Salut à vous, Ô extra-terrestres, si vous existez??????
J'irai en Afrique du sud (entre autres) en 2015 (finalement)
Si parmi vous, il y en a qui prennent le temps d'aller écouter de la musique en Afrique du sud, même si, je sais, je sais, on y va pour les animaux, mais quand même..... il y a une vie culturelle la-bas, hein?
Voici un article que j'ai trouvé qui donne le nom des clubs de jazz à Johannesburg.
http://www.travelstart.co.za/blog/jazzing-it-up-in-jozi/
J'ai trouvé le jazzy rainbow à Durban si vous en connaissez d'autres , ça m'intéresse.
http://www.zajazz.net/venue.php?venue=570
et à Cape town,
le restaurant asoka
http://www.zajazz.net/details.php?id=131990
Il y a un concert hall à Cape town! yes!
http://www.zajazz.net/venue.php?venue=221
Je vais aussi me renseigner pour les lieux de découverte de musiques traditionnelles,
Bon, voilà, amateurs de musique dans ces contrées australes, si jamais vous existez, faites moi un signe sur ce post, ainsi je pourrai dire les amateurs de musique en afrique australe existent, je les ai rencontrés!
« Virtuose, ludique et attachant » (Le Figaro, 2018)
Une carrière à « pas de géant »
Ex-étudiante en piano classique convertie au jazz (vocal), la chanteuse Camille Bertault s’est fait connaître sur Facebook en reprenant à la voix quelques solos fameux et particulièrement difficiles des plus grands instrumentistes du jazz dont un solo ultrarapide de John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps » (pas de géant en français), l'un des morceaux et albums légendaires du jazz moderne... L’aisance sidérante de cette jeune Française (31) dans cet exercice est renversante : dès lors qu’elle en a posté des vidéos sur le web, 700.000 vues en quatre jours attirent la maison de disque Sony Music qui la signe pour deux albums magnifiques : « En Vie », premier opus (2016) et « Pas de Géant », le dernier sorti début 2018. Son chant scat hors norme swingue entre le français et une petite touche d’anglais et portugais, porté par une voix sensuelle et joyeuse qui alterne entre les styles avec grande virtuosité. Une intonation parfaite, un timing captivant, un timbre clair, une précision incroyable et des hauteurs du son impressionnantes – elle incorpore tout ça. Un véritable phénomène...
Tout commence par une vidéo amateur postée sur le net : la jeune chanteuse française Camille Bertault se filme en chantant note pour note le solo du John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps ». Elle multiple alors – du même tonneau, toutes ébouriffantes les unes que les autres – les réinterprétations et improvisations de quelques poids lourds du jazz contemporain dont Bill Evans, Wayne Shorter, Sonny Rollins, Herbie Hancock, Roy Hargrove et Hermeto Pascoal. Bingo ! En quelques semaines, cette Française remuante s’est fait un nom et sa carrière est lancée…
A quatre ans, Camille s’initie au piano grâce à son père, pianiste amateur de jazz, qui lui met dans les oreilles Bill Evans et Keith Jarrett, et lui apprend Ravel, Chopin et Scriabine, les quelques préludes de Bach et Debussy. A l’âge de huit, elle se rend au conservatoire. Camille Bertault fait aussi de la danse, du théâtre : au bout de vingt ans, fatiguée de la structure stricte et rigide du conservatoire, elle abandonne le piano pour le chant. Après une incursion dans le milieu du théâtre, elle reconnaît enfin que c’est le rapport texte/musique qui la passionne vraiment. Puis, imprégnée des chansons de Ferré, Brassens et Gainsbourg, elle commence à écrire ses propres chansons et intègre le Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris (CRR) en section jazz, en tant que chanteuse. Elle y reçoit une solide formation en composition, harmonie et chant jazz, bref, elle travaille l’improvisation, peaufine sa technique et prend confiance grâce à la chanteuse Sara Lazarus, « ma seule et unique prof de chant jazz en fin de compte ».
En parallèle, elle crée le duo guitare-voix-clavier-pédale looper, TIPA (aux textes français bien acides et au rythme qui groove, théâtral et culotté), qui obtient une bourse de la mairie de Paris, fait plusieurs tournées au Japon et au Brésil, et enregistre l’album « 100% coton ».
« J’ai toujours chanté, un peu avec mon père, mais toujours de manière assez festive », raconte Camille. Entre-temps, le chant et l’improvisation font partie de sa vie. Dans la rue, dans les transports, Camille Bertault chante, écoute des solos et tente de les reproduire, comme un défi : « Pendant une semaine je me mets le casque sur les oreilles et je chante. Les gens me regardent un peu bizarrement parfois c’est vrai », s’amuse-t-elle.
Peu après, un premier album s’enclenche, « En Vie », qui sort au printemps 2016 et qui met en œuvre les intentions musicales de Camille Bertault, à savoir, de ne pas produire un album où la voix n’est qu’un matériau mais où les textes sont aussi suffisamment étroits (« Je suis très attentive aux textes, j'aime le rôle de conteur qui incombe aux chanteurs, cela me vient du théâtre et du cabaret »). Publié par le label Sunnyside, cet album début enregistré avec un trio composé du pianiste Olivier Hutman, du contrebassiste Gildas Boclé et du batteur Antoine Paganotti, est une collection de six de ses propres compositions et quatre morceaux appartenant au répertoire du jazz (entre autres l’illustre « Prelude to a Kiss » de Duke Ellington), auxquels Camille Bertault donne des paroles à elle, joviales, plaisantines, songeuses, teintées de mélancolie et d’ironie, toujours en français. Le bilan est « frais, c’est vif, c’est habile et léger, c’est beau et mélodieux, ça pétille ; c’est admirablement soutenu par le trio du pianiste Olivier Hutman » (bananierbleu.fr). Tous les arrangements et compositions accordent amplement de place aux instrumentistes en confortant cet esprit de finesse et de légèreté. Bref, un disque passionnant, plein de charme, de joie et de sensibilité…
Après le superbe album début qui donne envie d’écouter plus encore Camille Bertault, elle revient avec son second album « Pas de Géant », fort de seize titres, en ce début d’année. Dans la continuité de son premier opus, la chanteuse nous propose encore un album très personnel. On redécouvre des réinterprétations de classiques comme un pot-pourri magistral de Ravel (seize mélodies en quatre minutes) et la première des trente « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach ainsi que des classiques de la chanson française comme « Je me suis fait tout petit » de Georges Brassens et « Comme te dire adieu » de Serge Gainsbourg. L’album se clôture avec une reprise déjantée de « Conne » écrite par Brigitte Fontaine. Et, c’est évident, il ne faut pas non plus manquer le jazz : elle reprend alors des standards comme « Very Early » de Bill Evans ou « House of Jade » de Wayne Shorter mais aussi « Giant Steps », l’historique standard de John Coltrane (1959), devenu sous ses mains une chanson, un vocalese sous le titre « Là où tu vas » ayant repris note à note le jeu de saxophone, dans la version qui l’a rendue populaire sur internet :
« Pas de géant tu As fait quand tu a compris Que tu n'es pas là pour être ce Que le monde veut Pas de géant tu As fait quand ce que tu donnes Vient d'ici, pas d'ailleurs Ni d'là-bas Et qu'tu sais là où tu vas »
Pour proposer un album vraiment personnel, Camille Bertault ne se contente uniquement de reprises. Sept propres compositions complètent cet album, dont une chantée en anglais, où les rêves, la mélancolie, l’intimité et la poésie sont au programme. C’est donc un bel album original que nous offre Camille Bertault, chaque pièce une porte ouverte sur la personnalité de cette chanteuse. Sur l’album, Camille Bertault (voix, compositions, textes, arrangements) est accompagnée par Michael Leonhart (arrangements, direction, trompette, bugle, claviers, percussion), Dan Tepfer (piano), Christophe 'Disco' Minck (contrebasse, guitare basse, harpe, synthétiseur), Joe Sanders (contrebasse), Jeff Ballard (batterie), Stéphane Guillaume (saxophones, flûte, clarinette basse), Daniel Mille (accordéon), Mathias Mahler (trombone), et François Salque (violoncelle).
Avec « Pas de Géant », Camille Bertault prouve qu'elle sait unir et combiner tous ses talents divers: sa formation classique de piano, sa passion pour le théâtre et le cabaret, celle pour le jazz et surtout son ingéniosité illimitée et sa liberté. Elle est une vraie artiste qui vit sa vie sur scène, qui ressent cette énergie virtuose, qui la fait carrément briller en chantant. Elle ne fait pas non seulement de la musique, elle est de la musique pure et dure. Si elle hurle, chuchote ou scatte, dans tous les registres qu’elle survole à une vitesse folle: sa voix est toujours au centre. De plus, Bertault est une brilliante conteuse qui sait mettre en musique le grand patrimoine des chansonniers français, ainsi que les « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach. Sur cet album, Camille Bertault ne cache rien. Parfois nostalgique, parfois mélancolique, parfois farceuse, parfois déjantée, elle montre, en toute liberté, ses différentes facettes. Une personnalité musicale impressionnante – un album impressionnant...
Disques :
Camille Bertault 2016. En Vie. Sunnyside. Camille Bertault 2018. Pas de Géant. Okeh (Sony Music).
Vidéos :
Camille Bertault 'chante' le grand John Coltrane :
https://www.youtube.com/watch?v=OkQRt82jKfU
Camille Bertault 'chante' Hermeto Pascoal :
https://www.youtube.com/watch?v=gJ76xbFWY90
Camille Bertault 'chante' « Course » :
https://www.youtube.com/watch?v=Hw43Z61N86w
Camille Bertault 'chante' « En Vie » (live, avec le trio du pianiste Olivier Hutman) :
https://www.youtube.com/watch?v=oFb0s_WdbyY
Amusez-vous bien !
Hery
Une carrière à « pas de géant »
Ex-étudiante en piano classique convertie au jazz (vocal), la chanteuse Camille Bertault s’est fait connaître sur Facebook en reprenant à la voix quelques solos fameux et particulièrement difficiles des plus grands instrumentistes du jazz dont un solo ultrarapide de John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps » (pas de géant en français), l'un des morceaux et albums légendaires du jazz moderne... L’aisance sidérante de cette jeune Française (31) dans cet exercice est renversante : dès lors qu’elle en a posté des vidéos sur le web, 700.000 vues en quatre jours attirent la maison de disque Sony Music qui la signe pour deux albums magnifiques : « En Vie », premier opus (2016) et « Pas de Géant », le dernier sorti début 2018. Son chant scat hors norme swingue entre le français et une petite touche d’anglais et portugais, porté par une voix sensuelle et joyeuse qui alterne entre les styles avec grande virtuosité. Une intonation parfaite, un timing captivant, un timbre clair, une précision incroyable et des hauteurs du son impressionnantes – elle incorpore tout ça. Un véritable phénomène...
Tout commence par une vidéo amateur postée sur le net : la jeune chanteuse française Camille Bertault se filme en chantant note pour note le solo du John Coltrane tiré de l’enregistrement mythique de « Giant Steps ». Elle multiple alors – du même tonneau, toutes ébouriffantes les unes que les autres – les réinterprétations et improvisations de quelques poids lourds du jazz contemporain dont Bill Evans, Wayne Shorter, Sonny Rollins, Herbie Hancock, Roy Hargrove et Hermeto Pascoal. Bingo ! En quelques semaines, cette Française remuante s’est fait un nom et sa carrière est lancée…
A quatre ans, Camille s’initie au piano grâce à son père, pianiste amateur de jazz, qui lui met dans les oreilles Bill Evans et Keith Jarrett, et lui apprend Ravel, Chopin et Scriabine, les quelques préludes de Bach et Debussy. A l’âge de huit, elle se rend au conservatoire. Camille Bertault fait aussi de la danse, du théâtre : au bout de vingt ans, fatiguée de la structure stricte et rigide du conservatoire, elle abandonne le piano pour le chant. Après une incursion dans le milieu du théâtre, elle reconnaît enfin que c’est le rapport texte/musique qui la passionne vraiment. Puis, imprégnée des chansons de Ferré, Brassens et Gainsbourg, elle commence à écrire ses propres chansons et intègre le Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris (CRR) en section jazz, en tant que chanteuse. Elle y reçoit une solide formation en composition, harmonie et chant jazz, bref, elle travaille l’improvisation, peaufine sa technique et prend confiance grâce à la chanteuse Sara Lazarus, « ma seule et unique prof de chant jazz en fin de compte ».
En parallèle, elle crée le duo guitare-voix-clavier-pédale looper, TIPA (aux textes français bien acides et au rythme qui groove, théâtral et culotté), qui obtient une bourse de la mairie de Paris, fait plusieurs tournées au Japon et au Brésil, et enregistre l’album « 100% coton ».
« J’ai toujours chanté, un peu avec mon père, mais toujours de manière assez festive », raconte Camille. Entre-temps, le chant et l’improvisation font partie de sa vie. Dans la rue, dans les transports, Camille Bertault chante, écoute des solos et tente de les reproduire, comme un défi : « Pendant une semaine je me mets le casque sur les oreilles et je chante. Les gens me regardent un peu bizarrement parfois c’est vrai », s’amuse-t-elle.
Peu après, un premier album s’enclenche, « En Vie », qui sort au printemps 2016 et qui met en œuvre les intentions musicales de Camille Bertault, à savoir, de ne pas produire un album où la voix n’est qu’un matériau mais où les textes sont aussi suffisamment étroits (« Je suis très attentive aux textes, j'aime le rôle de conteur qui incombe aux chanteurs, cela me vient du théâtre et du cabaret »). Publié par le label Sunnyside, cet album début enregistré avec un trio composé du pianiste Olivier Hutman, du contrebassiste Gildas Boclé et du batteur Antoine Paganotti, est une collection de six de ses propres compositions et quatre morceaux appartenant au répertoire du jazz (entre autres l’illustre « Prelude to a Kiss » de Duke Ellington), auxquels Camille Bertault donne des paroles à elle, joviales, plaisantines, songeuses, teintées de mélancolie et d’ironie, toujours en français. Le bilan est « frais, c’est vif, c’est habile et léger, c’est beau et mélodieux, ça pétille ; c’est admirablement soutenu par le trio du pianiste Olivier Hutman » (bananierbleu.fr). Tous les arrangements et compositions accordent amplement de place aux instrumentistes en confortant cet esprit de finesse et de légèreté. Bref, un disque passionnant, plein de charme, de joie et de sensibilité…
Après le superbe album début qui donne envie d’écouter plus encore Camille Bertault, elle revient avec son second album « Pas de Géant », fort de seize titres, en ce début d’année. Dans la continuité de son premier opus, la chanteuse nous propose encore un album très personnel. On redécouvre des réinterprétations de classiques comme un pot-pourri magistral de Ravel (seize mélodies en quatre minutes) et la première des trente « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach ainsi que des classiques de la chanson française comme « Je me suis fait tout petit » de Georges Brassens et « Comme te dire adieu » de Serge Gainsbourg. L’album se clôture avec une reprise déjantée de « Conne » écrite par Brigitte Fontaine. Et, c’est évident, il ne faut pas non plus manquer le jazz : elle reprend alors des standards comme « Very Early » de Bill Evans ou « House of Jade » de Wayne Shorter mais aussi « Giant Steps », l’historique standard de John Coltrane (1959), devenu sous ses mains une chanson, un vocalese sous le titre « Là où tu vas » ayant repris note à note le jeu de saxophone, dans la version qui l’a rendue populaire sur internet :
« Pas de géant tu As fait quand tu a compris Que tu n'es pas là pour être ce Que le monde veut Pas de géant tu As fait quand ce que tu donnes Vient d'ici, pas d'ailleurs Ni d'là-bas Et qu'tu sais là où tu vas »
Pour proposer un album vraiment personnel, Camille Bertault ne se contente uniquement de reprises. Sept propres compositions complètent cet album, dont une chantée en anglais, où les rêves, la mélancolie, l’intimité et la poésie sont au programme. C’est donc un bel album original que nous offre Camille Bertault, chaque pièce une porte ouverte sur la personnalité de cette chanteuse. Sur l’album, Camille Bertault (voix, compositions, textes, arrangements) est accompagnée par Michael Leonhart (arrangements, direction, trompette, bugle, claviers, percussion), Dan Tepfer (piano), Christophe 'Disco' Minck (contrebasse, guitare basse, harpe, synthétiseur), Joe Sanders (contrebasse), Jeff Ballard (batterie), Stéphane Guillaume (saxophones, flûte, clarinette basse), Daniel Mille (accordéon), Mathias Mahler (trombone), et François Salque (violoncelle).
Avec « Pas de Géant », Camille Bertault prouve qu'elle sait unir et combiner tous ses talents divers: sa formation classique de piano, sa passion pour le théâtre et le cabaret, celle pour le jazz et surtout son ingéniosité illimitée et sa liberté. Elle est une vraie artiste qui vit sa vie sur scène, qui ressent cette énergie virtuose, qui la fait carrément briller en chantant. Elle ne fait pas non seulement de la musique, elle est de la musique pure et dure. Si elle hurle, chuchote ou scatte, dans tous les registres qu’elle survole à une vitesse folle: sa voix est toujours au centre. De plus, Bertault est une brilliante conteuse qui sait mettre en musique le grand patrimoine des chansonniers français, ainsi que les « Variations Goldberg » de Johann Sebastian Bach. Sur cet album, Camille Bertault ne cache rien. Parfois nostalgique, parfois mélancolique, parfois farceuse, parfois déjantée, elle montre, en toute liberté, ses différentes facettes. Une personnalité musicale impressionnante – un album impressionnant...
Disques :
Camille Bertault 2016. En Vie. Sunnyside. Camille Bertault 2018. Pas de Géant. Okeh (Sony Music).
Vidéos :
Camille Bertault 'chante' le grand John Coltrane :
https://www.youtube.com/watch?v=OkQRt82jKfU
Camille Bertault 'chante' Hermeto Pascoal :
https://www.youtube.com/watch?v=gJ76xbFWY90
Camille Bertault 'chante' « Course » :
https://www.youtube.com/watch?v=Hw43Z61N86w
Camille Bertault 'chante' « En Vie » (live, avec le trio du pianiste Olivier Hutman) :
https://www.youtube.com/watch?v=oFb0s_WdbyY
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Hery
« Tony kept studying and searching, right up to the end. This was a man who was born a genius. He was advanced as a drummer at the age of 15, and he kept striving his entire life, regardless of what people thought about him. He was a true innovator. » (Cindy Blackman-Santana sur son idole)
Par finesse de tonnerre
C’est en 1997 que Tony Williams (*1945) nous a quittés, bien trop tôt ... et, à mon avis, son œuvre musicale est trop peu appréciée depuis.
Tony Williams, l’enfant prodige du jazz à l’époque, qui, déjà à 14 ans, jamme avec les plus grands du jazz, qui, à 17 ans, reprend la batterie au grand quintette de Miles Davis (avec Wayne Shorter/ténor + soprano, Chick Corea/piano, Dave Holland/basse), et qui, à la fin des années 60, quitte Miles pour fonder son propre groupe, le légendaire Tony Williams Lifetime, avec John McLaughlin (guitare), Larry Young (orgue) et, à partir du second album, l’ex-membre de Cream, Jack Bruce (basse).
Par son jeu « binaire » à la batterie, Williams ouvre de nouvels espaces d’improvisations pour ses compagnons, ses finesses polyrythmiques lui font tôt un visionnaire à la batterie, souvent qualifié du plus grand batteur du jazz de tous les temps (pour moi, en tout cas). Peu étonnant, qu’il participe en 1969 à l’enregistrement du premier album fusion de l’histoire du jazz : « In a Silent Way » du grand Miles Davis, où il relie l’énergie du rock avec le sens et la technique du jazz. Par la fondation du Lifetime, Williams recherche les profondes combinaisons du hardbop, funk, rock, rhythm & blues et free jazz. Aujourd’hui, l’album début du Tony Williams Lifetime, « Emergency », est considéré communément comme album-clé du mouvement jazzrock.
Passionnés par la musique de Tony Williams, et surtout celle de son Lifetime, les musiciens Vernon Reid (guitare ; ex-Living Colour), John Medeski (claviers), Jack Bruce (basse, voix) et Cindy Blackman-Santana (batterie, voix) se réunissent en 2008 pour créer le projet « Spectrum Road » (d’après le titre du morceau « Via the Spectrum Road » de l’album début du Tony Williams Lifetime). Le groupe et l’album éponyme sont beaucoup plus qu’un autre hommage de ce génial batteur. Déjà le opener « Vuelta Abajo » est un manifeste : le hammond B3 mute à un animal hurlant et manifeste de manière exemplaire comment de l’électricité brutale peut faire sauter la physique du son. Sans cesse, le quartette revêt des éléments du progrock, funk, metal et blues du modèle de Lifetime. Ainsi se forment des paysages sonores à la fois sages et envoûtants qui font penser aux concerts « Live Evil » de Miles Davis ou à « Band of Gypsys » de Jimi Hendrix. La rapidité inquiétante et l’agressivité du jeu de guitare de Vernon Reid, l’exstase contrôlée de la batterie, jouée par Cindy Blackman qui sait par cœur l’œuvre complète de son idole Tony Williams, plus le groove et les sonorités expérimentales de l’orgue de Medeski caractérisent essentiellement une musique hautement énergétique entre idylle et folie !
