos et moi, c'est toujours The Fall." (Mark E. Smith)

Une légende du post-punk n’est plus (Angleterre)

Une page importante du post-punk se tourne : Mark E. Smith, chanteur et leader du groupe britannique The Fall (en référence à La Chute d’Albert Camus) est décédé le 24 janvier 2018. Il avait 60 ans. Jusqu’ici, Mark E. Smith reste une grande figure du mouvement post-punk des années 80, et son groupe est culte, certes avec un succès commercial plutôt modeste mais avec une solide base de fidèles adeptes...

En 1976, Mark E. Smith, un amateur de la littérature, décide de se lancer dans la musique, joue d’abord dans des formations locales de heavy metal, mais ses goûts musicaux penchent pour le rock expérimental de groupes comme Can, Faust, ou le Velvet Underground. Ensuite, il fonde son propre groupe, The Fall, originaire de Prestwich/Manchester, au nord de l‘Angleterre. A ses débuts associé avec le punk des Sex Pistols et des Buzzcocks à la fin des années 70, le groupe a depuis aspiré un large spectre de styles musicaux dont un rock atonal, peu mélodique et presque cacophonique, à une musique plus accessible à partir des années mi-80. Toutefois, le groupe n’a jamais abandonné son côté expérimental. D’autres traits caractéristiques de la musique de The Fall sont la répétition rythmique, le son de guitare abrasif et notamment des paroles cryptiques, furibondes, mordantes, empoisonnées, misanthropes de Mark E. Smith, sans oublier son chant très particulier, un parlé-chanté nasillard, reconnaissable entre mille. Ses textes à la fois réalistes, surréalistes et absurdes, sa poésie abstraite et crasse...

Ce produit de Mark E. Smith a publié plus de 30 albums studio sortis en quarante ans, mais est aussi tristement célèbre pour ses multiples changements de musiciens lors de sa carrière : une soixantaine de guitaristes, bassistes et batteurs ont été "épuisés". Le seul membre permanent, l’irascible Mark E. Smith. A côté de son activité au sein du The Fall, Mark E. Smith a édité deux albums solo qui sont plus des lectures : The Post-Nearly Man (1988) et Pander! Panda! Panzer! (2002). En outre, il a publié régulièrement des tribunes dans des journaux comme le New Musical Express (NME), en 2009 son autobiographie Renegade, the Lives and Tales of Mark E. Smith.

L’ex-bassiste de Joy Division puis de New Order le décrit : "Mark était un homme bizarre. [...] Il avait toujours son groupe à l'esprit, comme Ian Curtis, le chanteur de Joy Division. Beaucoup de gens vous diront que c'était un personnage difficile mais la plupart des génies ont des caractères difficiles pour une raison ou une autre, et lui était un vrai génie punk. Il n'y a personne pour prendre la place de Mark E. Smith, personne, c'était un personnage absolument unique et lui, et The Fall, vont manquer à la musique".

40 ans d‘existence et plus de 80 albums studio et live, compilations et eps, d’innombrables tournées autour du monde, The Fall est l’un des groupes les plus prolifiques et endurants de sa génération, et surtout l’un des plus influents : toute une génération de musiciens et groupes underground se réclament de son influence dont Sonic Youth, Minuteman, The Teardrop Explodes, Happy Mondays, Pavement et beaucoup beaucoup d‘autres...

J’avais vécu The Fall trois ou quatre fois en concert : des mémoires inoubliables. Quel bonheur !

Discographie (albums recommandables) :

1979 : Live at the Witch Trials 1979 : Dragnet 1980 : Grotesque (After the Gramme) 1981 : Slates 1982 : Hex Enduction Hour 1984 : Perverted by Language 1985 : The Wonderful and Frightening World of The Fall 1986 : This Nation's Saving Grace 1987 : Bend Sinister 1988 : The Frenz Experiment 1988 : I Am Kurious Oranj 1993 : The Infotainment Scan 2005 : The Complete Peel-Sessions 1978-2004 2010 : Your Future Our Clutter 2013 : Re-Mit

Vidéos :

The Fall : "Garden" (1983)

https://www.youtube.com/watch?v=OMJJmdlZoPw

The Fall : "The Container Drivers" (1980)

https://www.youtube.com/watch?v=N8bjJf3Q5mE

The Fall live au Glastonbury Festival (2015) :

https://www.youtube.com/watch?v=MVupLNiSJDs

"After more than 30 years of being "disappeared", Grimes made it back into the world, and the jazz world, [...]. Grimes is once again active in music… a remarkable comeback, both musically and emotionally. Too often the jazz life offers more victims than survivors, and Henry Grimes' life is a rare story of the latter." (JazzTimes)

La renaissance d'une légende vivante

Le contrebassiste (et violoniste) Henry Grimes, né à Philadelphie en 1935, est une figure emblématique, un des architectes de la musique afro-américaine d'avant-garde (free-jazz, musique improvisée), un musicien qui a traîné sa contrebasse dans les années 60 avec les plus grands du genre tels que Charles Mingus, Thelonious Monk, Sonny Rollins, Albert Ayler, Don Cherry, Archie Shepp, Pharoah Sanders, McCoy Tyner et Cecil Taylor. Mais un beau jour, il a disparu de la carte sans laisser de trace. On l'a même cru mort. Retrouvé de nombreuses années plus tard, soit en 2002, Grimes reprend sa carrière et collabore depuis avec Marshall Allen, David Murray, Rashied Ali, Wadada Leo Smith, encore Cecil Taylor et surtout avec le guitariste Marc Ribot. Sans doute, sa mystérieuse disparition compte parmi les histoires les plus rocambolesques au jazz ...