Spectrum Road n’est pas le premier groupe à rendre hommage au Tony Williams Lifetime mais certainement le plus violent et le plus assourdissant (voir la discographie en bas). Cette musique de tonnerre est le souvenir le plus convaincant de l’avenir du genre jazzrock, déclaré mort depuis longtemps. Donc, bienvenue à ce groupe d’une qualité rare, et bienvenue à une musicienne-batteuse pleine de séduction qui maintient vivant l’œuvre unique d’un batteur révolutionnaire. Plus, qu’elle est d’une beauté ravissante (jamais vu une qui est encore plus belle que Cindy Blackman-Santana). En tant que mélomane, qu’est-ce qu’on veut encore plus ...
Donnez-vous à la musique semblable à un ouragan du supergroupe Spectrum Road, avec Vernon Reid, John Medeski, Jack Bruce et Cindy Blackman-Santana !
Albums :
a. Spectrum Road :
Spectrum Road (2011) : Spectrum Road. Palmetto Rec.
b. Autres hommages :
Cindy Blackman-Santana (2010) : Another Lifetime. FourQuarters. Trio Beyond (2006) : Saudades. ECM Rec.
c. Œuvres originales du Tony Williams Lifetime :
Tony Williams Lifetime (2011) : Emergency (remastered). Cherry Read/Rough Trade. Tony Williams Lifetime (2011) : Turn it over (enlarged + remastered). Cherry Read/Rough Trade. Tony Williams Lifetime (1999) : Ego. Verve/Universal.
Herbert
Par finesse de tonnerre
C’est en 1997 que Tony Williams (*1945) nous a quittés, bien trop tôt ... et, à mon avis, son œuvre musicale est trop peu appréciée depuis.
Tony Williams, l’enfant prodige du jazz à l’époque, qui, déjà à 14 ans, jamme avec les plus grands du jazz, qui, à 17 ans, reprend la batterie au grand quintette de Miles Davis (avec Wayne Shorter/ténor + soprano, Chick Corea/piano, Dave Holland/basse), et qui, à la fin des années 60, quitte Miles pour fonder son propre groupe, le légendaire Tony Williams Lifetime, avec John McLaughlin (guitare), Larry Young (orgue) et, à partir du second album, l’ex-membre de Cream, Jack Bruce (basse).
Par son jeu « binaire » à la batterie, Williams ouvre de nouvels espaces d’improvisations pour ses compagnons, ses finesses polyrythmiques lui font tôt un visionnaire à la batterie, souvent qualifié du plus grand batteur du jazz de tous les temps (pour moi, en tout cas). Peu étonnant, qu’il participe en 1969 à l’enregistrement du premier album fusion de l’histoire du jazz : « In a Silent Way » du grand Miles Davis, où il relie l’énergie du rock avec le sens et la technique du jazz. Par la fondation du Lifetime, Williams recherche les profondes combinaisons du hardbop, funk, rock, rhythm & blues et free jazz. Aujourd’hui, l’album début du Tony Williams Lifetime, « Emergency », est considéré communément comme album-clé du mouvement jazzrock.
Passionnés par la musique de Tony Williams, et surtout celle de son Lifetime, les musiciens Vernon Reid (guitare ; ex-Living Colour), John Medeski (claviers), Jack Bruce (basse, voix) et Cindy Blackman-Santana (batterie, voix) se réunissent en 2008 pour créer le projet « Spectrum Road » (d’après le titre du morceau « Via the Spectrum Road » de l’album début du Tony Williams Lifetime). Le groupe et l’album éponyme sont beaucoup plus qu’un autre hommage de ce génial batteur. Déjà le opener « Vuelta Abajo » est un manifeste : le hammond B3 mute à un animal hurlant et manifeste de manière exemplaire comment de l’électricité brutale peut faire sauter la physique du son. Sans cesse, le quartette revêt des éléments du progrock, funk, metal et blues du modèle de Lifetime. Ainsi se forment des paysages sonores à la fois sages et envoûtants qui font penser aux concerts « Live Evil » de Miles Davis ou à « Band of Gypsys » de Jimi Hendrix. La rapidité inquiétante et l’agressivité du jeu de guitare de Vernon Reid, l’exstase contrôlée de la batterie, jouée par Cindy Blackman qui sait par cœur l’œuvre complète de son idole Tony Williams, plus le groove et les sonorités expérimentales de l’orgue de Medeski caractérisent essentiellement une musique hautement énergétique entre idylle et folie !
Spectrum Road n’est pas le premier groupe à rendre hommage au Tony Williams Lifetime mais certainement le plus violent et le plus assourdissant (voir la discographie en bas). Cette musique de tonnerre est le souvenir le plus convaincant de l’avenir du genre jazzrock, déclaré mort depuis longtemps. Donc, bienvenue à ce groupe d’une qualité rare, et bienvenue à une musicienne-batteuse pleine de séduction qui maintient vivant l’œuvre unique d’un batteur révolutionnaire. Plus, qu’elle est d’une beauté ravissante (jamais vu une qui est encore plus belle que Cindy Blackman-Santana). En tant que mélomane, qu’est-ce qu’on veut encore plus ...
Donnez-vous à la musique semblable à un ouragan du supergroupe Spectrum Road, avec Vernon Reid, John Medeski, Jack Bruce et Cindy Blackman-Santana !
Albums :
a. Spectrum Road :
Spectrum Road (2011) : Spectrum Road. Palmetto Rec.
b. Autres hommages :
Cindy Blackman-Santana (2010) : Another Lifetime. FourQuarters. Trio Beyond (2006) : Saudades. ECM Rec.
c. Œuvres originales du Tony Williams Lifetime :
Tony Williams Lifetime (2011) : Emergency (remastered). Cherry Read/Rough Trade. Tony Williams Lifetime (2011) : Turn it over (enlarged + remastered). Cherry Read/Rough Trade. Tony Williams Lifetime (1999) : Ego. Verve/Universal.
Herbert
Vendredi 22 septembre à 20h30
Vidushi Sumitra Guha et ses musiciens Chants de l’Inde
Elle l’affirme avec force : « je suis parce que je chante ». Ce constat presque cartésien est à l’image de cette femme d’exception, formée dès son plus jeune âge à la musique carnatique par les plus grand maîtres du sud de l’Inde, puis convertie dès l’université à la musique hindoustanie… Sa dévotion sans faille à la musique l’a conduite, après son mariage contracté à l’âge de 19 ans, à se lever tous les jours à quatre heures du matin pour pouvoir pratiquer son art. Sa famille, convaincue par tant de passion, l’a non seulement encouragée mais aidée à poursuivre dans cette voie … Vidushi Sumitra Guha excelle dans les subtilités mélodiques et ceci n'est pas une surprise lorsque l’on sait qu’elle est élève de la Kirana Gharana. Mais, quelque soit l’école, c’est en développant un style propre, au-delà des conventions et des pressions culturelles, qu’elle a tissé avec inventivité ses improvisations exceptionnelles, fruits d’une personnalité musicale inimitable. Un critique du journal indien « Enadu » a prétendu qu’elle pouvait non seulement faire fondre le cœur des hommes mais aussi celui des pierres.
Auditorium Guimet, 6 place d’Iéna 75116 Paris Métro Iéna ou Boissière
Prix des places : 16 et 10 €
Renseignements réservations : 01 40 73 88 18 ou auditorium@guimet.fr
Vidushi Sumitra Guha et ses musiciens Chants de l’Inde
Elle l’affirme avec force : « je suis parce que je chante ». Ce constat presque cartésien est à l’image de cette femme d’exception, formée dès son plus jeune âge à la musique carnatique par les plus grand maîtres du sud de l’Inde, puis convertie dès l’université à la musique hindoustanie… Sa dévotion sans faille à la musique l’a conduite, après son mariage contracté à l’âge de 19 ans, à se lever tous les jours à quatre heures du matin pour pouvoir pratiquer son art. Sa famille, convaincue par tant de passion, l’a non seulement encouragée mais aidée à poursuivre dans cette voie … Vidushi Sumitra Guha excelle dans les subtilités mélodiques et ceci n'est pas une surprise lorsque l’on sait qu’elle est élève de la Kirana Gharana. Mais, quelque soit l’école, c’est en développant un style propre, au-delà des conventions et des pressions culturelles, qu’elle a tissé avec inventivité ses improvisations exceptionnelles, fruits d’une personnalité musicale inimitable. Un critique du journal indien « Enadu » a prétendu qu’elle pouvait non seulement faire fondre le cœur des hommes mais aussi celui des pierres.
Auditorium Guimet, 6 place d’Iéna 75116 Paris Métro Iéna ou Boissière
Prix des places : 16 et 10 €
Renseignements réservations : 01 40 73 88 18 ou auditorium@guimet.fr
"It's hard to imagine a more impressive and passionate rendering of Malian music on classical guitar." (Banning Eyre, Afropop Worldwide)
Répertoire mandingue retranscrit en guitare classique
Quelle prouesse ! Le guitariste sud-africain Derek Gripper réussit à transcrire avec brio le répertoire de kora pour la guitare classique à six cordes et fait ainsi entrer la guitare africaine dans le courant classique...
On se raconte : après avoir écouté les premiers enregistrements de guitare, le virtuose de kora, Toumani Diabaté, demande la productrice Lucy Durán d'attester qu’elle avait effectivement vu une seule personne jouer cette musique sur une seule guitare. Par la suite, Toumani Diabaté invite Gripper à collaborer avec lui au Mali et à se produire dans la foulée au Festival Acoustik de Bamako au début 2016. Gripper joue également à différentes reprises à Londres avec la légende de la guitare classique, John Williams, et avec l'incroyable Debashish Bhattacharya en tant que joueur de slide guitare indien, avec lequel il continue à collaborer cette année.
Gripper commence sa formation musicale à l'âge de 6 ans sur le violon d'abord. Après avoir étudié la musique classique au Cap pendant 13 ans, il recherche de nouveaux défis musicaux. Cette recherche le mène au sous-continent indien, où il étudie la musique carnatique de l'Inde du Sud. Après son retour, il se concentre sur la guitare en essayant de trouver une nouvelle direction pour son instrument. Il s'absorbe dans la musique à plusieurs couches d'Olivier Messiaen et dans les structures polyrythmiques de la musique répétitive de Steve Reich, ainsi que dans la musique de J.S. Bach. Gripper s'inspire également du compositeur et guitariste brésilien Egberto Gismonti.
Ses projets musicaux les plus récents incorporent des transcriptions et des improvisations centrées autour les œuvres des compositeurs-interprètes africains, tels que Madosini (Afrique du Sud), Ali Farka Touré, Ballaké Sissoko, Salif Keïta et Fanta Sacko (tous Mali) et Amadu Bansang Jobarteh (Gambie), ainsi que ses propres compositions basées sur la musique du Cap occidental de l'Afrique du Sud et au-delà. Dans son neuvième album, "One Night on Earth : Music from the Strings of Mali" (2012), enregistré lors d'une séance nocturne, Gripper explore l'incroyable richesse du patrimoine séculaire musical africain/malien, en retranscrivant magistralement pour la guitare classique des compositions de kora. Un véritable régal pour les oreilles, un exploit prodigieux que John Williams pensait "totalement impossible jusqu’au moment où j’ai entendu Derek Gripper le faire."
Gripper continue à explorer la ligne entre improvisation et interprétation classique, en appliquant des leçons qu'il a apprises des grands maîtres d'Afrique, et telles comprises tout de la composition à l'interprétation de la musique de J.S. Bach.
Enjoy it, Hery
Vidéo 1 (Derek Gripper : NPR Music Tiny Desk Concert) :
https://www.youtube.com/watch?v=55QnOlXckOk
Vidéo 2 (Derek Gripper Live at the Slave Church, Cape Town) :
https://www.youtube.com/watch?v=TRhPRKz2EIQ
Répertoire mandingue retranscrit en guitare classique
Quelle prouesse ! Le guitariste sud-africain Derek Gripper réussit à transcrire avec brio le répertoire de kora pour la guitare classique à six cordes et fait ainsi entrer la guitare africaine dans le courant classique...
On se raconte : après avoir écouté les premiers enregistrements de guitare, le virtuose de kora, Toumani Diabaté, demande la productrice Lucy Durán d'attester qu’elle avait effectivement vu une seule personne jouer cette musique sur une seule guitare. Par la suite, Toumani Diabaté invite Gripper à collaborer avec lui au Mali et à se produire dans la foulée au Festival Acoustik de Bamako au début 2016. Gripper joue également à différentes reprises à Londres avec la légende de la guitare classique, John Williams, et avec l'incroyable Debashish Bhattacharya en tant que joueur de slide guitare indien, avec lequel il continue à collaborer cette année.
Gripper commence sa formation musicale à l'âge de 6 ans sur le violon d'abord. Après avoir étudié la musique classique au Cap pendant 13 ans, il recherche de nouveaux défis musicaux. Cette recherche le mène au sous-continent indien, où il étudie la musique carnatique de l'Inde du Sud. Après son retour, il se concentre sur la guitare en essayant de trouver une nouvelle direction pour son instrument. Il s'absorbe dans la musique à plusieurs couches d'Olivier Messiaen et dans les structures polyrythmiques de la musique répétitive de Steve Reich, ainsi que dans la musique de J.S. Bach. Gripper s'inspire également du compositeur et guitariste brésilien Egberto Gismonti.
Ses projets musicaux les plus récents incorporent des transcriptions et des improvisations centrées autour les œuvres des compositeurs-interprètes africains, tels que Madosini (Afrique du Sud), Ali Farka Touré, Ballaké Sissoko, Salif Keïta et Fanta Sacko (tous Mali) et Amadu Bansang Jobarteh (Gambie), ainsi que ses propres compositions basées sur la musique du Cap occidental de l'Afrique du Sud et au-delà. Dans son neuvième album, "One Night on Earth : Music from the Strings of Mali" (2012), enregistré lors d'une séance nocturne, Gripper explore l'incroyable richesse du patrimoine séculaire musical africain/malien, en retranscrivant magistralement pour la guitare classique des compositions de kora. Un véritable régal pour les oreilles, un exploit prodigieux que John Williams pensait "totalement impossible jusqu’au moment où j’ai entendu Derek Gripper le faire."
Gripper continue à explorer la ligne entre improvisation et interprétation classique, en appliquant des leçons qu'il a apprises des grands maîtres d'Afrique, et telles comprises tout de la composition à l'interprétation de la musique de J.S. Bach.
Enjoy it, Hery
Vidéo 1 (Derek Gripper : NPR Music Tiny Desk Concert) :
https://www.youtube.com/watch?v=55QnOlXckOk
Vidéo 2 (Derek Gripper Live at the Slave Church, Cape Town) :
https://www.youtube.com/watch?v=TRhPRKz2EIQ
"After more than 30 years of being "disappeared", Grimes made it back into the world, and the jazz world, [...]. Grimes is once again active in music… a remarkable comeback, both musically and emotionally. Too often the jazz life offers more victims than survivors, and Henry Grimes' life is a rare story of the latter." (JazzTimes)
La renaissance d'une légende vivante
Le contrebassiste (et violoniste) Henry Grimes, né à Philadelphie en 1935, est une figure emblématique, un des architectes de la musique afro-américaine d'avant-garde (free-jazz, musique improvisée), un musicien qui a traîné sa contrebasse dans les années 60 avec les plus grands du genre tels que Charles Mingus, Thelonious Monk, Sonny Rollins, Albert Ayler, Don Cherry, Archie Shepp, Pharoah Sanders, McCoy Tyner et Cecil Taylor. Mais un beau jour, il a disparu de la carte sans laisser de trace. On l'a même cru mort. Retrouvé de nombreuses années plus tard, soit en 2002, Grimes reprend sa carrière et collabore depuis avec Marshall Allen, David Murray, Rashied Ali, Wadada Leo Smith, encore Cecil Taylor et surtout avec le guitariste Marc Ribot. Sans doute, sa mystérieuse disparition compte parmi les histoires les plus rocambolesques au jazz ...
"Ressuscité" après la "mort" (les quelques ouvrages encyclopédiques jazz le supposaient mort*) en 2002, grâce à un passionné de jazz, qui l'a retracé et reconnu, on voit à nouveau Henry Grimes réapparaître sur la scène de la musique jazz et contemporaine. En fait, son histoire, triste d'abord, est finalement celle d'un succès continu qui pourrait servir bel et bien à un scénario hollywoodien ... Depuis, Henry Grimes a dû expliquer plein de fois cette disparition exceptionnelle. Selon ses dires, tout se résume à la perte de son insturment endommagé lors de son voyage à voiture vers la Californie. Faute de moyen pour le faire réparer, il s'est résolu à le vendre à Los Angeles. Ainsi privé de sa contrebasse, il survit grâce à des petits boulots et à l'aide sociale. Seules l’écriture et la poésie ont comblé ses temps libres durant les années qui ont suivi, à savoir 35 au total : jusqu'à ce jour où il est reconnu dans la rue ... Une fois le retour pris, tout va très vite : son collègue contrebassiste William Parker lui fait cadeau d'un instrument et l'anime à reprendre son activité musicale, et un an plus tard, en 2003, Henry Grimes retrouve le chemin de la scène. Dans la dernière décennie (2003–2014), lui qui figure sur 90 albums, il donne 500 concerts et participe aux enregistrements d'une dizaine d'albums dont plusieurs sous son propre nom : en 2004, Henry Grimes enregistre la deuxième référence – après son album début The Call (avec le clarinettiste Perry Robinson et le percussionniste Tom Price) des années mi-60 – de sa discographie : Live at the Kerava Jazz Festival, concert donné en Finlande en compagnie du saxophoniste David Murray et du batteur Hamid Drake. Sinon, son retour est marqué par sa rencontre avec le guitariste Marc Ribot et l'album Spiritual Unity (2005) au cadre de son projet Albert Ayler (avec Ribot, Grimes, Chad Taylor/dr et Roy Campbell/tr) ; avec cet album, le quartette rend hommage au disque éponyme de Albert Ayler paru en 1964. Ce guitariste incontournable de la scène new-yorkaise, compositeur et improvisateur recherché par les stars du pop, du rock et du jazz à la fois (Tom Waits, Elvis Costello, Lounge Lizards, Jazz Passengers, Don Byron, John Zorn), aurait-il pu choisir pour ce projet un contrebassiste plus authentique et plus chevronné dans la musique d'Albert Ayler que Henry Grimes, son partenaire dans le passé ? Réduit du défunt trompettiste, le trio Ribot-Grimes-Taylor donne un set live au mythique Village Vanguard en 2013 pour faire revivre l'esprit des grands maîtres, des plus grands maîtres du jazz moderne avec des thèmes légendaires et des improvisations endiablées, une sorte d'hommage au Coltrane dernière époque, et avant tout au saxophoniste free Albert Ayler ; ce grandiose album intitulé Live at the Village Vanguard sort en été 2014.
Son double album Solo (2009), enregistré en solo absolu sans toutes restrictions de durée ni de quoi que ce soit mettant obstacle à sa liberté créative est un tour de force sans pareil sur la contrebasse et le violon, deux improvisations de plus de 150 minutes qui témoignent sa maîtrise instrumentale, son puissant jeu, ses énormes rythmes, son jeu à l'archet et pincé avec grande clarté et imagination. Ce musicien qui fait corps avec son instrument est une source des idées musicales sans limites. Incroyable ! Yes, il y a beaucoup de musique à digérer sur cet album, et Grimes est un véritable modèle de l'auto-réalisation à travers la musique. Cette œuvre l'expédie sans façons dans le panthéon des vrais et rares improvisateurs, au même rang que son ex-bandleader, le pianiste Cecil Taylor. Le boucle est bouclé ...
Aujourd'hui âgé de 79, Henry Grimes vit encore à New York City. Comme dans les années 60, ce contrebassiste d'avant-garde est à nouveau désiré partout, "pour l'éblouissante singularité de sa musique" (Le Monde). Henry Grimes n'est pas mort mais bel et bien en vie ... et en grande forme !!!
Site web : henrygrimes.com
Discographie (extrait) :
— côté historique ...
Henry Grimes Trio (1965). The Call. ESP Thelonious Monk (1958). Newport Jazz Festival. FDC Charles Mingus (1962/1993). In Concert. Jazzman Albert Ayler (1965). Spirits Rejoice. ESP Albert Ayler (1965). Swing Low Sweet Spiritual. Osmosis Albert Ayler (1966). Spirits. ESP Albert Ayler (1967). Live in Greenwich Village. The Complete Impulse Recordings. Impulse! Gil Evans Orchestra / Cecil Taylor (1961). Into the Hot. Impulse! Sonny Rollins (1963). Sonny meets Hawk! RCA Victor McCoy Tyner (1963). Reaching Forth. Impulse! Pharoah Sanders (1966). Tauhid. Impulse! Archie Shepp (1966). On this Night. Impulse! Archie Shepp (1966). Further Fire Music. Impulse! Cecil Taylor (1966). Unit Structures. Blue Note Cecil Taylor (1966). Conquistador! Blue Note Don Cherry (1969). Where is Brooklyn? Blue Note
— côté actuel ...
Henry Grimes / David Murray / Hamid Drake (2005). Live at the Kerava Jazz Festival. Ayler Records Marc Ribot Quartett (2005). Spiritual Unity. Pi Recordings Henry Grimes / Rashied Ali (2008). Going to the Ritual. Porter Records Henry Grimes (2009). Solo. ILK Music Fred Anderson (2009). 21st Century Chase. Delmark Marc Ribot Trio (2014). Live at the Village Vanguard. Pi Recordings
* p.ex. dans Carles/Clergeat/Comolli (1994). Dictionnaire du Jazz. (coll. Bouquins). Ed. Robert Laffont, Paris
Hery
La renaissance d'une légende vivante
Le contrebassiste (et violoniste) Henry Grimes, né à Philadelphie en 1935, est une figure emblématique, un des architectes de la musique afro-américaine d'avant-garde (free-jazz, musique improvisée), un musicien qui a traîné sa contrebasse dans les années 60 avec les plus grands du genre tels que Charles Mingus, Thelonious Monk, Sonny Rollins, Albert Ayler, Don Cherry, Archie Shepp, Pharoah Sanders, McCoy Tyner et Cecil Taylor. Mais un beau jour, il a disparu de la carte sans laisser de trace. On l'a même cru mort. Retrouvé de nombreuses années plus tard, soit en 2002, Grimes reprend sa carrière et collabore depuis avec Marshall Allen, David Murray, Rashied Ali, Wadada Leo Smith, encore Cecil Taylor et surtout avec le guitariste Marc Ribot. Sans doute, sa mystérieuse disparition compte parmi les histoires les plus rocambolesques au jazz ...
"Ressuscité" après la "mort" (les quelques ouvrages encyclopédiques jazz le supposaient mort*) en 2002, grâce à un passionné de jazz, qui l'a retracé et reconnu, on voit à nouveau Henry Grimes réapparaître sur la scène de la musique jazz et contemporaine. En fait, son histoire, triste d'abord, est finalement celle d'un succès continu qui pourrait servir bel et bien à un scénario hollywoodien ... Depuis, Henry Grimes a dû expliquer plein de fois cette disparition exceptionnelle. Selon ses dires, tout se résume à la perte de son insturment endommagé lors de son voyage à voiture vers la Californie. Faute de moyen pour le faire réparer, il s'est résolu à le vendre à Los Angeles. Ainsi privé de sa contrebasse, il survit grâce à des petits boulots et à l'aide sociale. Seules l’écriture et la poésie ont comblé ses temps libres durant les années qui ont suivi, à savoir 35 au total : jusqu'à ce jour où il est reconnu dans la rue ... Une fois le retour pris, tout va très vite : son collègue contrebassiste William Parker lui fait cadeau d'un instrument et l'anime à reprendre son activité musicale, et un an plus tard, en 2003, Henry Grimes retrouve le chemin de la scène. Dans la dernière décennie (2003–2014), lui qui figure sur 90 albums, il donne 500 concerts et participe aux enregistrements d'une dizaine d'albums dont plusieurs sous son propre nom : en 2004, Henry Grimes enregistre la deuxième référence – après son album début The Call (avec le clarinettiste Perry Robinson et le percussionniste Tom Price) des années mi-60 – de sa discographie : Live at the Kerava Jazz Festival, concert donné en Finlande en compagnie du saxophoniste David Murray et du batteur Hamid Drake. Sinon, son retour est marqué par sa rencontre avec le guitariste Marc Ribot et l'album Spiritual Unity (2005) au cadre de son projet Albert Ayler (avec Ribot, Grimes, Chad Taylor/dr et Roy Campbell/tr) ; avec cet album, le quartette rend hommage au disque éponyme de Albert Ayler paru en 1964. Ce guitariste incontournable de la scène new-yorkaise, compositeur et improvisateur recherché par les stars du pop, du rock et du jazz à la fois (Tom Waits, Elvis Costello, Lounge Lizards, Jazz Passengers, Don Byron, John Zorn), aurait-il pu choisir pour ce projet un contrebassiste plus authentique et plus chevronné dans la musique d'Albert Ayler que Henry Grimes, son partenaire dans le passé ? Réduit du défunt trompettiste, le trio Ribot-Grimes-Taylor donne un set live au mythique Village Vanguard en 2013 pour faire revivre l'esprit des grands maîtres, des plus grands maîtres du jazz moderne avec des thèmes légendaires et des improvisations endiablées, une sorte d'hommage au Coltrane dernière époque, et avant tout au saxophoniste free Albert Ayler ; ce grandiose album intitulé Live at the Village Vanguard sort en été 2014.
Son double album Solo (2009), enregistré en solo absolu sans toutes restrictions de durée ni de quoi que ce soit mettant obstacle à sa liberté créative est un tour de force sans pareil sur la contrebasse et le violon, deux improvisations de plus de 150 minutes qui témoignent sa maîtrise instrumentale, son puissant jeu, ses énormes rythmes, son jeu à l'archet et pincé avec grande clarté et imagination. Ce musicien qui fait corps avec son instrument est une source des idées musicales sans limites. Incroyable ! Yes, il y a beaucoup de musique à digérer sur cet album, et Grimes est un véritable modèle de l'auto-réalisation à travers la musique. Cette œuvre l'expédie sans façons dans le panthéon des vrais et rares improvisateurs, au même rang que son ex-bandleader, le pianiste Cecil Taylor. Le boucle est bouclé ...
Aujourd'hui âgé de 79, Henry Grimes vit encore à New York City. Comme dans les années 60, ce contrebassiste d'avant-garde est à nouveau désiré partout, "pour l'éblouissante singularité de sa musique" (Le Monde). Henry Grimes n'est pas mort mais bel et bien en vie ... et en grande forme !!!
Site web : henrygrimes.com
Discographie (extrait) :
— côté historique ...
Henry Grimes Trio (1965). The Call. ESP Thelonious Monk (1958). Newport Jazz Festival. FDC Charles Mingus (1962/1993). In Concert. Jazzman Albert Ayler (1965). Spirits Rejoice. ESP Albert Ayler (1965). Swing Low Sweet Spiritual. Osmosis Albert Ayler (1966). Spirits. ESP Albert Ayler (1967). Live in Greenwich Village. The Complete Impulse Recordings. Impulse! Gil Evans Orchestra / Cecil Taylor (1961). Into the Hot. Impulse! Sonny Rollins (1963). Sonny meets Hawk! RCA Victor McCoy Tyner (1963). Reaching Forth. Impulse! Pharoah Sanders (1966). Tauhid. Impulse! Archie Shepp (1966). On this Night. Impulse! Archie Shepp (1966). Further Fire Music. Impulse! Cecil Taylor (1966). Unit Structures. Blue Note Cecil Taylor (1966). Conquistador! Blue Note Don Cherry (1969). Where is Brooklyn? Blue Note
— côté actuel ...
Henry Grimes / David Murray / Hamid Drake (2005). Live at the Kerava Jazz Festival. Ayler Records Marc Ribot Quartett (2005). Spiritual Unity. Pi Recordings Henry Grimes / Rashied Ali (2008). Going to the Ritual. Porter Records Henry Grimes (2009). Solo. ILK Music Fred Anderson (2009). 21st Century Chase. Delmark Marc Ribot Trio (2014). Live at the Village Vanguard. Pi Recordings
* p.ex. dans Carles/Clergeat/Comolli (1994). Dictionnaire du Jazz. (coll. Bouquins). Ed. Robert Laffont, Paris
Hery
"You didn't have to , because Mr. Threadgill's music sounds like nobody else's, and often gives you all its information at once, a whole complicated system of harmony and motion. Once heard, that's it: You've got it for life." (New York Times)
Tout sauf dogmatique : Henry Threadgill
L'improvisateur, compositeur et bandleader américain Henry Threadgill est l'une des figures essentielles du jazz contemporain. Depuis plus de 40 ans, il suit les sonorités dans sa tête et crée une musique très personnelle, toujours créative et en constante évolution : "stagnation" est un mot étrange pour lui ("To stop seeking, to stop moving, is death"). Sans aucun doute – Henry Threadgill est un solitaire sur la scène de jazz internationale ...
Né en 1944 à Chicago, Henry (Luther) Threadgill étudie au conservatoire de sa ville natale et à la Governors State University (Illinois). Adolescent, il joue du saxophone dans des fanfares, accompagne les chanteurs de blues dans les clubs de Chicago et se lance dans les divers styles de musique étatsuniens (gospel, blues, rock, soul, latin ...). En 1964, Threadgill s'intègre dans le Muhal Richard Abrams Experimental Band (avec Roscoe Mitchell et Joseph Jarman), un "foyer" du jazz avantgardiste en ville. Dans le même temps, il rejoint l'Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), coopérative de jeunes musiciens créatifs s'inscrivant dans la mouvance du "free jazz". A l'avenir, cette association voit naître beaucoup de maîtres de la "Great Black Music. Ancient to the Future", tels que Anthony Braxton, George Lewis, Lester Bowie, Roscoe Mitchell, Leroy Jenkins, Wadada Leo Smith ... et Henry Threadgill.
Dans les années 70, le saxophoniste-flûtiste s'installe à New York City, où il co-fonde avec Fred Hopkins (contrebasse) et Steve McCall (batterie) le fameux trio Air, un des groupes de premier plan des années 70, après la révolution de "free jazz", qui interprète des ragtimes de Scott Joplin et des mélodies de Jelly Roll Morton (dans l'album "Air Lore", en 1980), au regard du caractère avantgardiste de ce trio un engagement prestigieux à la tradition, ainsi que des morceaux de leur propre composition. Le groupe se fait connaître par les improvisations collectives ainsi que par le jeu de Threadgill, qui offre à la flûte et à la clarinette des sonorités amples tandis qu'il préfère les intonations free et violentes, aux saxophones (alto, ténor et baryton). A cette époque, le multiinstrumentiste enregistre également avec des musiciens comme David Murray, Anthony Braxton, Julius Hemphill, Roscoe Mitchell, Billy Bang ou Muhal Richard Abrams. En total, il prend part à près de 150 enregistrements.
A partir des années 80, Threadgill commence à composer pour des ensembles plus élargis et fonde ses propres formations dont X-75 (avec quatre bassistes), Sextett (avec deux batteurs et Deidre Murray au violoncelle), Make A Move et surtout Very Very Circus, un septette rassemblant des instruments inhabituels, dont deux tubas et deux/trois guitares électriques, pour pratiquer un concept ouvert à de différents éléments stylistiques et qui estompe les frontières entre composition et improvisation. Magnifiques à cette époque les compositions de Threadgill, la structuration de ses longs morceaux, la diversité quant au tempo et à l'espace ainsi que la manière dont il aboute délicatement la section rythmique avec les saxe/trompette/trombone/violoncelle. Puis, au bout d'une absence à long terme, Henry Threadgill est de retour, accompagné encore d'une nouvelle formation, Zooid, elle aussi à une instrumentation plutôt atypique et peu courant pour une formation de jazz : ce quintette est composé de l'excellent guitariste Liberty Elman, du tromboniste et tubiste Jose Davila qui accompagne Threadgill depuis une dizaine d'années, du batteur Elliot Humberto Kavee, du violoncelliste Christopher Hoffman, et enfin du leader et saxophoniste alto jouant aussi de la flûte et de la flûte basse. Avec cet ensemble eeeenfin, Henry Threadgill connaît un succès à la hauteur de son talent, la meilleure critique américaine et une attention croissante de la part du public ; leur dernier album "Tomorrow Sunny/The Revelry, Spp" (2012) reçoit un accueil enthousiaste du côté de la presse internationale : "Sa musique nous a toujours semblé réunir des traits contradictoires : elle repose en effet sur des associations de timbres éloignés (flûte et guitare d’un côté, tuba ou trombone, basse électrique de l’autre), elle combine de façon unique une sorte de fragilité de surface qui ne masque jamais la rigueur rythmique ni la force d’une affirmation insistante. Bref, elle est à l’image du musicien, modeste et discret en apparence, mais opiniâtre et conscient de la qualité de son apport" (Jazz Magazine). Un album totalement idiosyncrasique, original et unique, conçu d'une façon explorative et présenté par un ensemble extraordinaire & son compositeur et bandleader.
Pour Zooid, Threadgill développe de nouvelles techniques d'improvisation, une nouvelle stratégie compositionnelle inspirée par la musique d'Edgar Varèse (qui invente d'ailleurs le terme "organized sound"), une "serial intervallic language" selon ses propres paroles : les compositions sont organisées le long d'une série de blocs d'intervalle (accord) de trois notes, dont chacune est assignée à un musicien, qui est libre de se déplacer dans ces intervalles, imporovisant des mélodies et créant un contrepoint d'un intervalle à l'autre. Un système qui encourage les musiciens à chercher de nouvelles façons d'improviser, ils se challengent et prennent l'initiative de tirer la musique dans une direction. Ainsi, Threadgill définit un nouveau modèle de "free" jazz, au sens de la musique libre et créative (lesdnj.com). "Je veux que la musique nous emporte de l'état dans lequel nous sommes. C'est pas moi seulement qui crée la musique, tous mes musiciens y contribuent. Travailler un morceau veut dire ne pas jouer seulement un morceau mais le découvrir et explorer – une sorte de recherche. Nous voulons savoir où il peut nous conduire et ce que nous pouvons "détecter" sur le chemin. Nous essayons d'accomplir son potentiel et nous nous rapprochons de la musique à une attitude pour qui la subdivision individuelle des parties instrumentales est aussi importante que l'égalité entre elles", expose-t-il sa vision. Les musiciens ont la plus grande liberté qu'ils veulent, et la musique détermine le degré de liberté de chacun. Mais tout musicien dans l'ensemble est responsable pour le tout. De la sorte s'élabore une musique polyphonique, en mosaïque et labyrinthique, qui brille en timbres extraordinaires, une musique de "jazz" (Threadgill même rejette ce terme pour désigner sa musique) qui jouit d'une sensibilité relevant de celle d'une musique de chambre, sans parfois abandonner des rythmes groovy. La musique de Zooid est un régal pour les oreilles, les sens et les cœurs ...
Selon les New York Times, Henry Threadgill est "probablement le compositeur de jazz le plus important de sa génération", en tout cas un extraordinaire concepteur de la composition, un brillant instrumentiste et bandleader et sans aucun doute aujourd'hui l’une des dernières et plus grandes figures historiques de la "Great Black Music" !
Henry Threadgill & Zooid Henry Threadgill – saxophone alto, flûte, arrangements et compositions Christopher Hoffman – violoncelle Jose Davila – trombone, tuba Liberty Ellman – guitare acoustique Elliot Humberto Kavee – batterie (Stomu Takeishi – contrebasse)
Petit hommage de ma part (en allemand) : http://christophwagnermusic.blogspot.de/search/label/Herbert%20Braun
A lire : http://www.nytimes.com/2009/11/08/arts/music/08chin.html?pagewanted=all&_r=0 // http://www.nytimes.com/2014/07/31/arts/music/henry-threadgill-and-zooid-at-the-village-vanguard.html
Discographie illustrée (en anglais) : http://discography.backstrom.se/threadgill/
Extrait discographique (à ne pas rater !) :
Henry Threadgill (2010) : Complete Remastered Black Saint Recordings. CAM (7-CD-Box-Set). – Air : Live Air – Air : Air Mail – Air : New Air - Live at Montreal International Jazz Festival – New Air : Air Show No.1 – Very Very Circus : Spirit of Nuff...Nuff – Henry Threadgill : Song Out Of My Trees – Flute Force Four : Flutistry Henry Threadgill & Zooid (2001) : Up Popped The Two Lips. Pi Recordings. Henry Threadgill & Zooid (2009) : this brings us to, volume 1. Pi Recordings. Henry Threadgill & Zooid (2010) : this brings us to, volume 2. Pi Recordings. Henry Threadgill & Zooid (2012) : Tomorrow Sunny / The Revelry, Spp. Pi Recordings.
Hery
Tout sauf dogmatique : Henry Threadgill
L'improvisateur, compositeur et bandleader américain Henry Threadgill est l'une des figures essentielles du jazz contemporain. Depuis plus de 40 ans, il suit les sonorités dans sa tête et crée une musique très personnelle, toujours créative et en constante évolution : "stagnation" est un mot étrange pour lui ("To stop seeking, to stop moving, is death"). Sans aucun doute – Henry Threadgill est un solitaire sur la scène de jazz internationale ...
Né en 1944 à Chicago, Henry (Luther) Threadgill étudie au conservatoire de sa ville natale et à la Governors State University (Illinois). Adolescent, il joue du saxophone dans des fanfares, accompagne les chanteurs de blues dans les clubs de Chicago et se lance dans les divers styles de musique étatsuniens (gospel, blues, rock, soul, latin ...). En 1964, Threadgill s'intègre dans le Muhal Richard Abrams Experimental Band (avec Roscoe Mitchell et Joseph Jarman), un "foyer" du jazz avantgardiste en ville. Dans le même temps, il rejoint l'Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), coopérative de jeunes musiciens créatifs s'inscrivant dans la mouvance du "free jazz". A l'avenir, cette association voit naître beaucoup de maîtres de la "Great Black Music. Ancient to the Future", tels que Anthony Braxton, George Lewis, Lester Bowie, Roscoe Mitchell, Leroy Jenkins, Wadada Leo Smith ... et Henry Threadgill.
Dans les années 70, le saxophoniste-flûtiste s'installe à New York City, où il co-fonde avec Fred Hopkins (contrebasse) et Steve McCall (batterie) le fameux trio Air, un des groupes de premier plan des années 70, après la révolution de "free jazz", qui interprète des ragtimes de Scott Joplin et des mélodies de Jelly Roll Morton (dans l'album "Air Lore", en 1980), au regard du caractère avantgardiste de ce trio un engagement prestigieux à la tradition, ainsi que des morceaux de leur propre composition. Le groupe se fait connaître par les improvisations collectives ainsi que par le jeu de Threadgill, qui offre à la flûte et à la clarinette des sonorités amples tandis qu'il préfère les intonations free et violentes, aux saxophones (alto, ténor et baryton). A cette époque, le multiinstrumentiste enregistre également avec des musiciens comme David Murray, Anthony Braxton, Julius Hemphill, Roscoe Mitchell, Billy Bang ou Muhal Richard Abrams. En total, il prend part à près de 150 enregistrements.
A partir des années 80, Threadgill commence à composer pour des ensembles plus élargis et fonde ses propres formations dont X-75 (avec quatre bassistes), Sextett (avec deux batteurs et Deidre Murray au violoncelle), Make A Move et surtout Very Very Circus, un septette rassemblant des instruments inhabituels, dont deux tubas et deux/trois guitares électriques, pour pratiquer un concept ouvert à de différents éléments stylistiques et qui estompe les frontières entre composition et improvisation. Magnifiques à cette époque les compositions de Threadgill, la structuration de ses longs morceaux, la diversité quant au tempo et à l'espace ainsi que la manière dont il aboute délicatement la section rythmique avec les saxe/trompette/trombone/violoncelle. Puis, au bout d'une absence à long terme, Henry Threadgill est de retour, accompagné encore d'une nouvelle formation, Zooid, elle aussi à une instrumentation plutôt atypique et peu courant pour une formation de jazz : ce quintette est composé de l'excellent guitariste Liberty Elman, du tromboniste et tubiste Jose Davila qui accompagne Threadgill depuis une dizaine d'années, du batteur Elliot Humberto Kavee, du violoncelliste Christopher Hoffman, et enfin du leader et saxophoniste alto jouant aussi de la flûte et de la flûte basse. Avec cet ensemble eeeenfin, Henry Threadgill connaît un succès à la hauteur de son talent, la meilleure critique américaine et une attention croissante de la part du public ; leur dernier album "Tomorrow Sunny/The Revelry, Spp" (2012) reçoit un accueil enthousiaste du côté de la presse internationale : "Sa musique nous a toujours semblé réunir des traits contradictoires : elle repose en effet sur des associations de timbres éloignés (flûte et guitare d’un côté, tuba ou trombone, basse électrique de l’autre), elle combine de façon unique une sorte de fragilité de surface qui ne masque jamais la rigueur rythmique ni la force d’une affirmation insistante. Bref, elle est à l’image du musicien, modeste et discret en apparence, mais opiniâtre et conscient de la qualité de son apport" (Jazz Magazine). Un album totalement idiosyncrasique, original et unique, conçu d'une façon explorative et présenté par un ensemble extraordinaire & son compositeur et bandleader.
Pour Zooid, Threadgill développe de nouvelles techniques d'improvisation, une nouvelle stratégie compositionnelle inspirée par la musique d'Edgar Varèse (qui invente d'ailleurs le terme "organized sound"), une "serial intervallic language" selon ses propres paroles : les compositions sont organisées le long d'une série de blocs d'intervalle (accord) de trois notes, dont chacune est assignée à un musicien, qui est libre de se déplacer dans ces intervalles, imporovisant des mélodies et créant un contrepoint d'un intervalle à l'autre. Un système qui encourage les musiciens à chercher de nouvelles façons d'improviser, ils se challengent et prennent l'initiative de tirer la musique dans une direction. Ainsi, Threadgill définit un nouveau modèle de "free" jazz, au sens de la musique libre et créative (lesdnj.com). "Je veux que la musique nous emporte de l'état dans lequel nous sommes. C'est pas moi seulement qui crée la musique, tous mes musiciens y contribuent. Travailler un morceau veut dire ne pas jouer seulement un morceau mais le découvrir et explorer – une sorte de recherche. Nous voulons savoir où il peut nous conduire et ce que nous pouvons "détecter" sur le chemin. Nous essayons d'accomplir son potentiel et nous nous rapprochons de la musique à une attitude pour qui la subdivision individuelle des parties instrumentales est aussi importante que l'égalité entre elles", expose-t-il sa vision. Les musiciens ont la plus grande liberté qu'ils veulent, et la musique détermine le degré de liberté de chacun. Mais tout musicien dans l'ensemble est responsable pour le tout. De la sorte s'élabore une musique polyphonique, en mosaïque et labyrinthique, qui brille en timbres extraordinaires, une musique de "jazz" (Threadgill même rejette ce terme pour désigner sa musique) qui jouit d'une sensibilité relevant de celle d'une musique de chambre, sans parfois abandonner des rythmes groovy. La musique de Zooid est un régal pour les oreilles, les sens et les cœurs ...