"Ressuscité" après la "mort" (les quelques ouvrages encyclopédiques jazz le supposaient mort*) en 2002, grâce à un passionné de jazz, qui l'a retracé et reconnu, on voit à nouveau Henry Grimes réapparaître sur la scène de la musique jazz et contemporaine. En fait, son histoire, triste d'abord, est finalement celle d'un succès continu qui pourrait servir bel et bien à un scénario hollywoodien ... Depuis, Henry Grimes a dû expliquer plein de fois cette disparition exceptionnelle. Selon ses dires, tout se résume à la perte de son insturment endommagé lors de son voyage à voiture vers la Californie. Faute de moyen pour le faire réparer, il s'est résolu à le vendre à Los Angeles. Ainsi privé de sa contrebasse, il survit grâce à des petits boulots et à l'aide sociale. Seules l’écriture et la poésie ont comblé ses temps libres durant les années qui ont suivi, à savoir 35 au total : jusqu'à ce jour où il est reconnu dans la rue ... Une fois le retour pris, tout va très vite : son collègue contrebassiste William Parker lui fait cadeau d'un instrument et l'anime à reprendre son activité musicale, et un an plus tard, en 2003, Henry Grimes retrouve le chemin de la scène. Dans la dernière décennie (2003–2014), lui qui figure sur 90 albums, il donne 500 concerts et participe aux enregistrements d'une dizaine d'albums dont plusieurs sous son propre nom : en 2004, Henry Grimes enregistre la deuxième référence – après son album début The Call (avec le clarinettiste Perry Robinson et le percussionniste Tom Price) des années mi-60 – de sa discographie : Live at the Kerava Jazz Festival, concert donné en Finlande en compagnie du saxophoniste David Murray et du batteur Hamid Drake. Sinon, son retour est marqué par sa rencontre avec le guitariste Marc Ribot et l'album Spiritual Unity (2005) au cadre de son projet Albert Ayler (avec Ribot, Grimes, Chad Taylor/dr et Roy Campbell/tr) ; avec cet album, le quartette rend hommage au disque éponyme de Albert Ayler paru en 1964. Ce guitariste incontournable de la scène new-yorkaise, compositeur et improvisateur recherché par les stars du pop, du rock et du jazz à la fois (Tom Waits, Elvis Costello, Lounge Lizards, Jazz Passengers, Don Byron, John Zorn), aurait-il pu choisir pour ce projet un contrebassiste plus authentique et plus chevronné dans la musique d'Albert Ayler que Henry Grimes, son partenaire dans le passé ? Réduit du défunt trompettiste, le trio Ribot-Grimes-Taylor donne un set live au mythique Village Vanguard en 2013 pour faire revivre l'esprit des grands maîtres, des plus grands maîtres du jazz moderne avec des thèmes légendaires et des improvisations endiablées, une sorte d'hommage au Coltrane dernière époque, et avant tout au saxophoniste free Albert Ayler ; ce grandiose album intitulé Live at the Village Vanguard sort en été 2014.

Son double album Solo (2009), enregistré en solo absolu sans toutes restrictions de durée ni de quoi que ce soit mettant obstacle à sa liberté créative est un tour de force sans pareil sur la contrebasse et le violon, deux improvisations de plus de 150 minutes qui témoignent sa maîtrise instrumentale, son puissant jeu, ses énormes rythmes, son jeu à l'archet et pincé avec grande clarté et imagination. Ce musicien qui fait corps avec son instrument est une source des idées musicales sans limites. Incroyable ! Yes, il y a beaucoup de musique à digérer sur cet album, et Grimes est un véritable modèle de l'auto-réalisation à travers la musique. Cette œuvre l'expédie sans façons dans le panthéon des vrais et rares improvisateurs, au même rang que son ex-bandleader, le pianiste Cecil Taylor. Le boucle est bouclé ...

Aujourd'hui âgé de 79, Henry Grimes vit encore à New York City. Comme dans les années 60, ce contrebassiste d'avant-garde est à nouveau désiré partout, "pour l'éblouissante singularité de sa musique" (Le Monde). Henry Grimes n'est pas mort mais bel et bien en vie ... et en grande forme !!!

Site web : henrygrimes.com

Discographie (extrait) :

— côté historique ...

Henry Grimes Trio (1965). The Call. ESP Thelonious Monk (1958). Newport Jazz Festival. FDC Charles Mingus (1962/1993). In Concert. Jazzman Albert Ayler (1965). Spirits Rejoice. ESP Albert Ayler (1965). Swing Low Sweet Spiritual. Osmosis Albert Ayler (1966). Spirits. ESP Albert Ayler (1967). Live in Greenwich Village. The Complete Impulse Recordings. Impulse! Gil Evans Orchestra / Cecil Taylor (1961). Into the Hot. Impulse! Sonny Rollins (1963). Sonny meets Hawk! RCA Victor McCoy Tyner (1963). Reaching Forth. Impulse! Pharoah Sanders (1966). Tauhid. Impulse! Archie Shepp (1966). On this Night. Impulse! Archie Shepp (1966). Further Fire Music. Impulse! Cecil Taylor (1966). Unit Structures. Blue Note Cecil Taylor (1966). Conquistador! Blue Note Don Cherry (1969). Where is Brooklyn? Blue Note

— côté actuel ...