Selon les New York Times, Henry Threadgill est "probablement le compositeur de jazz le plus important de sa génération", en tout cas un extraordinaire concepteur de la composition, un brillant instrumentiste et bandleader et sans aucun doute aujourd'hui l’une des dernières et plus grandes figures historiques de la "Great Black Music" !
Henry Threadgill & Zooid Henry Threadgill – saxophone alto, flûte, arrangements et compositions Christopher Hoffman – violoncelle Jose Davila – trombone, tuba Liberty Ellman – guitare acoustique Elliot Humberto Kavee – batterie (Stomu Takeishi – contrebasse)
Petit hommage de ma part (en allemand) : http://christophwagnermusic.blogspot.de/search/label/Herbert%20Braun
A lire : http://www.nytimes.com/2009/11/08/arts/music/08chin.html?pagewanted=all&_r=0 // http://www.nytimes.com/2014/07/31/arts/music/henry-threadgill-and-zooid-at-the-village-vanguard.html
Discographie illustrée (en anglais) : http://discography.backstrom.se/threadgill/
Extrait discographique (à ne pas rater !) :
Henry Threadgill (2010) : Complete Remastered Black Saint Recordings. CAM (7-CD-Box-Set). – Air : Live Air – Air : Air Mail – Air : New Air - Live at Montreal International Jazz Festival – New Air : Air Show No.1 – Very Very Circus : Spirit of Nuff...Nuff – Henry Threadgill : Song Out Of My Trees – Flute Force Four : Flutistry Henry Threadgill & Zooid (2001) : Up Popped The Two Lips. Pi Recordings. Henry Threadgill & Zooid (2009) : this brings us to, volume 1. Pi Recordings. Henry Threadgill & Zooid (2010) : this brings us to, volume 2. Pi Recordings. Henry Threadgill & Zooid (2012) : Tomorrow Sunny / The Revelry, Spp. Pi Recordings.
Hery
Album caritatif au profit des réfugiés dans le Sahara
Deux labels, l’un allemand (Glitterhouse) et l’autre français (Reaktion), s’unissent pour publier une compilation de musiques touarègues contemporaines : "Songs for Desert Refugees", accompagnée d'un livret documenté (en anglais). Les bénéfices de ses ventes vont à deux ONG activées dans l’aide aux réfugiés du désert : ETAR (sur Aguel'hoc) et TAMOUDRÉ (sur Tessalit, Kidal et la frontière algérienne). A part les gains, le but de cette compilation est aussi de faire découvrir de la bonne musique, de témoigner la richesse musicale du peuple touareg et de "casser quelques clichés hérités de la colonisation, comme celui de 'l'homme bleu du désert' (ou bien guerrier sanguinare et bandit de grand chemin)."
Selon les Nations Unies, depuis mi-janvier 2012, des dizaines de milliers de Touaregs, Sonraïs, Foulbés et Arabes ont fui les combats au Nord-Mali et se retrouvent dès lors dans des campements de réfugiés en Mauritanie, au Niger, en Algérie et au Burkina Faso, grâce, notamment, à l'aide des ONG (on estime jusqu'à 200.000 personnes et plus). Et des émeutes à Bamako, Kati et d'autres villes du sud, ont aussi forcé les Touaregs et Arabes y demeurant à s'enfuir. Cette compilation fait remarquer à cette tragédie des réfugiés au Mali ...
Afin de venir en aide aux réfugiés, douze groupes touaregs apportent gratuitement leur contribution pour compiler et sortir un album caritatif, présentant un superbe mélange de musique du désert, incluant des morceaux rares ou même inédits (7 sur 12). Et les meilleurs groupes touaregs du moment, les plus renommés sont là pour aider, qu'ils soient du Mali (Tinariwen, Tamikrest, Tartit, Terakraft, Tadalat, Amanar, Ibrahim Djo Experience), du Niger (Bombino, Toumast, Etran Finatwa) ou d'Algérie (Faris, Nabil Baly Othmani) : guitares électriques, rythmes hypnotiques et obsédants, battements des mains, trilles féminins, tout y est. La musique de cette compilation reflète ce que le désert représente pour eux : la joie et la beauté, la vie intense, la poésie et le calme, la fierté et la paix. Elle est dédiée "to all those who are working to make it so again." (cf. livret du cd). C'est à souhaiter ...
Cet album regroupe les vedettes de la scène musicale touarègue, les uniques Tinariwen, Tamikrest et Terakraft (leur "Nak Essanagh" est magnifique), tous avec des morceaux inédits. Mais l'album est aussi un showcase pour des groupes peu connus, tels que les jeunes Tadalat, un nouveau groupe d'Aguel'hoc (Mali), à classer parmi le genre new wave touareg, à côté de Tamikrest et Amanar. Très bonne guitare solo. Comme Tamikrest aussi, Tadalat parvient à intégrer la batterie, jusqu'ici plutôt une rareté parmi les groupes touaregs. Le groupe malien-français Ibrahim Djo Experience (avec le guitariste rythmique français Paul Salvagnac, depuis peu membre de Tamikrest) se présente très bluesy. Le morceau le plus enchantant peut-être, et qui vaut l'achat tout seul est "Tigrawahi Tikma" du Touareg nigérien, Bombino : plus de treize minutes de musique en live, formidable, les longues improvisations rock de Grateful Dead saluent. Le morceau final est présenté par le groupe traditionnel Tartit (5 femmes et 4 hommes tous venant de la région de Tombouctou) avec "Tihou Beyatene" (voix du désert), pris de leur deuxième album "Abacabok", qui nous conduit à une toute autre voie de la musique touarègue : la poésie chantée avec le tambour tindé, genre musical très répandu dans l'ensemble du monde touareg, soit dans les régions touarègues du nord (Ahaggar et Ajjer en Algérie), soit dans celles du sud (Adagh des Ifoghas et Azawagh au Mali). Rythme cyclique sur le tindé, musique en transe, hypnotique, enchanteur ...
Une compilation magnifique – passionnant et d'un charme envoûtant, à recommander vivement !
VIVE LE MALI !
Hery
Annexe :
Voici une petite liste de cds incontournables de la musique touarègue contemporaine du Mali et du Niger. Ouvrages musicaux à ne pas manquer dans une bonne collection de disques ...
Amanar (2009). Alghafiat. (c) Amanar. Amanar (2012). Remixed. Sahel Sounds. (téléchargement libre) Ibrahim Djo* (2007). Ibrahim Djo. Association Targuie. Ibrahim Djo (2008). Demo 2008. Association Targuie. Ibrahim Djo Experience (2011). Azeman. Targuie/Reaktion. Tadalat (2011). Aguel’hoc. Sahara Sounds. Tamikrest (2010). Adagh. Glitterhouse Rec. Tamikrest (2010). Sahara Campfire Sessions. Glitterhouse Rec. (vendu sur les concerts du groupe !) Tamikrest (2011). Toumastin. Glitterhouse Rec. Tamikrest (2013). Chatma. Glitterhouse Rec. Tartit (1997). Amazagh. Fonti Musicali. Tartit (2000). Ichichila. Desert Blues from Malian Tuareg. Network Medien. Tartit (2006). Abacabok. Crammed Discs. Terakraft (2007). Bismilla – The BKO Sessions. Tapsit. Terakraft (2009). Live 2008. Tapsit/Reaktion. Terakraft (2009). Akh Issudar. Independant. Terakraft (2011). Aratan N Azawad. Tapsit/World Village. Terakraft (2012). Kel Tamasheq. World Vill/harmonia mundi. Tinariwen (2004). Amassakoul. Wayward Rec. Tinariwen (2004). The Radio Tisdas Sessions. Emma Prod. Tinariwen (2007). Aman Iman: Water is Life. World Vill/harmonia mundi. Tinariwen (2009). Imidiwan : Companions. Pias UK/Independiente/rough trade. Tinariwen (2011). Live in Paris 2011. V2. Tinariwen (2011). Tassili. Wedge S.a.r.l.
Bombino (2010). Agamgam 2004. Reaktion. Bombino (2011). Agadez. Cumbancha. Bombino (2013). Nomad. Nonesuch Rec. Etran Finatawa** (2006). Introducing. World Music Network. Etran Finatawa (2008). Desert Crossroads. World Music Network. Etran Finatawa (2010). Tarkat Tajje/Let’s go ! Riverboat. Etran Finatawa (2013). The Sahara Sessions. Riverboat. Toumast (2006). Ishumar. Kraked/Village Vert. Toumast (2009). Amachal. Green United Music.
*groupe touareg-français, **groupe touareg-peul
Deux labels, l’un allemand (Glitterhouse) et l’autre français (Reaktion), s’unissent pour publier une compilation de musiques touarègues contemporaines : "Songs for Desert Refugees", accompagnée d'un livret documenté (en anglais). Les bénéfices de ses ventes vont à deux ONG activées dans l’aide aux réfugiés du désert : ETAR (sur Aguel'hoc) et TAMOUDRÉ (sur Tessalit, Kidal et la frontière algérienne). A part les gains, le but de cette compilation est aussi de faire découvrir de la bonne musique, de témoigner la richesse musicale du peuple touareg et de "casser quelques clichés hérités de la colonisation, comme celui de 'l'homme bleu du désert' (ou bien guerrier sanguinare et bandit de grand chemin)."
Selon les Nations Unies, depuis mi-janvier 2012, des dizaines de milliers de Touaregs, Sonraïs, Foulbés et Arabes ont fui les combats au Nord-Mali et se retrouvent dès lors dans des campements de réfugiés en Mauritanie, au Niger, en Algérie et au Burkina Faso, grâce, notamment, à l'aide des ONG (on estime jusqu'à 200.000 personnes et plus). Et des émeutes à Bamako, Kati et d'autres villes du sud, ont aussi forcé les Touaregs et Arabes y demeurant à s'enfuir. Cette compilation fait remarquer à cette tragédie des réfugiés au Mali ...
Afin de venir en aide aux réfugiés, douze groupes touaregs apportent gratuitement leur contribution pour compiler et sortir un album caritatif, présentant un superbe mélange de musique du désert, incluant des morceaux rares ou même inédits (7 sur 12). Et les meilleurs groupes touaregs du moment, les plus renommés sont là pour aider, qu'ils soient du Mali (Tinariwen, Tamikrest, Tartit, Terakraft, Tadalat, Amanar, Ibrahim Djo Experience), du Niger (Bombino, Toumast, Etran Finatwa) ou d'Algérie (Faris, Nabil Baly Othmani) : guitares électriques, rythmes hypnotiques et obsédants, battements des mains, trilles féminins, tout y est. La musique de cette compilation reflète ce que le désert représente pour eux : la joie et la beauté, la vie intense, la poésie et le calme, la fierté et la paix. Elle est dédiée "to all those who are working to make it so again." (cf. livret du cd). C'est à souhaiter ...
Cet album regroupe les vedettes de la scène musicale touarègue, les uniques Tinariwen, Tamikrest et Terakraft (leur "Nak Essanagh" est magnifique), tous avec des morceaux inédits. Mais l'album est aussi un showcase pour des groupes peu connus, tels que les jeunes Tadalat, un nouveau groupe d'Aguel'hoc (Mali), à classer parmi le genre new wave touareg, à côté de Tamikrest et Amanar. Très bonne guitare solo. Comme Tamikrest aussi, Tadalat parvient à intégrer la batterie, jusqu'ici plutôt une rareté parmi les groupes touaregs. Le groupe malien-français Ibrahim Djo Experience (avec le guitariste rythmique français Paul Salvagnac, depuis peu membre de Tamikrest) se présente très bluesy. Le morceau le plus enchantant peut-être, et qui vaut l'achat tout seul est "Tigrawahi Tikma" du Touareg nigérien, Bombino : plus de treize minutes de musique en live, formidable, les longues improvisations rock de Grateful Dead saluent. Le morceau final est présenté par le groupe traditionnel Tartit (5 femmes et 4 hommes tous venant de la région de Tombouctou) avec "Tihou Beyatene" (voix du désert), pris de leur deuxième album "Abacabok", qui nous conduit à une toute autre voie de la musique touarègue : la poésie chantée avec le tambour tindé, genre musical très répandu dans l'ensemble du monde touareg, soit dans les régions touarègues du nord (Ahaggar et Ajjer en Algérie), soit dans celles du sud (Adagh des Ifoghas et Azawagh au Mali). Rythme cyclique sur le tindé, musique en transe, hypnotique, enchanteur ...
Une compilation magnifique – passionnant et d'un charme envoûtant, à recommander vivement !
VIVE LE MALI !
Hery
Annexe :
Voici une petite liste de cds incontournables de la musique touarègue contemporaine du Mali et du Niger. Ouvrages musicaux à ne pas manquer dans une bonne collection de disques ...
Amanar (2009). Alghafiat. (c) Amanar. Amanar (2012). Remixed. Sahel Sounds. (téléchargement libre) Ibrahim Djo* (2007). Ibrahim Djo. Association Targuie. Ibrahim Djo (2008). Demo 2008. Association Targuie. Ibrahim Djo Experience (2011). Azeman. Targuie/Reaktion. Tadalat (2011). Aguel’hoc. Sahara Sounds. Tamikrest (2010). Adagh. Glitterhouse Rec. Tamikrest (2010). Sahara Campfire Sessions. Glitterhouse Rec. (vendu sur les concerts du groupe !) Tamikrest (2011). Toumastin. Glitterhouse Rec. Tamikrest (2013). Chatma. Glitterhouse Rec. Tartit (1997). Amazagh. Fonti Musicali. Tartit (2000). Ichichila. Desert Blues from Malian Tuareg. Network Medien. Tartit (2006). Abacabok. Crammed Discs. Terakraft (2007). Bismilla – The BKO Sessions. Tapsit. Terakraft (2009). Live 2008. Tapsit/Reaktion. Terakraft (2009). Akh Issudar. Independant. Terakraft (2011). Aratan N Azawad. Tapsit/World Village. Terakraft (2012). Kel Tamasheq. World Vill/harmonia mundi. Tinariwen (2004). Amassakoul. Wayward Rec. Tinariwen (2004). The Radio Tisdas Sessions. Emma Prod. Tinariwen (2007). Aman Iman: Water is Life. World Vill/harmonia mundi. Tinariwen (2009). Imidiwan : Companions. Pias UK/Independiente/rough trade. Tinariwen (2011). Live in Paris 2011. V2. Tinariwen (2011). Tassili. Wedge S.a.r.l.
Bombino (2010). Agamgam 2004. Reaktion. Bombino (2011). Agadez. Cumbancha. Bombino (2013). Nomad. Nonesuch Rec. Etran Finatawa** (2006). Introducing. World Music Network. Etran Finatawa (2008). Desert Crossroads. World Music Network. Etran Finatawa (2010). Tarkat Tajje/Let’s go ! Riverboat. Etran Finatawa (2013). The Sahara Sessions. Riverboat. Toumast (2006). Ishumar. Kraked/Village Vert. Toumast (2009). Amachal. Green United Music.
*groupe touareg-français, **groupe touareg-peul
Is there a place in the world for such music? I doubt it. Too in awe of the transcendent properties of amplification for the jazz and Improv circuits, too wired and volatile for the alt.rock communities, annexed by the classical academy from the parallel soundworlds dreamed by Iannis Xenakis and Edgar Varèse, it exists in a vibrant but diminishing place, sealed off from all enquiry, ripe for discovery." (THE WIRE)
L'"Éclectisme"* de Steamboat Switzerland
A première vue, on pourrait considérer Steamboat Switzerland (vous pensez à "dixieland" ?!) comme étant un groupe Hard Core ou Heavy Metal ... Pleine d’intensité et d’agressivité, à une lourdeur de tonnes, se présente sa musique. Et même des comparaisons avec Pink Floyd, Emerson Lake & Palmer ou Deep Purple sont complètement incongrues, d’autant plus que de tels "tiroirs" concernent dans le meilleur des cas des signes extérieures comme le volume sonore et l’utilisation de la Hammond ou de synthesizers mais dissimulent juste ces aspects qui caractérisent en particulier l’esthétique de Steamboat Switzerland : improvisation libre, composition expérimentelle et NoiseArt (tous ces aspects ne peuvent être attribués ni aux genres Hard Core et Heavy Metal ni aux groupes légendaires cités en haut). Mais ce groupe helvétique a le tact et la délicatesse d’un ensemble de musique de chambre également. Vraiment un paradoxe musical : Steamboat Switzerland, un powertrio qui met en scène de la musique avant-gardiste et extrêmement complexe, d’une manière très énergétique, et le tout au volume d’un JumboJet, jouée d’instruments qui ne font pas partie du "vocabulaire" de la Nouvelle Musique, tels que la Hammond, le Korg MS20, la basse électrique et surtout la batterie rock ...
Même si Steamboat Switzerland ne renie aucunement ses affinités au rock, la structure de sa musique n’a rien à voir, rien du tout !, avec des harmonies courantes ni avec des rythmes habituels du rock. Les progressions harmoniques et les cadences (rythmes) sont plutôt très construites et complexes mais pleines d‘énergie et dynamiques ...
Steamboat Switzerland se compose de Dominik Blum (Hammond, clavier, Korg MS20), Marino Pliakas (basse) et Lukas Niggli (batterie, percussion).
Cette formation qui interprète la musique contemporaine avec l'énergie du rock, commande souvent ses thèmes à des compositeurs extérieurs pour enfin y ajouter ses propres improvisations. Parmi les compositeurs contemporains comptent Hermann Meier (Suisse), Sam Hayden (Angleterre), David Dramm (Pays-Bas/US) et aussi Felix Profos (Suisse), le dernier ayant écrit une composition en quatre parties ("modules"), faite sur mesure pour Steamboat Switzerland, intitulée "Get Out Of My Room" : à une clarté et rigueur intellectuelles, Profos élabore un scénario sonore composé de bloques cordes hypnotiques et d’accents percussifs éclatants, qui se fraye son chemin avec l’imperturbabilité stoïque d’un rouleau-compresseur. Gigantesque ! Et parfois, la musique se transforme en un "paysage d’orage" dans lequel les foudres s’abattent avec tant de cruauté que de plusieurs secondes après, les détonations d’un tremblement remplissent l’air.
Steamboat Switzerland, c’est de l’interaction entre composition et improvisation, un projet intransigeant où se combinent de la Nouvelle Musique, de l’improvisation et des éléments du rock. Et le tout n’a rien à voir, absolument rien avec un crossover simplet mais bien avec la recherche pour retrouver des formes musicales, à la fois nouvelle et intégrative (voir aussi la note en bas de page) ...
Le groupe a tourné en Europe (Suisse, Autriche, Norvège, Allemagne, Angleterre, France, Tchèque, Russie, Pays-Bas, Poland, Espagne, etc.), en Chine, en Afrique du Sud et en Mozambique, au Canada et aux Etats-Unis. Au cas où vous auriez l’occasion d’assister à un concert de Steamboat Switzerland, je vous recommande viiiiiivement de sauter sur cette occasion mais, par mesure de précaution, prenez rendez-vous à l‘otologiste auparavant. En tout cas, s’embarquer dans la saine et vitale explosion de violence de Steamboat Switzerland ne vous laisse le choix qu’ ... entre fuyard et enthousiaste mais jamais jamais indifférent, promis** !
Moi, j’en suis enthousiaste et aurais plaisir de rencontrer d’autres sur ce forum ! Soyez courageux et écoutez Steamboat Switzerland ! Merci !
Le cd : FelixProfos/Steamboat Switzerland : Get Out Of My Room. Grob 961 (2010)
Youtube : Steamboat Switzerland/FelixProfos LIVE
Herbert
* note importante : ici, "éclectisme" n’est pas du tout un gros mot, une injure, tout au contraire ; en ce qui est Steamboat Switzerland, "éclectisme" ne veut dire ni "assortiment quelconque des styles musicaux divers" ni "libre-service au super-marché musical" mais bien un procédé réfléchi et doté de retenue, de bon goût et de conscience historique (concernant la musique) pour pénétrer de nouveaux chemins musicaux, c.à.d. pour créer quelque chose de nouveau, jamais écouté jusqu’à présent. Donc, "éclectisme" est à comprendre comme principe musical tout à fait sérieux, et la diversité stylistique comme source d’épanouissement musical parfaitement cohérente. Merci pour la compréhension ! * *Si vous avez besoin d’autres groupes, musiciens, compositeurs pour vous faciliter un peu (!!!!) l’accès à la musique de Steamboat Switzerland, écoutez p.ex. les grandioses formations (et musiciens) Alboth! (Suisse), Einstürzende Neubauten (Allemagne), John Zorn's Naked City (US), Otomo Yoshihide & Ground Zero (Japon), Magma (France), Henry Cow (Angleterre), Glandien/Cutler (Angleterre), Aqsak Maboul (Belgique), Godspeed You Black Emperor! (Canada), Art Zoyd (France), Faust (Allemagne), Sonic Youth (US), Merzbow (Japon), Cassiber (Anglerre/Allemagne), Mothers of Invention (US ; surtout les MOI de Absolutely Free, chef-d’œuvre du rock), les musiques des compositeurs Cornelius Cardew & son Scratch Orchestra ("Treatise"), Frederic Rzewski, Iannis Xenakis, Edgar Varèse ("Ionication"), les ensembles électroniques Musica Elettronica Viva (Italie), AMM (Angleterre) et Gruppo di Improvisazione Nuova Consonanza (Italie), sans oublier les radicaux freejazzers Albert Ayler, Werner Lüdi, Peter Brötzmann, Sun Ra et Cecil Taylor ...
L'"Éclectisme"* de Steamboat Switzerland
A première vue, on pourrait considérer Steamboat Switzerland (vous pensez à "dixieland" ?!) comme étant un groupe Hard Core ou Heavy Metal ... Pleine d’intensité et d’agressivité, à une lourdeur de tonnes, se présente sa musique. Et même des comparaisons avec Pink Floyd, Emerson Lake & Palmer ou Deep Purple sont complètement incongrues, d’autant plus que de tels "tiroirs" concernent dans le meilleur des cas des signes extérieures comme le volume sonore et l’utilisation de la Hammond ou de synthesizers mais dissimulent juste ces aspects qui caractérisent en particulier l’esthétique de Steamboat Switzerland : improvisation libre, composition expérimentelle et NoiseArt (tous ces aspects ne peuvent être attribués ni aux genres Hard Core et Heavy Metal ni aux groupes légendaires cités en haut). Mais ce groupe helvétique a le tact et la délicatesse d’un ensemble de musique de chambre également. Vraiment un paradoxe musical : Steamboat Switzerland, un powertrio qui met en scène de la musique avant-gardiste et extrêmement complexe, d’une manière très énergétique, et le tout au volume d’un JumboJet, jouée d’instruments qui ne font pas partie du "vocabulaire" de la Nouvelle Musique, tels que la Hammond, le Korg MS20, la basse électrique et surtout la batterie rock ...
Même si Steamboat Switzerland ne renie aucunement ses affinités au rock, la structure de sa musique n’a rien à voir, rien du tout !, avec des harmonies courantes ni avec des rythmes habituels du rock. Les progressions harmoniques et les cadences (rythmes) sont plutôt très construites et complexes mais pleines d‘énergie et dynamiques ...
Steamboat Switzerland se compose de Dominik Blum (Hammond, clavier, Korg MS20), Marino Pliakas (basse) et Lukas Niggli (batterie, percussion).
Cette formation qui interprète la musique contemporaine avec l'énergie du rock, commande souvent ses thèmes à des compositeurs extérieurs pour enfin y ajouter ses propres improvisations. Parmi les compositeurs contemporains comptent Hermann Meier (Suisse), Sam Hayden (Angleterre), David Dramm (Pays-Bas/US) et aussi Felix Profos (Suisse), le dernier ayant écrit une composition en quatre parties ("modules"), faite sur mesure pour Steamboat Switzerland, intitulée "Get Out Of My Room" : à une clarté et rigueur intellectuelles, Profos élabore un scénario sonore composé de bloques cordes hypnotiques et d’accents percussifs éclatants, qui se fraye son chemin avec l’imperturbabilité stoïque d’un rouleau-compresseur. Gigantesque ! Et parfois, la musique se transforme en un "paysage d’orage" dans lequel les foudres s’abattent avec tant de cruauté que de plusieurs secondes après, les détonations d’un tremblement remplissent l’air.
Steamboat Switzerland, c’est de l’interaction entre composition et improvisation, un projet intransigeant où se combinent de la Nouvelle Musique, de l’improvisation et des éléments du rock. Et le tout n’a rien à voir, absolument rien avec un crossover simplet mais bien avec la recherche pour retrouver des formes musicales, à la fois nouvelle et intégrative (voir aussi la note en bas de page) ...
Le groupe a tourné en Europe (Suisse, Autriche, Norvège, Allemagne, Angleterre, France, Tchèque, Russie, Pays-Bas, Poland, Espagne, etc.), en Chine, en Afrique du Sud et en Mozambique, au Canada et aux Etats-Unis. Au cas où vous auriez l’occasion d’assister à un concert de Steamboat Switzerland, je vous recommande viiiiiivement de sauter sur cette occasion mais, par mesure de précaution, prenez rendez-vous à l‘otologiste auparavant. En tout cas, s’embarquer dans la saine et vitale explosion de violence de Steamboat Switzerland ne vous laisse le choix qu’ ... entre fuyard et enthousiaste mais jamais jamais indifférent, promis** !
Moi, j’en suis enthousiaste et aurais plaisir de rencontrer d’autres sur ce forum ! Soyez courageux et écoutez Steamboat Switzerland ! Merci !
Le cd : FelixProfos/Steamboat Switzerland : Get Out Of My Room. Grob 961 (2010)
Youtube : Steamboat Switzerland/FelixProfos LIVE
Herbert
* note importante : ici, "éclectisme" n’est pas du tout un gros mot, une injure, tout au contraire ; en ce qui est Steamboat Switzerland, "éclectisme" ne veut dire ni "assortiment quelconque des styles musicaux divers" ni "libre-service au super-marché musical" mais bien un procédé réfléchi et doté de retenue, de bon goût et de conscience historique (concernant la musique) pour pénétrer de nouveaux chemins musicaux, c.à.d. pour créer quelque chose de nouveau, jamais écouté jusqu’à présent. Donc, "éclectisme" est à comprendre comme principe musical tout à fait sérieux, et la diversité stylistique comme source d’épanouissement musical parfaitement cohérente. Merci pour la compréhension ! * *Si vous avez besoin d’autres groupes, musiciens, compositeurs pour vous faciliter un peu (!!!!) l’accès à la musique de Steamboat Switzerland, écoutez p.ex. les grandioses formations (et musiciens) Alboth! (Suisse), Einstürzende Neubauten (Allemagne), John Zorn's Naked City (US), Otomo Yoshihide & Ground Zero (Japon), Magma (France), Henry Cow (Angleterre), Glandien/Cutler (Angleterre), Aqsak Maboul (Belgique), Godspeed You Black Emperor! (Canada), Art Zoyd (France), Faust (Allemagne), Sonic Youth (US), Merzbow (Japon), Cassiber (Anglerre/Allemagne), Mothers of Invention (US ; surtout les MOI de Absolutely Free, chef-d’œuvre du rock), les musiques des compositeurs Cornelius Cardew & son Scratch Orchestra ("Treatise"), Frederic Rzewski, Iannis Xenakis, Edgar Varèse ("Ionication"), les ensembles électroniques Musica Elettronica Viva (Italie), AMM (Angleterre) et Gruppo di Improvisazione Nuova Consonanza (Italie), sans oublier les radicaux freejazzers Albert Ayler, Werner Lüdi, Peter Brötzmann, Sun Ra et Cecil Taylor ...
«... a level of communication that close to magical. The music is soothing and quiet but brimming with life. It is calm but intense, passionate but peaceful.» (allaboutjazz)
DEUX MAGICIENS DES CORDES EN DIALOGUE
Cinq ans après l'enchanté In the Heart of the Moon, qui leur avait valu un Grammy Award, le légendaire guitariste Ali Farka Touré et la star mondiale de la kora Toumani Diabaté dialoguent une nouvelle fois par l’intermédiaire de leurs instruments. Ils remettent ça avec un album tout simplement nommé Ali & Toumani, aussi le dernier témoignage phonographique de l'homme de Niafounké, décédé en 2006 ...
Ces trois après-midis à Londres en juillet 2005, avec la participation de l'illustre contrebassiste du Buena Vista Social Club, Orlando 'Cachaíto' López, décédé lui aussi, en 2009, et du fils d'Ali, Vieux Farka Touré, les sessions d'enregistrement pour cet album étaient de mauvais augure : Ali Farka est déjà très marqué par le cancer des os qui, en raison de la douleur, le contraint à faire des pauses de plus en plus longues au studio. «He was having bad attacks of pain. There were moments, when playing a song, that we were forced to stop, because Ali was in so much pain. It was hard for him to make this album. But he wanted to continue. At one moment during the sessions I asked myself, "Why am I doing this?" I didn't want him to suffer. We'd start a song and he'd play and play and play and then, at a certain moment, he would just stop and grimace, or bow his head. So we'd stop. But then he would say, "No! Let's carry on." In the end I said: "Thank God, we've done it, we've done it!"», se souvient Toumani Diabaté avec émotion et joie*. On comprend maintenant pourquoi Ali est joint le surnom Farka qui veut dire «âne» – synonyme de robustesse – en sonraï, sa langue maternelle ...
Comme sur le prédécesseur de Ali & Toumani, et à la demande d'Ali Farka, il n'y avait aucune répétition avant l'enregistrement. Ces deux géants de la musique malienne se connaissaient tellement bien qu'il n'y en avait nul besoin. Donc, cet album aussi, en grande partie instrumental, est le fruit de la spontanéité ; immédiatement entre la guitare et la kora, un dialogue se renoue comme s’il n'y a rien de plus naturel au monde. Grattées, pincées, frottées, avec vivacité ou lenteur, les cordes s’interrogent et se répondent avec finesse et élégance. Parfois, guitare et kora vibrent à l'unisson. Sans difficulté on s'introduit dans l'intimité et la complicité. Sur les onze morceaux de l'album, c'est toujours Ali Farka Touré qui joue le thème mélodique, et la kora de Toumani vient s'enrouler autour avec le sens et l'intuition du grand koriste, qui une fois de plus fait de véritables merveilles avec ses vingt-et-une cordes ; son jeu semble faire jaillir plusieurs sources musicales différentes à la fois, plusieurs voix qui s'entrecroisent et dialoguent entre elles, produisant un effet de scintillement infini à la beauté saisissante. A une technique à la fois surabondante et lyrique, Toumani ajoute en outre une manière de marquer le rythme par son utilisation des cordes basses, parfois même de la caisse de résonance de son instrument. Ecouter la totalité de son spectre sonore, on est tenté de croire qu'il ne s'agit plus d'un instrument de vingt-et-une cordes mais d'un orchestre de vingt-et-une koras animé par les doigts d'un seul homme. Les titres s'écoutent presque comme une suite ininterrompue, chansons et mélodies traditionnelles des régions respectives des deux compères – le Nord du Mali pour Ali Farka, le Sud mandingue pour Toumani –, improvisations à la fois libres et arc-boutées sur la tradition, avec parfois des accents congolais (sur Sina Mory), cubains (sur Sabu Yerkoy), sénégalais ou bluesy. Cette musique est toujours aussi envoûtante, comme hors du temps et de l'espace.
Pour écouter Ali & Toumani, c’est comme «lire un livre sur Ali Farka Touré. C’est un album synthèse de tous ceux qu'il avait fait auparavant», récapitule Toumani Diabaté. En fait, les morceaux ramènent à des moments précis de sa vie : d'abord la rumba Sina Mory, avec qui a commencé tout pour Ali Farka. En 1956, il a vu interpréter cette chanson par Keita Fodeba, son idol, en Guinée. C'était le moment qui l'a incité à apprendre et jouer la guitare. Machengoidi, un hymne au labeur pour le bien de son pays, enregistré pour la première fois sur Radio Mali, en 1996, puis sur son album posthume, Savane, en 2006. La salsa cubaine Sabu Yerkoy («Merci à Dieu !») célèbre l'Indépendance de son pays en chantant l'insouciance de la vie quotidienne lors de la première décennie post-indépendance. Cette chanson appartient au répertoire standard du guitariste. Ruby est une chanson bobo, qu'il a écoutée pour la première fois à San, petite ville entre Ségou et Mopti, à une population majoritairement bobo. Puis, Warbe («Les hommes»), une chanson peul, dédiée à ceux qui se battent pour protéger leur peuple. Un autre morceau peul de l'album est Samba Gelado, en souvenir d'un prince peul du Fouta Djallon en Guinée. Une très vieille chanson mandé est Be Mankan, à qui Ali et Toumani ont donné la forme d'une valse. Aussi une chanson traditionnelle mandé est Doudou, morceau magnifique qui a des liens à l'époque où le Mali et ses pays voisins, la Guinée et le Sénégal, sont devenus indépendants. Ici, le jeu de Toumani indique des influences du rythme mbalanx sénégalais. L'album s'achève sur le très émouvant Kala Djula («Les commerçants de Kala»), hymne mandingue des griots qui glorifie les Diabatés, dynastie de griots mandingues vieille de plusieurs siècles. Le griot Toumani Diabaté accompagne Ali vers la postérité. Au Mali, la rencontre du Nord et du Sud, plus précisément, celle du terroir de Niafunké d'Ali Farka et du répertoire mandingue joué par les Diabatés depuis un grand nombre de générations n'avait pourtant rien d'évident, même si dans les années soixantes, Ali Farka Touré jouait déjà avec Sidiki Diabaté, père de Toumani et lui aussi virtuose de ce formidable instrument ayant révolutionné son art à elle en la sortant de son contexte orchestral pour l'établir en tant qu'instrument soliste ...
Cet album acoustique en forme à la fois de livre d'histoire et de testament est bien plus qu'un disque posthume supplémentaire. Un vrai et unique chef-d'œuvre de deux sorciers des cordes, sans doute, ou en un seul mot : MAGIQUE ...
CD : Ali Farka Touré/Toumani Diabaté. 2010. Ali & Toumani. World Circuit.
hgb
* voir le livret de l'album.
DEUX MAGICIENS DES CORDES EN DIALOGUE
Cinq ans après l'enchanté In the Heart of the Moon, qui leur avait valu un Grammy Award, le légendaire guitariste Ali Farka Touré et la star mondiale de la kora Toumani Diabaté dialoguent une nouvelle fois par l’intermédiaire de leurs instruments. Ils remettent ça avec un album tout simplement nommé Ali & Toumani, aussi le dernier témoignage phonographique de l'homme de Niafounké, décédé en 2006 ...
Ces trois après-midis à Londres en juillet 2005, avec la participation de l'illustre contrebassiste du Buena Vista Social Club, Orlando 'Cachaíto' López, décédé lui aussi, en 2009, et du fils d'Ali, Vieux Farka Touré, les sessions d'enregistrement pour cet album étaient de mauvais augure : Ali Farka est déjà très marqué par le cancer des os qui, en raison de la douleur, le contraint à faire des pauses de plus en plus longues au studio. «He was having bad attacks of pain. There were moments, when playing a song, that we were forced to stop, because Ali was in so much pain. It was hard for him to make this album. But he wanted to continue. At one moment during the sessions I asked myself, "Why am I doing this?" I didn't want him to suffer. We'd start a song and he'd play and play and play and then, at a certain moment, he would just stop and grimace, or bow his head. So we'd stop. But then he would say, "No! Let's carry on." In the end I said: "Thank God, we've done it, we've done it!"», se souvient Toumani Diabaté avec émotion et joie*. On comprend maintenant pourquoi Ali est joint le surnom Farka qui veut dire «âne» – synonyme de robustesse – en sonraï, sa langue maternelle ...
Comme sur le prédécesseur de Ali & Toumani, et à la demande d'Ali Farka, il n'y avait aucune répétition avant l'enregistrement. Ces deux géants de la musique malienne se connaissaient tellement bien qu'il n'y en avait nul besoin. Donc, cet album aussi, en grande partie instrumental, est le fruit de la spontanéité ; immédiatement entre la guitare et la kora, un dialogue se renoue comme s’il n'y a rien de plus naturel au monde. Grattées, pincées, frottées, avec vivacité ou lenteur, les cordes s’interrogent et se répondent avec finesse et élégance. Parfois, guitare et kora vibrent à l'unisson. Sans difficulté on s'introduit dans l'intimité et la complicité. Sur les onze morceaux de l'album, c'est toujours Ali Farka Touré qui joue le thème mélodique, et la kora de Toumani vient s'enrouler autour avec le sens et l'intuition du grand koriste, qui une fois de plus fait de véritables merveilles avec ses vingt-et-une cordes ; son jeu semble faire jaillir plusieurs sources musicales différentes à la fois, plusieurs voix qui s'entrecroisent et dialoguent entre elles, produisant un effet de scintillement infini à la beauté saisissante. A une technique à la fois surabondante et lyrique, Toumani ajoute en outre une manière de marquer le rythme par son utilisation des cordes basses, parfois même de la caisse de résonance de son instrument. Ecouter la totalité de son spectre sonore, on est tenté de croire qu'il ne s'agit plus d'un instrument de vingt-et-une cordes mais d'un orchestre de vingt-et-une koras animé par les doigts d'un seul homme. Les titres s'écoutent presque comme une suite ininterrompue, chansons et mélodies traditionnelles des régions respectives des deux compères – le Nord du Mali pour Ali Farka, le Sud mandingue pour Toumani –, improvisations à la fois libres et arc-boutées sur la tradition, avec parfois des accents congolais (sur Sina Mory), cubains (sur Sabu Yerkoy), sénégalais ou bluesy. Cette musique est toujours aussi envoûtante, comme hors du temps et de l'espace.
Pour écouter Ali & Toumani, c’est comme «lire un livre sur Ali Farka Touré. C’est un album synthèse de tous ceux qu'il avait fait auparavant», récapitule Toumani Diabaté. En fait, les morceaux ramènent à des moments précis de sa vie : d'abord la rumba Sina Mory, avec qui a commencé tout pour Ali Farka. En 1956, il a vu interpréter cette chanson par Keita Fodeba, son idol, en Guinée. C'était le moment qui l'a incité à apprendre et jouer la guitare. Machengoidi, un hymne au labeur pour le bien de son pays, enregistré pour la première fois sur Radio Mali, en 1996, puis sur son album posthume, Savane, en 2006. La salsa cubaine Sabu Yerkoy («Merci à Dieu !») célèbre l'Indépendance de son pays en chantant l'insouciance de la vie quotidienne lors de la première décennie post-indépendance. Cette chanson appartient au répertoire standard du guitariste. Ruby est une chanson bobo, qu'il a écoutée pour la première fois à San, petite ville entre Ségou et Mopti, à une population majoritairement bobo. Puis, Warbe («Les hommes»), une chanson peul, dédiée à ceux qui se battent pour protéger leur peuple. Un autre morceau peul de l'album est Samba Gelado, en souvenir d'un prince peul du Fouta Djallon en Guinée. Une très vieille chanson mandé est Be Mankan, à qui Ali et Toumani ont donné la forme d'une valse. Aussi une chanson traditionnelle mandé est Doudou, morceau magnifique qui a des liens à l'époque où le Mali et ses pays voisins, la Guinée et le Sénégal, sont devenus indépendants. Ici, le jeu de Toumani indique des influences du rythme mbalanx sénégalais. L'album s'achève sur le très émouvant Kala Djula («Les commerçants de Kala»), hymne mandingue des griots qui glorifie les Diabatés, dynastie de griots mandingues vieille de plusieurs siècles. Le griot Toumani Diabaté accompagne Ali vers la postérité. Au Mali, la rencontre du Nord et du Sud, plus précisément, celle du terroir de Niafunké d'Ali Farka et du répertoire mandingue joué par les Diabatés depuis un grand nombre de générations n'avait pourtant rien d'évident, même si dans les années soixantes, Ali Farka Touré jouait déjà avec Sidiki Diabaté, père de Toumani et lui aussi virtuose de ce formidable instrument ayant révolutionné son art à elle en la sortant de son contexte orchestral pour l'établir en tant qu'instrument soliste ...
Cet album acoustique en forme à la fois de livre d'histoire et de testament est bien plus qu'un disque posthume supplémentaire. Un vrai et unique chef-d'œuvre de deux sorciers des cordes, sans doute, ou en un seul mot : MAGIQUE ...
CD : Ali Farka Touré/Toumani Diabaté. 2010. Ali & Toumani. World Circuit.
hgb
* voir le livret de l'album.
Le nouveau Sunjata du Mali
Toumani Diabaté & son Symmetric Orchestra au Palmengarten de Francfort
Le Symmetric Orchestra de Toumani Diabaté, une formation de 13 musiciens ouest-africains, est actuellement en tournée en dehors du Continent Noir pour la première fois. Son motif, c'est la promotion de son premier album Le Boulevard de l'Indépendance.
Le titre de cet album est un symbole : c'est le nom du boulevard dont partent les routes pour le Burkina Faso, le Sénégal, le Niger, la Gambie, la Côte d'Ivoire, la Guinée ..., ces pays donc qui constituaient dès le 13e siècle le légendaire Empire du Mali. De cet empire, démocratique et centralisé par le pouvoir du roi Sunjata résidant au Mali, qui a été détruit par la colonisation, et rien n'est resté de cette unité politique. Culturellement, par contre, l'empire mandé existe bel et bien. Jusqu'à nos jours, les ethnies dites mandé (Maninka, Bamana, Soninké, Kpelle, Susu, Koranko, Jula, Khassonké etc.) rattachent leur tradition orale, leur histoire, à la personne de Sunjata. Surtout chez les Maninka, l'ethnie, à qui appartient Toumani Diabaté, Sunjata jouit un prestige extraordinaire. Les Maninka estiment que le jò (pacte sacré) établi par Sunjata est la base de leur société. Ils croient que la société d'antan était partagée en pays différents : chaque si (clan) ayant son pays. Ce n'est qu'après sa victoire sur Sumawolo Kanté que Sunjata a pu établir une société dans laquelle les clans vivaient ensemble en paix.