Henry Grimes / David Murray / Hamid Drake (2005). Live at the Kerava Jazz Festival. Ayler Records Marc Ribot Quartett (2005). Spiritual Unity. Pi Recordings Henry Grimes / Rashied Ali (2008). Going to the Ritual. Porter Records Henry Grimes (2009). Solo. ILK Music Fred Anderson (2009). 21st Century Chase. Delmark Marc Ribot Trio (2014). Live at the Village Vanguard. Pi Recordings

* p.ex. dans Carles/Clergeat/Comolli (1994). Dictionnaire du Jazz. (coll. Bouquins). Ed. Robert Laffont, Paris

Hery

Album caritatif au profit des réfugiés dans le Sahara

Deux labels, l’un allemand (Glitterhouse) et l’autre français (Reaktion), s’unissent pour publier une compilation de musiques touarègues contemporaines : "Songs for Desert Refugees", accompagnée d'un livret documenté (en anglais). Les bénéfices de ses ventes vont à deux ONG activées dans l’aide aux réfugiés du désert : ETAR (sur Aguel'hoc) et TAMOUDRÉ (sur Tessalit, Kidal et la frontière algérienne). A part les gains, le but de cette compilation est aussi de faire découvrir de la bonne musique, de témoigner la richesse musicale du peuple touareg et de "casser quelques clichés hérités de la colonisation, comme celui de 'l'homme bleu du désert' (ou bien guerrier sanguinare et bandit de grand chemin)."

Selon les Nations Unies, depuis mi-janvier 2012, des dizaines de milliers de Touaregs, Sonraïs, Foulbés et Arabes ont fui les combats au Nord-Mali et se retrouvent dès lors dans des campements de réfugiés en Mauritanie, au Niger, en Algérie et au Burkina Faso, grâce, notamment, à l'aide des ONG (on estime jusqu'à 200.000 personnes et plus). Et des émeutes à Bamako, Kati et d'autres villes du sud, ont aussi forcé les Touaregs et Arabes y demeurant à s'enfuir. Cette compilation fait remarquer à cette tragédie des réfugiés au Mali ...

Afin de venir en aide aux réfugiés, douze groupes touaregs apportent gratuitement leur contribution pour compiler et sortir un album caritatif, présentant un superbe mélange de musique du désert, incluant des morceaux rares ou même inédits (7 sur 12). Et les meilleurs groupes touaregs du moment, les plus renommés sont là pour aider, qu'ils soient du Mali (Tinariwen, Tamikrest, Tartit, Terakraft, Tadalat, Amanar, Ibrahim Djo Experience), du Niger (Bombino, Toumast, Etran Finatwa) ou d'Algérie (Faris, Nabil Baly Othmani) : guitares électriques, rythmes hypnotiques et obsédants, battements des mains, trilles féminins, tout y est. La musique de cette compilation reflète ce que le désert représente pour eux : la joie et la beauté, la vie intense, la poésie et le calme, la fierté et la paix. Elle est dédiée "to all those who are working to make it so again." (cf. livret du cd). C'est à souhaiter ...

Cet album regroupe les vedettes de la scène musicale touarègue, les uniques Tinariwen, Tamikrest et Terakraft (leur "Nak Essanagh" est magnifique), tous avec des morceaux inédits. Mais l'album est aussi un showcase pour des groupes peu connus, tels que les jeunes Tadalat, un nouveau groupe d'Aguel'hoc (Mali), à classer parmi le genre new wave touareg, à côté de Tamikrest et Amanar. Très bonne guitare solo. Comme Tamikrest aussi, Tadalat parvient à intégrer la batterie, jusqu'ici plutôt une rareté parmi les groupes touaregs. Le groupe malien-français Ibrahim Djo Experience (avec le guitariste rythmique français Paul Salvagnac, depuis peu membre de Tamikrest) se présente très bluesy. Le morceau le plus enchantant peut-être, et qui vaut l'achat tout seul est "Tigrawahi Tikma" du Touareg nigérien, Bombino : plus de treize minutes de musique en live, formidable, les longues improvisations rock de Grateful Dead saluent. Le morceau final est présenté par le groupe traditionnel Tartit (5 femmes et 4 hommes tous venant de la région de Tombouctou) avec "Tihou Beyatene" (voix du désert), pris de leur deuxième album "Abacabok", qui nous conduit à une toute autre voie de la musique touarègue : la poésie chantée avec le tambour tindé, genre musical très répandu dans l'ensemble du monde touareg, soit dans les régions touarègues du nord (Ahaggar et Ajjer en Algérie), soit dans celles du sud (Adagh des Ifoghas et Azawagh au Mali). Rythme cyclique sur le tindé, musique en transe, hypnotique, enchanteur ...

Une compilation magnifique – passionnant et d'un charme envoûtant, à recommander vivement !

VIVE LE MALI !

Hery

Annexe :

Voici une petite liste de cds incontournables de la musique touarègue contemporaine du Mali et du Niger. Ouvrages musicaux à ne pas manquer dans une bonne collection de disques ...

Amanar (2009). Alghafiat. (c) Amanar. Amanar (2012). Remixed. Sahel Sounds. (téléchargement libre) Ibrahim Djo* (2007). Ibrahim Djo. Association Targuie. Ibrahim Djo (2008). Demo 2008. Association Targuie. Ibrahim Djo Experience (2011). Azeman. Targuie/Reaktion. Tadalat (2011). Aguel’hoc. Sahara Sounds. Tamikrest (2010). Adagh. Glitterhouse Rec. Tamikrest (2010). Sahara Campfire Sessions. Glitterhouse Rec. (vendu sur les concerts du groupe !) Tamikrest (2011). Toumastin. Glitterhouse Rec. Tamikrest (2013). Chatma. Glitterhouse Rec. Tartit (1997). Amazagh. Fonti Musicali. Tartit (2000). Ichichila. Desert Blues from Malian Tuareg. Network Medien. Tartit (2006). Abacabok. Crammed Discs. Terakraft (2007). Bismilla – The BKO Sessions. Tapsit. Terakraft (2009). Live 2008. Tapsit/Reaktion. Terakraft (2009). Akh Issudar. Independant. Terakraft (2011). Aratan N Azawad. Tapsit/World Village. Terakraft (2012). Kel Tamasheq. World Vill/harmonia mundi. Tinariwen (2004). Amassakoul. Wayward Rec. Tinariwen (2004). The Radio Tisdas Sessions. Emma Prod. Tinariwen (2007). Aman Iman: Water is Life. World Vill/harmonia mundi. Tinariwen (2009). Imidiwan : Companions. Pias UK/Independiente/rough trade. Tinariwen (2011). Live in Paris 2011. V2. Tinariwen (2011). Tassili. Wedge S.a.r.l.

Bombino (2010). Agamgam 2004. Reaktion. Bombino (2011). Agadez. Cumbancha. Bombino (2013). Nomad. Nonesuch Rec. Etran Finatawa** (2006). Introducing. World Music Network. Etran Finatawa (2008). Desert Crossroads. World Music Network. Etran Finatawa (2010). Tarkat Tajje/Let’s go ! Riverboat. Etran Finatawa (2013). The Sahara Sessions. Riverboat. Toumast (2006). Ishumar. Kraked/Village Vert. Toumast (2009). Amachal. Green United Music.

*groupe touareg-français, **groupe touareg-peul

Il y a des artistes miroirs qui vous font voyager. Comment le dissocier de New York, la ville pieuvre à travers ses confessions de rue.

C'était un artiste de rupture à une époque où le "peace & love" était de mise (il retrace sans fard un univers urbain fait d'errance de rue, monde de la nuit, décadence, perversion, drogue etc...). Je l'ai découvert très longtemps après sa période Velvet Underground, J'ai trouvé son univers artistique fascinant. Un de ces artistes prophétiques qui vous accompagne au-delà de sa musique.

Il est considéré également comme le père spirituel du mouvement punk.

Un très grand du rock, à la fois poète et musicien.

"He may be in his late 60s, but he's still one of Mali's finest musicians." (The Guardian)

"Mali Denhou" ou Chanter pour les Enfants du Mali

Au milieu des années 60, Boubacar Traoré est déjà une star. Tailleur-coupeur chez un couturier le jour, guitariste le soir, il fait la fête dans le Bamako fraîchement indépendant, alors rempli d’espoir. Ses tubes, surtout Mali Twist (1963) et Kayeba, font danser la génération éprise de liberté. En 1968, le régime socialiste de Modibo Keita est balayé par un putsch militaire. De suite, les chansons de Boubacar disparaissent des ondes. Revenu sans un sou dans sa ville natale, Kayes, en pays khassonké, près de la frontière avec le Sénégal, Boubacar exerce plusieurs métiers, dont travailleur agricole et commerçant, avec son frère aîné. A la fin des années 80, le destin le frappe à nouveau avec la mort de Pierrette, sa femme. Il s’exile alors à Paris : veuf inconsolable, il y travaillera deux ans sur le chantier. Au Mali, il tombe entièrement dans l’oubli. Andy Kershaw, producteur de musique anglais le redécouvre. Ils enregistrent "Mariama" (1990). La carrière décolle. A intervalles réguliers, Kar Kar ("le dribbleur", en hommage à ses talents de footballeur à l‘époque) enregistre d‘autres albums. Six ans après son dernier, "Kongo Magni" (2005), la légende de la musique malienne, Boubacar Traoré revient avec son huitième, "Mali Denhou"* (Les enfants du Mali), un album éblouissant ...