C'est le projet de Toumani de faire ressusciter, par des moyens musicaux, cet empire en mettant en place un orchestre fédérateur; celui-ci veut non seulement rappeler aux grands orchestres des années 60 et 70 en Afrique de l'Ouest (p.ex. Bembeya Jazz, Orchestre de Beyla, Les Ambassadeurs) mais aussi anticiper sur l'utopie d'un Etat pan-ouest-africain, sur le modèle de l'Empire du Mali d'antan, reliée à l'idée de paix, d'amour et de solidarité parmi les peuples différents. Voilà, la genèse du Symmetric Orchestra ... La symétrie entre tradition et modernité, idée fondamentale de ce projet musical, se montre à plusieurs égards : les musiciens venant de divers pays ouest-africains se produisent en vêtements uniformes sauf Toumani, en boubou noir et chatoyant, Kassé Madi Diabaté et Soumalia Kanouté, les deux chanteurs solo, en boubous vert et blanc. Des instruments traditionnels dont la kora, le djembé et le balafon, les trois principaux instruments des Maninka, se réunissent avec des instruments modernes que ce soit deux guitares électriques, la guitare basse, le keyboard et la batterie sans que les sounds de la moderne occidentale ne dominent cette musique. Enfin, Toumani Diabaté, le chef d'orchestre et symbole de la symétrie musicale étant non seulement traditionaliste, mais encore novateur courageux du jeu de kora et de la musique mandé, enfin la musique de l'orchestra quand même qui "s'appuie sur un socle de musique mandingue traditionnelle et s'arc-boute sur cette tradition pour faire jaillir quelque chose de nouveau, de riche, de multi-culturel" (Eglantine Chabasseur).
Tous les morceaux joués en concert sont des compositions de Toumani Diabaté qui grimpent autour de la kora, le centre de cette musique. Mais les visiteurs n'assistent en aucune façon à une présentation de kora solo. Au contraire, souvent que la vedette de kora se contient suprêmement pour, par la suite, évoquer des impressions traditionnelles par de magnifiques cascades de sons ... Ou bien, Toumani "parle" en kora avec un autre instrument, que ce soit la guitare électrique, le ngoni ou le balafon. Ces dialogues intimes sont de vrais instants où on se sent séjourner au Bèlèdougou ou à Kangaba, Sibi et Kela, petits villages dans la région (de griots Diabaté) au sud de la capitale malienne ... La plupart du temps dominent les voix expressives de Kassé Madi Diabaté ou de Soumalia Kanouté, à des mélodies sensuelles en haut registre, ou alors des rhythmes impaires, des off-beats et des structures répétitives déploient une force de remous hypnotique qui semble soulever le temps du rhythme ... Des improvisations épiques et expressives témoignent de la dynamique des musiciens autant que de l'ingéniosité du chef d'orchestre. Une musique qui captive totalement !
Selon les paroles de Toumani Diabaté, la culture de son pays natal "est très diversifiée, elle est puissante. Au Mali, la musique sort et revient toujours à la source." Après deux heures et demie de concert, les Francfortiens savent bien que ces paroles de Toumani ne sont pas la langue de bois ...
Voir aussi : http://fotos.web.de/herbert.braun/Toumani_Diabate_en_concert
Francfort-sur-le-Main, le 8 août 2006.
hgb
Toumani Diabaté & son Symmetric Orchestra au Palmengarten de Francfort
Le Symmetric Orchestra de Toumani Diabaté, une formation de 13 musiciens ouest-africains, est actuellement en tournée en dehors du Continent Noir pour la première fois. Son motif, c'est la promotion de son premier album Le Boulevard de l'Indépendance.
Le titre de cet album est un symbole : c'est le nom du boulevard dont partent les routes pour le Burkina Faso, le Sénégal, le Niger, la Gambie, la Côte d'Ivoire, la Guinée ..., ces pays donc qui constituaient dès le 13e siècle le légendaire Empire du Mali. De cet empire, démocratique et centralisé par le pouvoir du roi Sunjata résidant au Mali, qui a été détruit par la colonisation, et rien n'est resté de cette unité politique. Culturellement, par contre, l'empire mandé existe bel et bien. Jusqu'à nos jours, les ethnies dites mandé (Maninka, Bamana, Soninké, Kpelle, Susu, Koranko, Jula, Khassonké etc.) rattachent leur tradition orale, leur histoire, à la personne de Sunjata. Surtout chez les Maninka, l'ethnie, à qui appartient Toumani Diabaté, Sunjata jouit un prestige extraordinaire. Les Maninka estiment que le jò (pacte sacré) établi par Sunjata est la base de leur société. Ils croient que la société d'antan était partagée en pays différents : chaque si (clan) ayant son pays. Ce n'est qu'après sa victoire sur Sumawolo Kanté que Sunjata a pu établir une société dans laquelle les clans vivaient ensemble en paix.
C'est le projet de Toumani de faire ressusciter, par des moyens musicaux, cet empire en mettant en place un orchestre fédérateur; celui-ci veut non seulement rappeler aux grands orchestres des années 60 et 70 en Afrique de l'Ouest (p.ex. Bembeya Jazz, Orchestre de Beyla, Les Ambassadeurs) mais aussi anticiper sur l'utopie d'un Etat pan-ouest-africain, sur le modèle de l'Empire du Mali d'antan, reliée à l'idée de paix, d'amour et de solidarité parmi les peuples différents. Voilà, la genèse du Symmetric Orchestra ... La symétrie entre tradition et modernité, idée fondamentale de ce projet musical, se montre à plusieurs égards : les musiciens venant de divers pays ouest-africains se produisent en vêtements uniformes sauf Toumani, en boubou noir et chatoyant, Kassé Madi Diabaté et Soumalia Kanouté, les deux chanteurs solo, en boubous vert et blanc. Des instruments traditionnels dont la kora, le djembé et le balafon, les trois principaux instruments des Maninka, se réunissent avec des instruments modernes que ce soit deux guitares électriques, la guitare basse, le keyboard et la batterie sans que les sounds de la moderne occidentale ne dominent cette musique. Enfin, Toumani Diabaté, le chef d'orchestre et symbole de la symétrie musicale étant non seulement traditionaliste, mais encore novateur courageux du jeu de kora et de la musique mandé, enfin la musique de l'orchestra quand même qui "s'appuie sur un socle de musique mandingue traditionnelle et s'arc-boute sur cette tradition pour faire jaillir quelque chose de nouveau, de riche, de multi-culturel" (Eglantine Chabasseur).
Tous les morceaux joués en concert sont des compositions de Toumani Diabaté qui grimpent autour de la kora, le centre de cette musique. Mais les visiteurs n'assistent en aucune façon à une présentation de kora solo. Au contraire, souvent que la vedette de kora se contient suprêmement pour, par la suite, évoquer des impressions traditionnelles par de magnifiques cascades de sons ... Ou bien, Toumani "parle" en kora avec un autre instrument, que ce soit la guitare électrique, le ngoni ou le balafon. Ces dialogues intimes sont de vrais instants où on se sent séjourner au Bèlèdougou ou à Kangaba, Sibi et Kela, petits villages dans la région (de griots Diabaté) au sud de la capitale malienne ... La plupart du temps dominent les voix expressives de Kassé Madi Diabaté ou de Soumalia Kanouté, à des mélodies sensuelles en haut registre, ou alors des rhythmes impaires, des off-beats et des structures répétitives déploient une force de remous hypnotique qui semble soulever le temps du rhythme ... Des improvisations épiques et expressives témoignent de la dynamique des musiciens autant que de l'ingéniosité du chef d'orchestre. Une musique qui captive totalement !
Selon les paroles de Toumani Diabaté, la culture de son pays natal "est très diversifiée, elle est puissante. Au Mali, la musique sort et revient toujours à la source." Après deux heures et demie de concert, les Francfortiens savent bien que ces paroles de Toumani ne sont pas la langue de bois ...
Voir aussi : http://fotos.web.de/herbert.braun/Toumani_Diabate_en_concert
Francfort-sur-le-Main, le 8 août 2006.
hgb
A part quian vanh minh, quelqu'un connait il de bon jazzman asiatique🤪
Mohsen Namjoo est un jeune (malgré ses cheveux gris) musicien iranien censuré. Sa musique porte sur les thèmes qui intéressent les jeunes iraniens
d'aujourd'hui: la recherche de la liberté, la démocratie, les préoccupations économiques, les droits de la femme, l'obligation de porter le voile etc.
http://www.youtube.com/watch?v=uql56sjrmWw
Il n'a plus le droit d'entrer en Iran.
C'est donc important de l'encourrager.
Sa musique n'a rien de "contestataire violent", et il est souvent (à juste titre) considéré comme le Bob Dylan iranien.
Je ne sais pas si c'est permis sur VF de mettre un vidéo You Tube mais ce que veut Mohsen Namjoo, c'est que sa musique soit diffusée partout🙂
http://www.youtube.com/watch?v=uql56sjrmWw
Il n'a plus le droit d'entrer en Iran.
C'est donc important de l'encourrager.
Sa musique n'a rien de "contestataire violent", et il est souvent (à juste titre) considéré comme le Bob Dylan iranien.
Je ne sais pas si c'est permis sur VF de mettre un vidéo You Tube mais ce que veut Mohsen Namjoo, c'est que sa musique soit diffusée partout🙂
Between composition and improvisation: Anthony Braxton
For over half a century, the American Anthony Braxton—a composer, multi-instrumentalist, music theorist, university professor, mentor, and visionary—has been one of the key figures in avant-garde contemporary music. Braxton himself describes his music as "creative music," drawing inspiration from jazz, European New Music (Schönberg, Stockhausen, and Xenakis are among the composers who influenced him), and music from various world cultures. In other words, his work uniquely oscillates between composition and improvisation. His body of work includes around 700 compositions, over 200 albums, and a dozen theoretical books.
Anthony Braxton is one of the most striking and brilliant figures in contemporary jazz. As a member of the Creative Construction Company (with violinist Leroy Jenkins and trumpeter Leo Smith) and the quartet Circle (with Chick Corea, Dave Holland, and Barry Altschul—whose double album Circle. Paris Concert is a landmark of contemporary jazz), with his groundbreaking solo alto saxophone album For Alto (1968), his duo with drummer Max Roach, Birth and Rebirth (1978), and especially his own ensembles and large formations, he set out to "redefine the space of music" (Braxton). In doing so, he gave decisive impetus to the development of jazz, making him a star of the avant-garde in the 1970s, with a recording contract from a major label.
Born in 1945 in the South Side, an African-American neighborhood of Chicago, Braxton was always a bit of an outsider, not doing what everyone else did. While the boys in his neighborhood hung out and goofed around, he stayed home pondering chess games or practicing the saxophone. Later, he became a leading figure in the Chicago musicians' organization AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians), a mutual aid network for many African-American musicians in Chicago's new jazz scene. He then led his own formations for years, including musicians like George Lewis, John Lindberg, Marilyn Crispell, Gerry Hemingway, Kenny Wheeler, Dave Holland, Barry Altschul, Mark Dresser, Ray Anderson, and Mark Helias. In the mid-1980s, Braxton settled down a bit by accepting a teaching position at Mills College at the University of California, Berkeley. He was a tenured professor at Wesleyan University in Middletown, Connecticut, for many years. From his "school" emerged musicians of the younger generation, such as Taylor Ho Bynum (trumpet), Aaron Siegel (percussion), Jay Rozen (tuba), Jessica Pavone (violin, viola, flute), and Mary Halvorson (guitar).
I’ve seen Anthony Braxton in concert many times: the first time at the Moers Jazz Festival (1976) in a duo with George Lewis (trombone)—I still remember it vividly—the last time in November 2021 in Ulm with his Diamond Curtain Wall Trio (with the incredible Portuguese trumpeter Susanna Santos Silva; see the photos).
Just a few days ago, on June 4, this exceptional figure celebrated his 80th birthday. Congratulations!
hgb
For over half a century, the American Anthony Braxton—a composer, multi-instrumentalist, music theorist, university professor, mentor, and visionary—has been one of the key figures in avant-garde contemporary music. Braxton himself describes his music as "creative music," drawing inspiration from jazz, European New Music (Schönberg, Stockhausen, and Xenakis are among the composers who influenced him), and music from various world cultures. In other words, his work uniquely oscillates between composition and improvisation. His body of work includes around 700 compositions, over 200 albums, and a dozen theoretical books.
Anthony Braxton is one of the most striking and brilliant figures in contemporary jazz. As a member of the Creative Construction Company (with violinist Leroy Jenkins and trumpeter Leo Smith) and the quartet Circle (with Chick Corea, Dave Holland, and Barry Altschul—whose double album Circle. Paris Concert is a landmark of contemporary jazz), with his groundbreaking solo alto saxophone album For Alto (1968), his duo with drummer Max Roach, Birth and Rebirth (1978), and especially his own ensembles and large formations, he set out to "redefine the space of music" (Braxton). In doing so, he gave decisive impetus to the development of jazz, making him a star of the avant-garde in the 1970s, with a recording contract from a major label.
Born in 1945 in the South Side, an African-American neighborhood of Chicago, Braxton was always a bit of an outsider, not doing what everyone else did. While the boys in his neighborhood hung out and goofed around, he stayed home pondering chess games or practicing the saxophone. Later, he became a leading figure in the Chicago musicians' organization AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians), a mutual aid network for many African-American musicians in Chicago's new jazz scene. He then led his own formations for years, including musicians like George Lewis, John Lindberg, Marilyn Crispell, Gerry Hemingway, Kenny Wheeler, Dave Holland, Barry Altschul, Mark Dresser, Ray Anderson, and Mark Helias. In the mid-1980s, Braxton settled down a bit by accepting a teaching position at Mills College at the University of California, Berkeley. He was a tenured professor at Wesleyan University in Middletown, Connecticut, for many years. From his "school" emerged musicians of the younger generation, such as Taylor Ho Bynum (trumpet), Aaron Siegel (percussion), Jay Rozen (tuba), Jessica Pavone (violin, viola, flute), and Mary Halvorson (guitar).
I’ve seen Anthony Braxton in concert many times: the first time at the Moers Jazz Festival (1976) in a duo with George Lewis (trombone)—I still remember it vividly—the last time in November 2021 in Ulm with his Diamond Curtain Wall Trio (with the incredible Portuguese trumpeter Susanna Santos Silva; see the photos).
Just a few days ago, on June 4, this exceptional figure celebrated his 80th birthday. Congratulations!
hgb
Chers membres,
De mon voyage en Inde qui est devenu un long sejour depuis 1978..!! je rapporte et souhaite partager un amour du dhrupad de Ustad F. Wasifuddin Dagar. C'est une musique classique de l'INDE DU nORD PLUSIEURS FOIS MILLENAIRE MAIS TOTALEMENT CONTEMPORAINE AUSSI CAR ELLE REPOSE RINCIPALEMENT SUR L'IMPROVISATION.
Vous pouvez venir ecouter ce musicien, samedi 5 juillet de 18h a 22h a la Maison de l'Inde, 75014 Paris
Reservations: dsparis1985@gmail.com (association loi de 1901)
C'est son seul concert a paris pour la saison. Venez faire l'experience d'une musique qui vous porte, vous emporte vous eleve et vous comble. Laurence Bastit
Musician, monk, painter: The metamorphoses of Jamie Muir
James David "Jamie" Muir, a talented drummer and percussionist and brief member of King Crimson, who left the world of pop music and show business to retreat to a Buddhist monastery in Scotland before dedicating himself almost entirely to painting, passed away last year at the age of 81. His artwork was recently featured in two exhibitions in Cornwall and London...
Born in Edinburgh, Scotland, in 1942, Jamie Muir attended the College of Art there in the 1960s. Early on, he was drawn to jazz.
Later settling in London, Jamie Muir played jazz trombone before turning to percussion. Influenced by American drummers like Tony Williams, Kenny Clarke, and Milford Graves, as well as musicians such as Pharoah Sanders and Albert Ayler, he gravitated toward free music, meaning improvisation. It was during this time that he began assembling an arsenal of household objects he later used alongside his standard drum kit: rattles, whistles, horns, chimes, bells, gongs, sheets of metal, shakers, drums, and plastic bottles.
After a brief stint in a multimedia group, Jamie Muir worked with choreographer Lindsay Kemp (as did David Bowie), played music in the short-lived jazz-rock group Sunship (with guitarist Allan Holdsworth, formerly of Soft Machine), and became involved in the ensemble known as The Music Improvisation Society, with Derek Bailey, Hugh Davies, and Evan Parker between 1968 and 1971. The Music Improvisation Society recorded an album for the ECM label in 1971 (never reissued on CD except in Japan) and a posthumous album (1968–71). Both records gained a cult following among fans of experimental and improvised music. After this experience, Muir played in Pete Brown’s Battered Ornaments and then in the band Boris with Jamie Peters, Don Weller, and former Colosseum member Jim Roache. He also briefly joined Assagai, an Afro-rock group featuring South African and Nigerian musicians from the legendary South African band Blue Notes (including drummer Louis Moholo, saxophonist Dudu Pukwana, and trumpeter/flutist Mongezi Feza).
In the summer of 1972, Robert Fripp, leader and guitarist of King Crimson, whom a journalist from *Melody Maker* had suggested meet this percussionist from the English experimental scene, invited Jamie Muir to join the new King Crimson lineup he was assembling: Robert Fripp (guitar, mellotron), David Cross (violin), John Wetton (bass), Bill Bruford (drums), and Jamie Muir (percussion). "King Crimson was the ideal for me because it was a rock band that had more than three brain cells. I was very much more an instrumental style of musician rather than being song-based, and there weren’t many other bands that I would have been any good in. I was extremely pleased and felt completely at home with Crimson." Once formed, the new group honed their sound on stage from early October to mid-December 1972 (see the 1972 live albums in the discography below), before recording the album Larks’ Tongues in Aspic in early 1973. A grand album, one of the band’s best, and one of the best of the 1970s.
However, after a concert at the Marquee Club in London, Jamie Muir left not only the band but also the music world entirely, with immediate effect. During the six months Muir spent with King Crimson, his presence completely upended the group’s philosophy, loosening the notoriously strict rules imposed by Fripp and pushing the boundaries of improvisation. Jamie Muir’s contribution—clearly heard on Larks’ Tongues in Aspic—was to introduce a touch of anarchy into Robert Fripp’s music, which was usually so tight, rational, and meticulously structured.
Muir returned to Scotland, to the Samye Ling Monastery near Eskdalemuir in Dumfries and Galloway (in the south), where he spent several years as a Buddhist monk, the pleasures of his former life giving way to retreat and meditation.
Muir came back to London and music in the 1980s, playing and recording with Derek Bailey and Evan Parker from the Music Improvisation Company, as well as with former King Crimson member Michael Giles on the soundtrack for the independent British film Ghost Dance (1983).
In 1990, Muir left music behind once more and increasingly devoted himself to painting, a discipline he maintained until his death. In his later years, he began exploring digital art as another form of expression.
In recent years, he lived in Penzance, Cornwall, where he passed away in February 2025.
Hery
Discography:
A. Jamie Muir with King Crimson: • Larks’ Tongues In Aspic (1973) • Larks’ Tongues In Aspic (The Complete Recordings) (2023, 4 CDs) • Cosmic Muir (1998, Japan, unofficial release) • The Beat Club Bremen 1972 (1999) • Live at the Zoom Club Frankfurt, Germany (October 13, 1972) (2002, 2 CDs) • Live in Guildford (November 13, 1972) (2003) • Live in Newcastle (December 8, 1972) (2019, mono) B. Jamie Muir and other projects: • The Music Improvisation Company: The Music Improvisation Company (1970) • The Music Improvisation Company: 1968–1971 (1976) • Derek Bailey / Jamie Muir: Dart Drug (1981) • Michael Giles / Jamie Muir / David Cunningham: Ghost Dance (1996) • Evan Parker / Jamie Muir / Paul Rodgers: The Ayes Have It (2001)
Links:
https://www.jamiemuirart.com/
https://www.youtube.com/watch?v=eDyf0ofV5n4 (King Crimson: "Larks' Tongues in Aspic") https://www.youtube.com/watch?v=ZgoKT8hEBFQ&list=RDJ2FjbpvX8dA&index=2 (Michael Giles, Jamie Muir, David Cunningham)
The musician
The painter
The band (l. to r.: Muir, Fripp, Cross, Bruford)
James David "Jamie" Muir, a talented drummer and percussionist and brief member of King Crimson, who left the world of pop music and show business to retreat to a Buddhist monastery in Scotland before dedicating himself almost entirely to painting, passed away last year at the age of 81. His artwork was recently featured in two exhibitions in Cornwall and London...
Born in Edinburgh, Scotland, in 1942, Jamie Muir attended the College of Art there in the 1960s. Early on, he was drawn to jazz.
Later settling in London, Jamie Muir played jazz trombone before turning to percussion. Influenced by American drummers like Tony Williams, Kenny Clarke, and Milford Graves, as well as musicians such as Pharoah Sanders and Albert Ayler, he gravitated toward free music, meaning improvisation. It was during this time that he began assembling an arsenal of household objects he later used alongside his standard drum kit: rattles, whistles, horns, chimes, bells, gongs, sheets of metal, shakers, drums, and plastic bottles.
After a brief stint in a multimedia group, Jamie Muir worked with choreographer Lindsay Kemp (as did David Bowie), played music in the short-lived jazz-rock group Sunship (with guitarist Allan Holdsworth, formerly of Soft Machine), and became involved in the ensemble known as The Music Improvisation Society, with Derek Bailey, Hugh Davies, and Evan Parker between 1968 and 1971. The Music Improvisation Society recorded an album for the ECM label in 1971 (never reissued on CD except in Japan) and a posthumous album (1968–71). Both records gained a cult following among fans of experimental and improvised music. After this experience, Muir played in Pete Brown’s Battered Ornaments and then in the band Boris with Jamie Peters, Don Weller, and former Colosseum member Jim Roache. He also briefly joined Assagai, an Afro-rock group featuring South African and Nigerian musicians from the legendary South African band Blue Notes (including drummer Louis Moholo, saxophonist Dudu Pukwana, and trumpeter/flutist Mongezi Feza).
In the summer of 1972, Robert Fripp, leader and guitarist of King Crimson, whom a journalist from *Melody Maker* had suggested meet this percussionist from the English experimental scene, invited Jamie Muir to join the new King Crimson lineup he was assembling: Robert Fripp (guitar, mellotron), David Cross (violin), John Wetton (bass), Bill Bruford (drums), and Jamie Muir (percussion). "King Crimson was the ideal for me because it was a rock band that had more than three brain cells. I was very much more an instrumental style of musician rather than being song-based, and there weren’t many other bands that I would have been any good in. I was extremely pleased and felt completely at home with Crimson." Once formed, the new group honed their sound on stage from early October to mid-December 1972 (see the 1972 live albums in the discography below), before recording the album Larks’ Tongues in Aspic in early 1973. A grand album, one of the band’s best, and one of the best of the 1970s.
However, after a concert at the Marquee Club in London, Jamie Muir left not only the band but also the music world entirely, with immediate effect. During the six months Muir spent with King Crimson, his presence completely upended the group’s philosophy, loosening the notoriously strict rules imposed by Fripp and pushing the boundaries of improvisation. Jamie Muir’s contribution—clearly heard on Larks’ Tongues in Aspic—was to introduce a touch of anarchy into Robert Fripp’s music, which was usually so tight, rational, and meticulously structured.
Muir returned to Scotland, to the Samye Ling Monastery near Eskdalemuir in Dumfries and Galloway (in the south), where he spent several years as a Buddhist monk, the pleasures of his former life giving way to retreat and meditation.
Muir came back to London and music in the 1980s, playing and recording with Derek Bailey and Evan Parker from the Music Improvisation Company, as well as with former King Crimson member Michael Giles on the soundtrack for the independent British film Ghost Dance (1983).
In 1990, Muir left music behind once more and increasingly devoted himself to painting, a discipline he maintained until his death. In his later years, he began exploring digital art as another form of expression.
In recent years, he lived in Penzance, Cornwall, where he passed away in February 2025.
Hery
Discography:
A. Jamie Muir with King Crimson: • Larks’ Tongues In Aspic (1973) • Larks’ Tongues In Aspic (The Complete Recordings) (2023, 4 CDs) • Cosmic Muir (1998, Japan, unofficial release) • The Beat Club Bremen 1972 (1999) • Live at the Zoom Club Frankfurt, Germany (October 13, 1972) (2002, 2 CDs) • Live in Guildford (November 13, 1972) (2003) • Live in Newcastle (December 8, 1972) (2019, mono) B. Jamie Muir and other projects: • The Music Improvisation Company: The Music Improvisation Company (1970) • The Music Improvisation Company: 1968–1971 (1976) • Derek Bailey / Jamie Muir: Dart Drug (1981) • Michael Giles / Jamie Muir / David Cunningham: Ghost Dance (1996) • Evan Parker / Jamie Muir / Paul Rodgers: The Ayes Have It (2001)
Links:
https://www.jamiemuirart.com/
https://www.youtube.com/watch?v=eDyf0ofV5n4 (King Crimson: "Larks' Tongues in Aspic") https://www.youtube.com/watch?v=ZgoKT8hEBFQ&list=RDJ2FjbpvX8dA&index=2 (Michael Giles, Jamie Muir, David Cunningham)
The musician
The painter
The band (l. to r.: Muir, Fripp, Cross, Bruford)Parution toute actuelle : le cd "Timbuktu" du Trio Ivoire
Le TRIO IVOIRE existe depuis 1999, fondé par le pianiste et compositeur Hans Lüdemann et le "magicien du balafon", Aly Keita, les gardiens du temple. Les énergies créatives du trio naissent surtout là où se joignent la polyrythmie africaine et la polyphonie européenne ou alors là où ces contraires sont accentués. Entre 2002 et 2009, le groupe a publié 3 cds : "Trio Ivoire" (2002), "Touching Africa" (2006) et "Across the Oceans" (2009). Il y a peu de temps, son quatrième album, "Timbuktu", est sorti ...
Tombouctou, légendaire ville, "la mystérieuse" et "perle du désert", dans le nord(-ouest) du Mali, est le point de départ du voyage entrepris par le TRIO IVOIRE sur son quatrième cd. Durant les enregistrements, "nous avons suivi avec attention les évènements au Mali, à un moment où y régnaient le chaos et la guerre" (Lüdemann). C'était Aly Keita qui s'est mis à improviser sur des thèmes qui lui rappelaient la musique du nord du Mali. Sur cette base, par le biais de l'improvisation, les trois musiciens ont développé le morceau ayant plus tard baptisé "Tombouctou" (Timbuktu en allemand). Le trio est donc parti de "Tombouctou" pour se diriger vers des références africaines, européennes, américaines et imaginaires, liées à des mondes magiques ...
Le morceau "Heartbeats" est personnel et "vient tout simplement de l'intérieur." Dans ce morceau, Aly Keita joue son balafon chromatique – pour la première fois sur un cd du TRIO IVOIRE. "Maloya" (honte) contient certains éléments "typiquement africains" : rythme 12/8, pentatonique, polyrythmie – c'est bien un morceau dansant et entraînant. Christian Thomé, qui, avec ce cd, débute au groupe en tant que batteur, joue ici comme s'il revenait tout juste d'une tournée en Afrique. Une autre particularité de ce cd est qu'il fait ressortir, avec plusieurs morceaux en duo, l'interaction entre le balafon et le piano – la base et la constante du trio depuis ses débuts. C'est le cas dans "Perles Noires", une improvisation minimaliste aux tonalités sombres avec le balafon chromatique et avec des sonorités de piano acoustiques et virtuelles. Parfois, les deux instruments amalgament à tel point qu'on ne peut plus les distinguer. De grande finesse !
Né lors d'une canicule à la Villa Massimo à Rome au mois d'août, le morceau "Love Confessions" est une variation blues, dont les thèmes principaux sont joués par le piano et – au milieu du morceau – par le balafon et le piano à l'unisson. Le titre "Crum" fait référence à une vallée à Swarthmore aux Etats-Unis, dans la banlieue de Philadelphie, où Lüdemann a travaillé un an en tant que professeur. Le morceau utilise un rythme 9/8 africain, l'intègre dans une forme complexe et développe un grand arc à partir de petits motifs. "Cette œuvre en plusieurs parties va à la limite de ce que l'on peut faire sur le plan formel et harmonique avec un balafon diatonique" (Lüdemann).
"Makuku" est un morceau "léger" et joyeux sur la naissance d'une petite fille. A la manière d'une chanson, le piano et le balafon évoluent en duo à travers des harmonies légères et des rythmes dansants. "Treiben" est une reprise issue des débuts du TRIO IVOIRE à Abidjan en 1999. Avec "Douentza", le voyage ramène les musiciens au Mali – dans un lieu situé au cœur du pays, à mi-chemin entre Ségou et Gao. Le cd se termine par le titre "Ndo", un autre duo, qui se base sur la musique mbira, musique traditionnelle du Zimbabwe : magnifique morceau dédié à la mémoire de la chanteuse et joueuse de mbira Chiwoniso (http://next.liberation.fr/musique/2013/07/26/le-zimbabwe-pleure-la-chanteuse-chiwoniso_921094), avec laquelle le trio a collaboré au cours des dernières années – une musicienne et amie morte trop tôt. Dans la musique shona du Zimbabwe, la mbira, un des instruments les plus anciens en Afrique et emblème de la musique shona, est considérée comme le lien entre le monde réel et le monde spirituel des esprits et des ancêtres (pour le rituel de possession, pour venir faire la pluie, au cours des funérailles, pour invoquer des esprits animaux etc.). Le piano et le balafon reprennent la manière de jouer de la mbira – c'est ainsi que leur voyage musical, qui a commencé à Tombouctou, aboutit finalement dans des sphères infinies et magiques..
La formation : Hans Lüdemann (piano, piano virtuel), Aly Keita (balafons diatonique & chromatique), Christian Thomé (batterie, percussion, électroniques).
Le disque : Trio Ivoire. Timbuktu. Intuition, 2014.
Hery
Le TRIO IVOIRE existe depuis 1999, fondé par le pianiste et compositeur Hans Lüdemann et le "magicien du balafon", Aly Keita, les gardiens du temple. Les énergies créatives du trio naissent surtout là où se joignent la polyrythmie africaine et la polyphonie européenne ou alors là où ces contraires sont accentués. Entre 2002 et 2009, le groupe a publié 3 cds : "Trio Ivoire" (2002), "Touching Africa" (2006) et "Across the Oceans" (2009). Il y a peu de temps, son quatrième album, "Timbuktu", est sorti ...
Tombouctou, légendaire ville, "la mystérieuse" et "perle du désert", dans le nord(-ouest) du Mali, est le point de départ du voyage entrepris par le TRIO IVOIRE sur son quatrième cd. Durant les enregistrements, "nous avons suivi avec attention les évènements au Mali, à un moment où y régnaient le chaos et la guerre" (Lüdemann). C'était Aly Keita qui s'est mis à improviser sur des thèmes qui lui rappelaient la musique du nord du Mali. Sur cette base, par le biais de l'improvisation, les trois musiciens ont développé le morceau ayant plus tard baptisé "Tombouctou" (Timbuktu en allemand). Le trio est donc parti de "Tombouctou" pour se diriger vers des références africaines, européennes, américaines et imaginaires, liées à des mondes magiques ...
Le morceau "Heartbeats" est personnel et "vient tout simplement de l'intérieur." Dans ce morceau, Aly Keita joue son balafon chromatique – pour la première fois sur un cd du TRIO IVOIRE. "Maloya" (honte) contient certains éléments "typiquement africains" : rythme 12/8, pentatonique, polyrythmie – c'est bien un morceau dansant et entraînant. Christian Thomé, qui, avec ce cd, débute au groupe en tant que batteur, joue ici comme s'il revenait tout juste d'une tournée en Afrique. Une autre particularité de ce cd est qu'il fait ressortir, avec plusieurs morceaux en duo, l'interaction entre le balafon et le piano – la base et la constante du trio depuis ses débuts. C'est le cas dans "Perles Noires", une improvisation minimaliste aux tonalités sombres avec le balafon chromatique et avec des sonorités de piano acoustiques et virtuelles. Parfois, les deux instruments amalgament à tel point qu'on ne peut plus les distinguer. De grande finesse !
Né lors d'une canicule à la Villa Massimo à Rome au mois d'août, le morceau "Love Confessions" est une variation blues, dont les thèmes principaux sont joués par le piano et – au milieu du morceau – par le balafon et le piano à l'unisson. Le titre "Crum" fait référence à une vallée à Swarthmore aux Etats-Unis, dans la banlieue de Philadelphie, où Lüdemann a travaillé un an en tant que professeur. Le morceau utilise un rythme 9/8 africain, l'intègre dans une forme complexe et développe un grand arc à partir de petits motifs. "Cette œuvre en plusieurs parties va à la limite de ce que l'on peut faire sur le plan formel et harmonique avec un balafon diatonique" (Lüdemann).
"Makuku" est un morceau "léger" et joyeux sur la naissance d'une petite fille. A la manière d'une chanson, le piano et le balafon évoluent en duo à travers des harmonies légères et des rythmes dansants. "Treiben" est une reprise issue des débuts du TRIO IVOIRE à Abidjan en 1999. Avec "Douentza", le voyage ramène les musiciens au Mali – dans un lieu situé au cœur du pays, à mi-chemin entre Ségou et Gao. Le cd se termine par le titre "Ndo", un autre duo, qui se base sur la musique mbira, musique traditionnelle du Zimbabwe : magnifique morceau dédié à la mémoire de la chanteuse et joueuse de mbira Chiwoniso (http://next.liberation.fr/musique/2013/07/26/le-zimbabwe-pleure-la-chanteuse-chiwoniso_921094), avec laquelle le trio a collaboré au cours des dernières années – une musicienne et amie morte trop tôt. Dans la musique shona du Zimbabwe, la mbira, un des instruments les plus anciens en Afrique et emblème de la musique shona, est considérée comme le lien entre le monde réel et le monde spirituel des esprits et des ancêtres (pour le rituel de possession, pour venir faire la pluie, au cours des funérailles, pour invoquer des esprits animaux etc.). Le piano et le balafon reprennent la manière de jouer de la mbira – c'est ainsi que leur voyage musical, qui a commencé à Tombouctou, aboutit finalement dans des sphères infinies et magiques..
La formation : Hans Lüdemann (piano, piano virtuel), Aly Keita (balafons diatonique & chromatique), Christian Thomé (batterie, percussion, électroniques).
Le disque : Trio Ivoire. Timbuktu. Intuition, 2014.
Hery
Kora meets piano
Toumani Diabaté – kora Hans Lüdemann – piano / clavicorde
La séduisante alliance de la kora de Toumani Diabaté et du piano de Hans Lüdemann contribue à dissoudre les limites de leurs cultures et à atteindre, dans leur fusion, un haut niveau de l'inspiration, de l’intimité et de l’intensité. D’aucuns autres instruments ne pourraient être plus représentatifs pour les cultures (ouest-)africaine et européenne que la kora et le piano, tous les deux étant des instruments harmoniques, mélodiques et rythmiques, non seulement des instruments solo mais aussi des instruments d’accompagnement. La kora ainsi que le piano totalisent tout le langage musical, et leurs techniques peuvent servir à des compositions écrites mais aussi à l’improvisation et à la création. L’improvisation et le jazz y sont les éléments essentiels qui unissent les deux cultures musicales et permettent des multiples points communs. Par le clavicorde, ancêtre du piano, résulte un autre "pont" sonore et historique entre les cultures.
Les deux musiciens ont travaillé ensemble pour la première fois en 1999 à Bamako, ville natale de Toumani Diabaté, en duo et en ensemble. En 2002, ils y ont continué la collaboration et, en 2011, ont donné des concerts en Europe, notamment à Berlin et à Cologne. En décembre 2012, une tournée du duo est en cours de planification.
Toumani Diabaté et Hans Lüdemann sont tous les deux des virtuoses de leurs instruments. Toumani Diabaté, né dans une grande famille de griots, "caste" musicale traditionnelle en Afrique de l'Ouest, est bien le plus célèbre soliste de la kora de nos jours. Grâce à son travail solo et avec ensemble et aussi grâce à des projets avec des musiciens comme le grand Ali Farka Touré ("In the Heart of the Moon" et "Ali & Toumani"), la chanteuse Kandia Kouyaté ("Symphonie Mandingue Live"), l’autre grand joueur de kora malien, Ballaké Sissoko ("Nouvelles Cordes Anciennes"), la vedette du ngoni Bassékou Kouyaté ("Djelika"), le groupe de flamenco Ketama ("Songhai" et "Songhai 2"), le chanteur de blues Taj Mahal ("Kulanjan"), avec Afrocubism, Herbie Hancock et Björk, a sondé les multiples connexions et points communs de la musique africaine. Hans Lüdemann, de formation en piano classique et de jazz à la fois, est pianiste et compositeur, considéré comme musicien renommé de jazz allemand. Il se consacre depuis quelques années à de nouveaux projets, à une forte affection pour la musique africaine. On lui doit notamment la création du solo "Das virtuelle Klavier" (le piano virtuel) et celle de divers trios "classiques" dans le jazz : en janvier, il a édité un coffret des 5 volets de son "Die Kunst des Trios" (l’art du trio), un vrai manifeste de sa conception de l’art du trio (chaque volet comprend une autre section rythmique). De plus, le Hambourgois travaille avec des artistes africains pendant des années, notamment avec le balafoniste Aly Keïta dans le Trio Ivoire (+ un batteur néerlandais d’origine indienne), le joueur de kora Dindin Tata (Gambie) et les chanteuses Chiwoniso (Zimbabwe) et Dobet Gnahoré (Côte d'Ivoire). Et il s’est investi dans les projets des grands jazzers comme Jan Garbarek, Paul Bley, Marc Ducret, Heinz Sauer et Mark Feldman.
http://www.youtube.com/watch?v=MOs1xp5nktg (Toumani Diabaté & Hans Lüdemann en concert à Cologne)
Tata Dindin & Hans Lüdemann (2008) : Piano meets Kora – African Dialogs. Rism (Alive). Tata Dindin & Hans Lüdemann (2009) : Kano (edition 2009). NRW Rec. Hans Lüdemann (2012) : Die Kunst des Trios 1 – 5. BMC. Trio Ivoire (2011) : Across the Oceans. Enja.
Herbert
Toumani Diabaté – kora Hans Lüdemann – piano / clavicorde
La séduisante alliance de la kora de Toumani Diabaté et du piano de Hans Lüdemann contribue à dissoudre les limites de leurs cultures et à atteindre, dans leur fusion, un haut niveau de l'inspiration, de l’intimité et de l’intensité. D’aucuns autres instruments ne pourraient être plus représentatifs pour les cultures (ouest-)africaine et européenne que la kora et le piano, tous les deux étant des instruments harmoniques, mélodiques et rythmiques, non seulement des instruments solo mais aussi des instruments d’accompagnement. La kora ainsi que le piano totalisent tout le langage musical, et leurs techniques peuvent servir à des compositions écrites mais aussi à l’improvisation et à la création. L’improvisation et le jazz y sont les éléments essentiels qui unissent les deux cultures musicales et permettent des multiples points communs. Par le clavicorde, ancêtre du piano, résulte un autre "pont" sonore et historique entre les cultures.
Les deux musiciens ont travaillé ensemble pour la première fois en 1999 à Bamako, ville natale de Toumani Diabaté, en duo et en ensemble. En 2002, ils y ont continué la collaboration et, en 2011, ont donné des concerts en Europe, notamment à Berlin et à Cologne. En décembre 2012, une tournée du duo est en cours de planification.
Toumani Diabaté et Hans Lüdemann sont tous les deux des virtuoses de leurs instruments. Toumani Diabaté, né dans une grande famille de griots, "caste" musicale traditionnelle en Afrique de l'Ouest, est bien le plus célèbre soliste de la kora de nos jours. Grâce à son travail solo et avec ensemble et aussi grâce à des projets avec des musiciens comme le grand Ali Farka Touré ("In the Heart of the Moon" et "Ali & Toumani"), la chanteuse Kandia Kouyaté ("Symphonie Mandingue Live"), l’autre grand joueur de kora malien, Ballaké Sissoko ("Nouvelles Cordes Anciennes"), la vedette du ngoni Bassékou Kouyaté ("Djelika"), le groupe de flamenco Ketama ("Songhai" et "Songhai 2"), le chanteur de blues Taj Mahal ("Kulanjan"), avec Afrocubism, Herbie Hancock et Björk, a sondé les multiples connexions et points communs de la musique africaine. Hans Lüdemann, de formation en piano classique et de jazz à la fois, est pianiste et compositeur, considéré comme musicien renommé de jazz allemand. Il se consacre depuis quelques années à de nouveaux projets, à une forte affection pour la musique africaine. On lui doit notamment la création du solo "Das virtuelle Klavier" (le piano virtuel) et celle de divers trios "classiques" dans le jazz : en janvier, il a édité un coffret des 5 volets de son "Die Kunst des Trios" (l’art du trio), un vrai manifeste de sa conception de l’art du trio (chaque volet comprend une autre section rythmique). De plus, le Hambourgois travaille avec des artistes africains pendant des années, notamment avec le balafoniste Aly Keïta dans le Trio Ivoire (+ un batteur néerlandais d’origine indienne), le joueur de kora Dindin Tata (Gambie) et les chanteuses Chiwoniso (Zimbabwe) et Dobet Gnahoré (Côte d'Ivoire). Et il s’est investi dans les projets des grands jazzers comme Jan Garbarek, Paul Bley, Marc Ducret, Heinz Sauer et Mark Feldman.
http://www.youtube.com/watch?v=MOs1xp5nktg (Toumani Diabaté & Hans Lüdemann en concert à Cologne)
Tata Dindin & Hans Lüdemann (2008) : Piano meets Kora – African Dialogs. Rism (Alive). Tata Dindin & Hans Lüdemann (2009) : Kano (edition 2009). NRW Rec. Hans Lüdemann (2012) : Die Kunst des Trios 1 – 5. BMC. Trio Ivoire (2011) : Across the Oceans. Enja.
Herbert
Voyageuse vélocipède de 20 ans, je suis adepte des longues randonnées, en groupe ou solitaire, où le vélo et nos petits muscles sont nos seuls alliés. Lors de mon dernier voyage, la musique est l'une des choses qui m'ont le plus manqué, le soir au coin du feu. Je ne suis pas musicienne, mais j'aime la musique et j'ai l'oreille à peu près correcte (danseuse depuis toujours...). J'ai fait du piano pendant deux ans et je me débrouillais bien, à part le solfège qui m'a un peu rebuté.