Boubacar Traoré est un artiste discret et rare. Dans les onze chansons du lumineux "Mali Denhou", réalisées en une seule journée dans les conditions du live au Studio Moffou de Salif Keita, situé à la périphérie de Bamako, Boubacar exprime sa voix au timbre si particulier, nimbée de nostalgie et de poésie, d’une merveilleuse clarté, à la fois forte et fragile. Bref, une voix qui touche à l’âme et parle aux trippes, qui apporte la paix et la sérénité. Accompagnée par son jeu de guitare autodidacte et unique, dont les sons cristallins rappellent souvent à la kora dont il s'est inspiré (faut écouter l’intro de Mali Tchebaou !). Le casting musical regroupe son groupe de tournées depuis plusieurs années : on retrouve son vieux complice Madieye Niang à la calebasse, et le Français Vincent Bucher à l'harmonica complète la touche bluesy. Cet instrumentiste figure au palmarès des meilleurs harmonicistes actuels dans le monde. Inspiré par Sonny Boy Williamson, Bucher a déjà accompagné de nombreux artistes africains, dont le défunt Lobi Traoré (avec qui il a enregistré les albums "Duga" et "Bambara Blues"). Technicien hors pair au jeu intense, l'harmonica ajoute émotion et fluidité au discours musical. A ne pas oublier deux musiciens de la scène bamakoise dont la virtuosité instrumentale enthousiasme, tout simplement : Fassery Diabaté (au balafon) et Mamadou Kamissoko (au ngoni) apportant une couleur mandingue et des notes parfumées du Sahel à la musique universelle et sans âge de Boubacar. Ces deux virtuoses font partie du groupe du grand maître koraiste Ballaké Sissoko.

Des mélodies saisissantes, toutes inspirées de la musique traditionnelle khassonké dans laquelle il a toujours baigné. Un style quasi inimitable, à la fois chaleureux et mélancolique. Une musique qui distille des émotions et des rêves avec simplicité et précision. Les textes de Boubacar, homme si modeste, restent comme toujours dans le registre de la morale et de bons sentiments, glorifiant la famille (M’Badehou*, Ma Famille, et Mondeou*, Les Petits-enfants), célébrant l'unité africaine, invitant au respect de l'autre (Djougouya Niagnini*, Chercher la cause de la Méchancheté). Il chante l’histoire de son pays en rendant hommage aux grands hommes du Mali, aux empereurs et chefs d’Etat qui se sont succédés pour construire ce pays unique, à partir de Soundiata Keita jusqu'à Alpha Oumar Konaré (Mali Tchebaou*, Les Grands Hommes du Mali), enfin les espoirs et les déceptions des Maliens, l’amour et l’espérance, le monde qui l’entoure : dans Dundôbesse M’Bedouniato* (Un jour, je vais quitter le monde), il va jusqu’à évoquer sa propre mort, en chantant "La mort n’épargne personne, tout le monde quitte la terre. Un jour, l’homme connaît la gloire, le jour suivant, il n’est plus. Tout le monde finit par partir, tout comme moi." ...

Boubacar, ce maître de la mélancolie, nous livre encore une fois son étrange mélange de blues, chanson et musique khassonké pluriséculaire. Doux et tellement profond. Un album tout simplement du Kar Kar : inoxydable. Aujourd’hui, il figure parmi les grands, non, les plus grands musiciens du Mali, avec son défunt ami et compagnon de guitare Ali Farka Touré, qui habitait à trois maisons de chez lui à Bamako, et le joueur de kora Toumani Diabaté. Une légende de la musique malienne est de retour ... Et comment !

Cd : Boubacar Traoré : Mali Denhou. Lusafrica (2011)

(http://www.amazon.fr/Mali-Denhou-Boubacar-Traore/dp/B004GBP4HS/ref=sr_1_1?ie=UTF8&s=music&qid=1300873121&sr=8-1)

hgb

* L’orthographe bambara même sur cet album est encore une fois horrifiante ! Donc, en correct bambara, les titres cités s’écrivent comme suit : Mali denw / N badenw / Mòdenw / Juguya nyènyini / Mali cèbaw / Don dò bè se, n bè duniya to ...

bon je sais, ils se sont separes. mais on m a dit recemment que les deux freres on reforme un groupe au style tres similaire a ce qu ils faisaient quand ils etaient avec zebda. quelqu un peut il me donner le nom, histoire que j essaie de me procurer ca? merci d avance...

On dirait qu'il aime Nantes, en tous cas Tchavolo Schmitt semble être programmé dans le cadre des Fêtes de l'erdre.

je post ce message pour toutes les personnes qui veulent partir a la decouverte de l'islande Le groupe Sigur Ros m'a fait decouvrir ce pays (je suis en pleine preparation pour mon 1er voyage la-bas cet ete) Leur musique est quelque chose de magique, je vient de les voir deux fois en quatre mois sur Londres et je vous conseil grandement de courir acheter des places pour leur prochain concert sur Paris..... une des plus belle musique qui m'ai ete possible d'ecouter ....

Une nouvelle venue s'annonçant dans notre foyer pour le début de l'été, auriez vous quelques idées pour accompagner en musique sa découverte de notre monde ?

La musique d'ici comme d'ailleurs est la bienvenue.

Merci

Connaissez-vous cette chanson? Chantée par Juliette?

Pour moi qui aie passé 9 mois à traverser Buenos Aires en long en large et en travers, cette chanson m'a fait l'effet d'un coup de poing à l'estomac!

Frémissante de Vérité, de Beauté et d'Amour.

Je vous livre ici, à l'instar de Gnome et de la chanson d'Arno, les paroles de ma chanson coup de coeur du moment:

Les Garçons de mon Quartier

Ils ont le regard dur dans de grands yeux de faon, une arme à la ceinture et des gestes d'enfants

Ils portent le maillot de leur joueur préféré et tatoué sur la peau un Christ ensanglanté

Nuit et jour en maraude ils vivent de fumée et de diverses fraudes, les garçons de mon quartier

Et moi je vais prier la Madonne aux yeux fermés, impassible sous les fleurs et sous son voile de douleur, ô Sainte Vierge des Tueurs, j'aime croire que tes pleurs sont pour tes fils abandonnés, les garçons de mon quartier

Ils portent le prénom d'acteurs américains s'il suffisait d'un nom pour changer le Destin

Mais Nelson ou Brian prendront à la sauvette ivres de marie-jeanne une balle dans la tête

S'ils disent que "demain" est un mot inventé c'est qu'ils n'espèrent rien les garçons de mon quartier

Parmi eux j'en aime un, un ange de beauté, on dirait un gamin s'il n'était dévoyé, trafiquant et sicaire et parfois prostitué, je ne donne pas cher de sa peau adoré

Alors je serai veuve avant d'être mariée, c'est là la triste épreuve des filles de mon quartier

A quoi bon te prier Belle Madonne au coeur fermé, impassible sous les fleurs et sous ton voile de douleur, ô Sainte Vierge des Tueurs combien faut-il qu'il en meure pour que tu daignes regarder les garçons de mon quartier?

ô Sainte Vierge des Tueurs, verse un peu de douceur sur les cadavres jeunes et beaux de los chicos de mi barrio!

😐😐😐

Ces paroles sont de toute beauté 😐!!! Sur le rythme binaire d'une cumbia, c'est vraiment une chanson à découvrir et à écouter!!!😐🙂

Même si le fait d'avoir vécu dans le barrio Once à Buenos Aires (à une cuadra de la boîte de cumbia dont l'incendie en décembre fut un total carnage😕😕) et d'avoir croiser multitude de ces garçons influe directement sur mes perceptions, je pense que d'autres forumistes seront touchés par ce texte.

J'ajoute que les paroles sont librement inspiré(es) de "La Virgen de los Sicarios" roman de Fernando Vallejo adapté au cinéma par Barbet Schroeder sous le titre "La Vierge des Tueurs"

http://www.filmsdulosange.fr/fr_catalogue_fiche.php?id=1

et que les sicaires sont des tueurs à gages (du latin sica: poignard)

Je partage mes émotions certes et aussi mon ignorance! 😛

Cette chanson se trouve sur le dernier album de Juliette intitulé Mutatis Mutandis Qu'en pensez-vous? Yangcheng.🙂

Si jamais les freres Joubran passent par chez vous, surtout ne ratez pas ce concert !!! 🙂 Je les ai vu Samedi et je dois dire que ce fut un grand concert, magique.... et pas seulement parceque je joue du oud, mes amis, connaissant peu la musique arabe ont été charmés..

Comment ne pas etre charmé par leur jeu, une extreme complicité entre ces 2 frères, ils jouent maintenant avec leur plus jeune frere, un trio de oud, du jamais vu, et ils ne cachent pas leur admiration pour le celebre trio John McLaughlin, Paco de Lucia et Aldi Meola.. ce qui se ressent quand ils jouent sur leur oud du flamenco... un superbe medley "Lamma bada & concerto d'arrranruez" proprement halucinant... (après tout comme le dit Samir, le oud est l'ancetre de la guitare, il faut le rappeler)

Virtuosité mais surtout émotion, quand Samir explique que la plus-part des morceaux ont été composés sous couvre-feu à Ramallah chez eux... il se plait à dire que son arme à lui face à l'occupant est son instrument de musique...

humour également quand ils se mettent à jouer à 2 sur un seul oud, Wissam main droite et son frere main gauche...😮 les gratteux comprendront la difficulté, surtout à une telle vitesse...🤪 Et quand on sait que c'est Wissam, luthier diplomé de l'academie de Cremone, qui a fabriqué leurs oud...



Leur album est excellent évidement mais je crois qu'il faut les voir en concert pour l'apprecier d'autant plus...

Bonjour!

Je suis étudiante en ethnomusicologie, et prévois faire un voyage en Afrique pour étudier les instruments et la musique d'une communauté.

Je suis aux premières planifications de mon voyage et j'hésite entre quelques pays africains. Si quelques uns d'entre vous aviez des suggestions de pays intéressants, ça me serait très utile. Je cherche bien sûr un pays riche au plan musical, mais aussi un pays où le français est assez répandu...

Merci beaucoup!

Sarah

« Virtuose, ludique et attachant » (Le Figaro, 2018)

Une carrière à « pas de géant »

Ex-étudiante en piano classique convertie au jazz (vocal), la chanteuse Camille Bertault s’est fait connaître sur Facebook en reprenant à la voix quelques solos fameux et particulièrement difficiles des plus grands instrumentistes du jazz dont un solo ultrarapide de John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps » (pas de géant en français), l'un des morceaux et albums légendaires du jazz moderne... L’aisance sidérante de cette jeune Française (31) dans cet exercice est renversante : dès lors qu’elle en a posté des vidéos sur le web, 700.000 vues en quatre jours attirent la maison de disque Sony Music qui la signe pour deux albums magnifiques : « En Vie », premier opus (2016) et « Pas de Géant », le dernier sorti début 2018. Son chant scat hors norme swingue entre le français et une petite touche d’anglais et portugais, porté par une voix sensuelle et joyeuse qui alterne entre les styles avec grande virtuosité. Une intonation parfaite, un timing captivant, un timbre clair, une précision incroyable et des hauteurs du son impressionnantes – elle incorpore tout ça. Un véritable phénomène...

Tout commence par une vidéo amateur postée sur le net : la jeune chanteuse française Camille Bertault se filme en chantant note pour note le solo du John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps ». Elle multiple alors – du même tonneau, toutes ébouriffantes les unes que les autres – les réinterprétations et improvisations de quelques poids lourds du jazz contemporain dont Bill Evans, Wayne Shorter, Sonny Rollins, Herbie Hancock, Roy Hargrove et Hermeto Pascoal. Bingo ! En quelques semaines, cette Française remuante s’est fait un nom et sa carrière est lancée…

A quatre ans, Camille s’initie au piano grâce à son père, pianiste amateur de jazz, qui lui met dans les oreilles Bill Evans et Keith Jarrett, et lui apprend Ravel, Chopin et Scriabine, les quelques préludes de Bach et Debussy. A l’âge de huit, elle se rend au conservatoire. Camille Bertault fait aussi de la danse, du théâtre : au bout de vingt ans, fatiguée de la structure stricte et rigide du conservatoire, elle abandonne le piano pour le chant. Après une incursion dans le milieu du théâtre, elle reconnaît enfin que c’est le rapport texte/musique qui la passionne vraiment. Puis, imprégnée des chansons de Ferré, Brassens et Gainsbourg, elle commence à écrire ses propres chansons et intègre le Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris (CRR) en section jazz, en tant que chanteuse. Elle y reçoit une solide formation en composition, harmonie et chant jazz, bref, elle travaille l’improvisation, peaufine sa technique et prend confiance grâce à la chanteuse Sara Lazarus, « ma seule et unique prof de chant jazz en fin de compte ».

En parallèle, elle crée le duo guitare-voix-clavier-pédale looper, TIPA (aux textes français bien acides et au rythme qui groove, théâtral et culotté), qui obtient une bourse de la mairie de Paris, fait plusieurs tournées au Japon et au Brésil, et enregistre l’album « 100% coton ».

« J’ai toujours chanté, un peu avec mon père, mais toujours de manière assez festive », raconte Camille. Entre-temps, le chant et l’improvisation font partie de sa vie. Dans la rue, dans les transports, Camille Bertault chante, écoute des solos et tente de les reproduire, comme un défi : « Pendant une semaine je me mets le casque sur les oreilles et je chante. Les gens me regardent un peu bizarrement parfois c’est vrai », s’amuse-t-elle.

Peu après, un premier album s’enclenche, « En Vie », qui sort au printemps 2016 et qui met en œuvre les intentions musicales de Camille Bertault, à savoir, de ne pas produire un album où la voix n’est qu’un matériau mais où les textes sont aussi suffisamment étroits (« Je suis très attentive aux textes, j'aime le rôle de conteur qui incombe aux chanteurs, cela me vient du théâtre et du cabaret »). Publié par le label Sunnyside, cet album début enregistré avec un trio composé du pianiste Olivier Hutman, du contrebassiste Gildas Boclé et du batteur Antoine Paganotti, est une collection de six de ses propres compositions et quatre morceaux appartenant au répertoire du jazz (entre autres l’illustre « Prelude to a Kiss » de Duke Ellington), auxquels Camille Bertault donne des paroles à elle, joviales, plaisantines, songeuses, teintées de mélancolie et d’ironie, toujours en français. Le bilan est « frais, c’est vif, c’est habile et léger, c’est beau et mélodieux, ça pétille ; c’est admirablement soutenu par le trio du pianiste Olivier Hutman » (bananierbleu.fr). Tous les arrangements et compositions accordent amplement de place aux instrumentistes en confortant cet esprit de finesse et de légèreté. Bref, un disque passionnant, plein de charme, de joie et de sensibilité…

Après le superbe album début qui donne envie d’écouter plus encore Camille Bertault, elle revient avec son second album « Pas de Géant », fort de seize titres, en ce début d’année. Dans la continuité de son premier opus, la chanteuse nous propose encore un album très personnel. On redécouvre des réinterprétations de classiques comme un pot-pourri magistral de Ravel (seize mélodies en quatre minutes) et la première des trente « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach ainsi que des classiques de la chanson française comme « Je me suis fait tout petit » de Georges Brassens et « Comme te dire adieu » de Serge Gainsbourg. L’album se clôture avec une reprise déjantée de « Conne » écrite par Brigitte Fontaine. Et, c’est évident, il ne faut pas non plus manquer le jazz : elle reprend alors des standards comme « Very Early » de Bill Evans ou « House of Jade » de Wayne Shorter mais aussi « Giant Steps », l’historique standard de John Coltrane (1959), devenu sous ses mains une chanson, un vocalese sous le titre « Là où tu vas » ayant repris note à note le jeu de saxophone, dans la version qui l’a rendue populaire sur internet :

« Pas de géant tu As fait quand tu a compris Que tu n'es pas là pour être ce Que le monde veut Pas de géant tu As fait quand ce que tu donnes Vient d'ici, pas d'ailleurs Ni d'là-bas Et qu'tu sais là où tu vas »

Pour proposer un album vraiment personnel, Camille Bertault ne se contente uniquement de reprises. Sept propres compositions complètent cet album, dont une chantée en anglais, où les rêves, la mélancolie, l’intimité et la poésie sont au programme. C’est donc un bel album original que nous offre Camille Bertault, chaque pièce une porte ouverte sur la personnalité de cette chanteuse. Sur l’album, Camille Bertault (voix, compositions, textes, arrangements) est accompagnée par Michael Leonhart (arrangements, direction, trompette, bugle, claviers, percussion), Dan Tepfer (piano), Christophe 'Disco' Minck (contrebasse, guitare basse, harpe, synthétiseur), Joe Sanders (contrebasse), Jeff Ballard (batterie), Stéphane Guillaume (saxophones, flûte, clarinette basse), Daniel Mille (accordéon), Mathias Mahler (trombone), et François Salque (violoncelle).

Avec « Pas de Géant », Camille Bertault prouve qu'elle sait unir et combiner tous ses talents divers: sa formation classique de piano, sa passion pour le théâtre et le cabaret, celle pour le jazz et surtout son ingéniosité illimitée et sa liberté. Elle est une vraie artiste qui vit sa vie sur scène, qui ressent cette énergie virtuose, qui la fait carrément briller en chantant. Elle ne fait pas non seulement de la musique, elle est de la musique pure et dure. Si elle hurle, chuchote ou scatte, dans tous les registres qu’elle survole à une vitesse folle: sa voix est toujours au centre. De plus, Bertault est une brilliante conteuse qui sait mettre en musique le grand patrimoine des chansonniers français, ainsi que les « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach. Sur cet album, Camille Bertault ne cache rien. Parfois nostalgique, parfois mélancolique, parfois farceuse, parfois déjantée, elle montre, en toute liberté, ses différentes facettes. Une personnalité musicale impressionnante – un album impressionnant...

Disques :

Camille Bertault 2016. En Vie. Sunnyside. Camille Bertault 2018. Pas de Géant. Okeh (Sony Music).

Vidéos :

Camille Bertault 'chante' le grand John Coltrane :

https://www.youtube.com/watch?v=OkQRt82jKfU

Camille Bertault 'chante' Hermeto Pascoal :

https://www.youtube.com/watch?v=gJ76xbFWY90

Camille Bertault 'chante' « Course » :

https://www.youtube.com/watch?v=Hw43Z61N86w

Camille Bertault 'chante' « En Vie » (live, avec le trio du pianiste Olivier Hutman) :

https://www.youtube.com/watch?v=oFb0s_WdbyY

Amusez-vous bien !

Hery

Bonjour tout le monde

Je suis un iranien et j’habite avec ma femme et ma petite fille à Isfahan. Nous travaillons sur la musique iranienne dans notre petite classe. Ma femme est anglophone et je suis francophone, et la petite fille ne parle que le farsi!!

Nous admirons les relations culturelles, et si vous aimez savoir quelque chose de la musique iranienne, vous êtes invité(e)s à venir à notre classe, une possibilité pour écouter de la musique iranienne, et pour connaître quelques instruments de cette musique.

Je vais expliquer brièvement la structure de la musique iranienne (dit Dastgâhi) dans la discussion prochaine.

Amicalement Rassoul Photo: une femme de l'époque Qadjar joue un instrument à corde: Târ

Bonjour, J'ai eu l'occasion de parcourir quelques topics notamment celui qui renseigne très complètement le sujet des chansons de Rokia Traoré. c'est indéniablement avec plaisir que je l'ai lu.

Je joue du kamélén'goni depuis un peu plus de 2 ans maintenant (Abou Diarra étant mon "professeur") et je suis à la recherche de chants populaires ou traditionnels afin de pouvoir enrichir mon répertoire.

Actuellement je connais déjà les lignes instrumentales de certains morceaux connus (Bamanaya ké/Bamougoutji, Diaraby néné et Maladon d'Oumou Sangaré, Doni doni yembela, etc...), malheureusement je ne connais pas (ou seulement des bribes) les paroles qu'accompagnent ces lignes, et mon oreille n'est pas encore suffisamment affutée au bambara pour pouvoir retranscrire les paroles (et de plus sans la compréhension des chants, ça me paraîtrait "injuste" ou "malhonnête" vis à vis de cette culture).

C'est donc dans cette optique que je cherche des paroles complémentaires ou des morceaux que je ne connais pas, ainsi que leur sens.

J'espère que quelqu'un entendra mon appel^^

Merci d'avance,

François

Bonjour, Je suis à la recherche d'une chanson malienne que j'ai connu en 2005. Elle était chanté par un homme et l'histoire de la chanson concernait une fille qui était aimé par tout le monde...le chanteur parlait de plusieurs garcons qui étaient tous en amour avec elle. Malheureusement je ne connais ni le nom de la chanson ni du chanteur, je ne crois pas que ce soit Salif keita ni ali farka touré. Y a-t-il quelqu'un qui saurait qu'elle est cette chanson? je sais que c'est vague mais bon.....si vous ne trouvez pas je suis ouverte à des suggestions d'autres chansons extraordinaires!!!😉