Ma question est la suivante : existe-t-il un instrument adapté au voyage léger (pas un piano ni une batterie 🙂) et duquel une novice comme moi puisse tirer quelque mélodie un peu satisfaisante? Je ne souhaite pas jouer de grandes symphonies, juste pouvoir divertir mes compagnons de bivouac et éventuellement démarrer des morceaux improvisés en nature majeur (fourchette sur tronc d'arbre, branchette sur casserole). Je suis motivée pour apprendre des morceaux et tenter l'improvisation, même si je sais que c'est plus facile à rêver qu'à faire.
Bon(s) voyage(s)!
Ma question est la suivante : existe-t-il un instrument adapté au voyage léger (pas un piano ni une batterie 🙂) et duquel une novice comme moi puisse tirer quelque mélodie un peu satisfaisante? Je ne souhaite pas jouer de grandes symphonies, juste pouvoir divertir mes compagnons de bivouac et éventuellement démarrer des morceaux improvisés en nature majeur (fourchette sur tronc d'arbre, branchette sur casserole). Je suis motivée pour apprendre des morceaux et tenter l'improvisation, même si je sais que c'est plus facile à rêver qu'à faire.
Bon(s) voyage(s)!
"Naître dans une grande famille de griots, c’est grandir dans une école où l’on n’a besoin ni de bic ni de cahier" (Toumani Diabaté)
"Trio Da Kali", un pourvu des talents de papa et de maman
Les mélomanes de la musique africaine ont bien conscience de la place suréminente de l'art musical des griots et griottes (jeli et jelimuso en bambara) du Mali dans le panthéon musical du continent africain ; même en laissant de côté tous les divers styles du "blues de désert" maliens et les riches traditions pentatoniques (p.ex. les styles wassoulou et sonraï, etc. etc.) de ce pays, la liste des vedettes (griotiques) maliennes reste pourtant formidable : Toumani Diabaté (kora) et son fils aîné et future star Sidiki Diabaté jr. (kora), Bassékou Kouyaté (ngoni), Baba Sissoko (ngoni, tamani), Séga Sidibé (djembé), Moriba Koïta (ngoni), Yacouba Sissoko (kora), Djelimady Tounkara (guitare) & son Super Rail Band, Andra Kouyaté (ngoni), Kassé Mady Diabaté (chant), Mama Sissoko (guitare) & le Super Biton de Ségou, Ballaké Sissoko (kora), Cheick Hamala Diabaté (ngoni), Pédro Kouyaté (guitare, kamalengoni), Zani Diabaté (guitare) & son Super Djata Band, Aïssata Doumbia aka Kokanko Sata (kamalengoni), Abdoulaye Diabaté (chant), Habib Koité (guitare, donsongoni), en outre les inoubliés qui ont tous laissé leurs empreintes dans la musique malienne dont le père de Toumani, Sidiki Diabaté sen. (kora), Bazoumana Sissoko (ngoni), Batourou Sekou Kouyaté (kora), Kèlètigi Diabaté (balafon, violon) et Djéli Fodé Kouyaté (kora), sans sauter une foule de divas griottes (Tata Bambo Kouyaté, Mouhountafé Sacko, Ami Koïta, Mah Damba, Siramori Diabaté, Bako Dagnon, Kandia Kouyaté, Babani Koné, Naïni Diabaté, Mah Kouyaté no.1, Mah Kouyaté no.2, Fanta Damba, Fanta Sacko, Diaou Kouyaté, Aminata Sacko, épouse de Bassékou ...) ; même Salif Keïta, pas du tout un griot lui-même, puise son inspiration surtout des traditions musicales mandingues ... Et depuis peu, on peut ajouter un nouveau nom à cette liste: le Trio Da Kali (en bambara, da kali veut dire "prêter serment", donc ici, c'est vraiment un engagement, à savoir un serment à rester fidèle à l'art du griot). Produit par la connaisseuse par excellence de la musique mandingue, Lucy Durán (SOAS, Londres), et soutenu par l'Initiative Musicale Aga Khan (IMAK), ce trio vaut des critiques élogieuses pour ses concerts en Europe et, plus récemment, aux Etats-Unis, où ces trois musiciens ont aussi collaboré avec le Kronos Quartet ainsi qu'avec Jay Hoggard, maestro de la vibraphone de jazz moderne ...
La maîtrise de l'art oratoire est pour tout griot, musicien ou non, aussi importante (sinon plus) que le chant ou la pratique d'un instrument (cela explique le nombre croissant de griots diplomates, politiciens ou universitaires. Ils jouent aussi un rôle appréciable dans le théâtre et le cinéma. Tous empruntent beaucoup aux traditions orales et musicales griotiques). Au fond, chaque nom de famille (jamu en bambara) renvoie à une histoire et à une légende singulières : les Kouyaté se tiennent eux-mêmes pour les seuls jeli authentiques, puisque descendants du légendaire Bala Fasaké Kouyaté, griot de son état de l'empereur Soundiata Keïta. Pour eux, tous les autres ne sont pas de vrais jeli mais "font les griots", comme on adopte un métier plutôt qu'un autre ... Les Diabaté et les Kouyatés sont considérés comme les meilleurs chanteurs ; les Kouyaté (ou Koïté ou Koïta) sont aussi réputés comme de grands balafonistes, mais on en connaît qui sont d'excellents luthistes, alors que les Diabaté sont plutôt des virtuoses de la kora, de même que les Sissoko, Diawara et Kamissoko. Quant aux Dramé et aux Konaté, ils sont célèbres comme de redoutables prercussionnistes : les maîtres du djembé, tambour en gobelet des griots (qui ne leur appartient d'ailleurs plus vraiment, car depuis longtemps devenu l'instrument africain le plus joué dans le monde entier). D'ailleurs, ce ne sont pas que les griots qui sont à l'origine de ce rangement, il faut plutôt – tout un peu – relativiser la suprematie des griots en tant qu'instrumentistes, et musiciens en général. La société mandingue est divisée en deux groupes principaux : d'un côté les horon (hommes libres), de l'autre côté les nyamakala (artisans) dont les jeli font partie au même titre que d'autres "groupes sociales", entre autres les numu (forgerons). Juste à ces derniers appartiennent aussi de fameux instrumentistes, notamment ceux qui portent les jamu de Camara, Doumbia, Kanté ou aussi Konté. Cela s'explique probablement par le fait que l'habileté du forgeron est indispensable pour la fabrication des instruments.
Est-ce à dire que la tradition griotique se dilue dans la modernité musicale, aussi au regard de la mer des griots, demi- et non-griots par les temps qui courent ?! Bien au contraire : parmi les chanteurs et instrumentistes au pays mandingue (hormis Salif Keïta), aujourd'hui encore aucun non-griot ne peut vraiment s'approprier les techniques et le potentiel émotionnel qui sont la marque du griotisme (jeliya en bambara). Pour en être convaincu, il suffit d'écouter le chant de Kassé Mady Diabaté, de Tata Bambo Kouyaté ou de Ami Koïta, le ngoni de Bassékou Kouyaté ou de Moriba Koïta, la kora de Toumani Diabaté ou de Ballaké Sissoko, la guitare de Djelimady Tounkara ...
Dans sa passionnante autobiographie Jeliya : Etre griot et musicien aujourd'hui*, le joueur de djembé (jenbefòla ou jenbefòlila en bambara) Adama Dramé se déclare : "Jamais le serpent ne s'enroule sans commencer par la tête.(p.31) Mon père était Jéli. Je me rappelle, dans les premières cartes d'identité que j'ai eues, c'était marqué "griot".(p.35) On n'a jamais vu un Jéli chanter parce qu'il a une belle voix. Il chante pour des occasions, il ne chante pas dans le vide. Un jembéfola, c'est pareil, personne n'en a jamais vu jouer dans la rue comme ça. On a une fonction précise."(p.202) Une telle "fonction précise" s'exprime par une forme d'improvisation très particulière, bien à comparer avec le jazz ou le rap. Encore une fois Adama Dramé : "Quand le Jéli parle, chante ou joue, même quand il s'agit de l'épopée mandingue, il faut que ça soit vraiment son histoire à lui. Chaque Jéli racontera la même histoire mais ça ne sera jamais pareil."(p.203) Les mots du freejazzeur américain à l'époque, Archie Shepp, s'y apparentent absolument : "Je m'en fous totalement de jouer bien ou mal, mon seul problème est de raconter mon histoire, notre histoire et une autre histoire." Même un griot ne saurait mieux résumer l'art musical du jeliya ...
Toutefois, il reste bien des débats sur la tradition parmi les (jeunes) musiciens au Mali : suffit-il de préserver tout bonnement la tradition, ou les musiciens sont-ils censés chercher à avancer ? Et si oui, cet avancement doit-il paraître comment ? Y a-t-il eu trop d'emphase sur le même répertoire de base, délaissant trop de bonnes chansons ? Et les musiciens pourraient-ils tomber sous l'emprise d'une virtuosité creuse et suffisante mais en défaveur de la mélodie et de la musicalité en général ?
Le Trio Da Kali y répond à sa propre façon : le leader du trio ne joue ni de la kora ni du ngoni ou de la guitare mais est plutôt maître du balafon : Fodé Lassana Diabaté est né en Guinée dans une grande famille de griots mais suit sa carrière surtout au Mali. Il accompagne Ami Koïta, Toumani Diabaté, Salif Keïta, Babani Koné, Tiken Jah Fakoly et Bassékou Kouyaté. De plus, ce balafoniste très demandé collabore avec Taj Mahal et participe au projet AfroCubism. Un maître hors pair, qui sait mettre en évidence la beauté et les subtilités des mélodies, un artiste engagé et spontané, à un langage expressif et une technique impeccable, en résumé tout simplement un plaisir au suprême degré à le voir jouer de son instrument (je l'ai vécu en concert de Toumani Diabaté & son Symmetric Orchestra à Francfort-sur-le-Main). Le deuxième, Mamadou Kouyaté n’est nul autre que le fils aîné de Bassékou Kouyaté, roi du ngoni, cet unique instrument à cordes pincées d'Afrique de l'Ouest, qui, à l’instar de la kora de Toumani Diabaté, se fait entendre aujourd’hui sur les scènes du monde entier. Aussi membre du groupe NgoniBa de son père, Mamadou Kouyaté, en brillant héritier, sait les faire sonner comme il se doit. Les lignes de son ngoni basse, seul instrument à accompagner le balafon de Fodé Lassana, sont fortes, claires et toujours dans la tradition de son père, appuyant la musique et offrant l'espace pour le balafoniste à exceller dans son jeu dont le lyrisme et la virtuosité ne sont guère à égaler. Le troisième de la bande, c'est une jeune femme : Hawa Kassé Mady Diabaté dont la voix intense ne vient pas de nulle part ; elle est la fille de Kassé Mady Diabaté, légendaire chanteur griot, bouleversant d’émotion, qui n’a pas son pareil pour transmettre la grande épopée mandingue depuis des décennies. Lucy Durán l'adoube pour "undoubtedly Mali's finest female voice today, revered at home for her knowledge of repertoire and for her powerful, clear and expressive voice." Le répertoire du trio comprend des morceaux éblouissants qui les ont accompagnés dès leur enfance : hormis Sunjata, la! chanson de louanges au premier roi de l'Empire du Mali au 13e siècle, le trio vise à présenter des morceaux originaux et moins connus pour, à terme, célébrer la musique la plus belle, la plus subtile et la plus sublime du continent africain. Ce faisant, les trois musiciens donnent un nouveau souffle - frais, contemporain et créatif - à leur art musical, à cette musique ancienne ... Après un concert du trio aux Etats-Unis, un auditeur le dit en ces termes : "I feel like my heart is three times bigger than it was when I walked in."
La chanteuse Hawa Kassé Mady Diabaté et ses deux alliés, le balafoniste Fodé Lassana Diabaté et le luthiste Mamadou Kouyaté appartiennent à une nouvelle génération, largement autodidacte, très instruite et ouverte aux musiques du monde entier, disposée à prendre la relève, par conviction et par passion : cela laisse deviner encore des jours pleins de promesses à l'héritage du jeliya ...
VIVE LE MALI !!!
Hery
*Adama Dramé/Arlette Senn-Borloz (1992). Jeliya : Être griot et musicien aujourd'hui. Paris : Ed. L'Harmattan, 366 pages. (très recommandable !!!)
YouTubes :
1) Le Trio Da Kali et le Kronos Quartet interprètent Jarabi ("Passion") :
http://www.youtube.com/watch?v=qeD7GGLFXoM
2) Toumani Diabaté et le Trio Da Kali live au Théâtre de la Ville, Paris :
http://www.youtube.com/watch?v=EP8dwZMa5fU
"Trio Da Kali", un pourvu des talents de papa et de maman
Les mélomanes de la musique africaine ont bien conscience de la place suréminente de l'art musical des griots et griottes (jeli et jelimuso en bambara) du Mali dans le panthéon musical du continent africain ; même en laissant de côté tous les divers styles du "blues de désert" maliens et les riches traditions pentatoniques (p.ex. les styles wassoulou et sonraï, etc. etc.) de ce pays, la liste des vedettes (griotiques) maliennes reste pourtant formidable : Toumani Diabaté (kora) et son fils aîné et future star Sidiki Diabaté jr. (kora), Bassékou Kouyaté (ngoni), Baba Sissoko (ngoni, tamani), Séga Sidibé (djembé), Moriba Koïta (ngoni), Yacouba Sissoko (kora), Djelimady Tounkara (guitare) & son Super Rail Band, Andra Kouyaté (ngoni), Kassé Mady Diabaté (chant), Mama Sissoko (guitare) & le Super Biton de Ségou, Ballaké Sissoko (kora), Cheick Hamala Diabaté (ngoni), Pédro Kouyaté (guitare, kamalengoni), Zani Diabaté (guitare) & son Super Djata Band, Aïssata Doumbia aka Kokanko Sata (kamalengoni), Abdoulaye Diabaté (chant), Habib Koité (guitare, donsongoni), en outre les inoubliés qui ont tous laissé leurs empreintes dans la musique malienne dont le père de Toumani, Sidiki Diabaté sen. (kora), Bazoumana Sissoko (ngoni), Batourou Sekou Kouyaté (kora), Kèlètigi Diabaté (balafon, violon) et Djéli Fodé Kouyaté (kora), sans sauter une foule de divas griottes (Tata Bambo Kouyaté, Mouhountafé Sacko, Ami Koïta, Mah Damba, Siramori Diabaté, Bako Dagnon, Kandia Kouyaté, Babani Koné, Naïni Diabaté, Mah Kouyaté no.1, Mah Kouyaté no.2, Fanta Damba, Fanta Sacko, Diaou Kouyaté, Aminata Sacko, épouse de Bassékou ...) ; même Salif Keïta, pas du tout un griot lui-même, puise son inspiration surtout des traditions musicales mandingues ... Et depuis peu, on peut ajouter un nouveau nom à cette liste: le Trio Da Kali (en bambara, da kali veut dire "prêter serment", donc ici, c'est vraiment un engagement, à savoir un serment à rester fidèle à l'art du griot). Produit par la connaisseuse par excellence de la musique mandingue, Lucy Durán (SOAS, Londres), et soutenu par l'Initiative Musicale Aga Khan (IMAK), ce trio vaut des critiques élogieuses pour ses concerts en Europe et, plus récemment, aux Etats-Unis, où ces trois musiciens ont aussi collaboré avec le Kronos Quartet ainsi qu'avec Jay Hoggard, maestro de la vibraphone de jazz moderne ...
La maîtrise de l'art oratoire est pour tout griot, musicien ou non, aussi importante (sinon plus) que le chant ou la pratique d'un instrument (cela explique le nombre croissant de griots diplomates, politiciens ou universitaires. Ils jouent aussi un rôle appréciable dans le théâtre et le cinéma. Tous empruntent beaucoup aux traditions orales et musicales griotiques). Au fond, chaque nom de famille (jamu en bambara) renvoie à une histoire et à une légende singulières : les Kouyaté se tiennent eux-mêmes pour les seuls jeli authentiques, puisque descendants du légendaire Bala Fasaké Kouyaté, griot de son état de l'empereur Soundiata Keïta. Pour eux, tous les autres ne sont pas de vrais jeli mais "font les griots", comme on adopte un métier plutôt qu'un autre ... Les Diabaté et les Kouyatés sont considérés comme les meilleurs chanteurs ; les Kouyaté (ou Koïté ou Koïta) sont aussi réputés comme de grands balafonistes, mais on en connaît qui sont d'excellents luthistes, alors que les Diabaté sont plutôt des virtuoses de la kora, de même que les Sissoko, Diawara et Kamissoko. Quant aux Dramé et aux Konaté, ils sont célèbres comme de redoutables prercussionnistes : les maîtres du djembé, tambour en gobelet des griots (qui ne leur appartient d'ailleurs plus vraiment, car depuis longtemps devenu l'instrument africain le plus joué dans le monde entier). D'ailleurs, ce ne sont pas que les griots qui sont à l'origine de ce rangement, il faut plutôt – tout un peu – relativiser la suprematie des griots en tant qu'instrumentistes, et musiciens en général. La société mandingue est divisée en deux groupes principaux : d'un côté les horon (hommes libres), de l'autre côté les nyamakala (artisans) dont les jeli font partie au même titre que d'autres "groupes sociales", entre autres les numu (forgerons). Juste à ces derniers appartiennent aussi de fameux instrumentistes, notamment ceux qui portent les jamu de Camara, Doumbia, Kanté ou aussi Konté. Cela s'explique probablement par le fait que l'habileté du forgeron est indispensable pour la fabrication des instruments.
Est-ce à dire que la tradition griotique se dilue dans la modernité musicale, aussi au regard de la mer des griots, demi- et non-griots par les temps qui courent ?! Bien au contraire : parmi les chanteurs et instrumentistes au pays mandingue (hormis Salif Keïta), aujourd'hui encore aucun non-griot ne peut vraiment s'approprier les techniques et le potentiel émotionnel qui sont la marque du griotisme (jeliya en bambara). Pour en être convaincu, il suffit d'écouter le chant de Kassé Mady Diabaté, de Tata Bambo Kouyaté ou de Ami Koïta, le ngoni de Bassékou Kouyaté ou de Moriba Koïta, la kora de Toumani Diabaté ou de Ballaké Sissoko, la guitare de Djelimady Tounkara ...
Dans sa passionnante autobiographie Jeliya : Etre griot et musicien aujourd'hui*, le joueur de djembé (jenbefòla ou jenbefòlila en bambara) Adama Dramé se déclare : "Jamais le serpent ne s'enroule sans commencer par la tête.(p.31) Mon père était Jéli. Je me rappelle, dans les premières cartes d'identité que j'ai eues, c'était marqué "griot".(p.35) On n'a jamais vu un Jéli chanter parce qu'il a une belle voix. Il chante pour des occasions, il ne chante pas dans le vide. Un jembéfola, c'est pareil, personne n'en a jamais vu jouer dans la rue comme ça. On a une fonction précise."(p.202) Une telle "fonction précise" s'exprime par une forme d'improvisation très particulière, bien à comparer avec le jazz ou le rap. Encore une fois Adama Dramé : "Quand le Jéli parle, chante ou joue, même quand il s'agit de l'épopée mandingue, il faut que ça soit vraiment son histoire à lui. Chaque Jéli racontera la même histoire mais ça ne sera jamais pareil."(p.203) Les mots du freejazzeur américain à l'époque, Archie Shepp, s'y apparentent absolument : "Je m'en fous totalement de jouer bien ou mal, mon seul problème est de raconter mon histoire, notre histoire et une autre histoire." Même un griot ne saurait mieux résumer l'art musical du jeliya ...
Toutefois, il reste bien des débats sur la tradition parmi les (jeunes) musiciens au Mali : suffit-il de préserver tout bonnement la tradition, ou les musiciens sont-ils censés chercher à avancer ? Et si oui, cet avancement doit-il paraître comment ? Y a-t-il eu trop d'emphase sur le même répertoire de base, délaissant trop de bonnes chansons ? Et les musiciens pourraient-ils tomber sous l'emprise d'une virtuosité creuse et suffisante mais en défaveur de la mélodie et de la musicalité en général ?
Le Trio Da Kali y répond à sa propre façon : le leader du trio ne joue ni de la kora ni du ngoni ou de la guitare mais est plutôt maître du balafon : Fodé Lassana Diabaté est né en Guinée dans une grande famille de griots mais suit sa carrière surtout au Mali. Il accompagne Ami Koïta, Toumani Diabaté, Salif Keïta, Babani Koné, Tiken Jah Fakoly et Bassékou Kouyaté. De plus, ce balafoniste très demandé collabore avec Taj Mahal et participe au projet AfroCubism. Un maître hors pair, qui sait mettre en évidence la beauté et les subtilités des mélodies, un artiste engagé et spontané, à un langage expressif et une technique impeccable, en résumé tout simplement un plaisir au suprême degré à le voir jouer de son instrument (je l'ai vécu en concert de Toumani Diabaté & son Symmetric Orchestra à Francfort-sur-le-Main). Le deuxième, Mamadou Kouyaté n’est nul autre que le fils aîné de Bassékou Kouyaté, roi du ngoni, cet unique instrument à cordes pincées d'Afrique de l'Ouest, qui, à l’instar de la kora de Toumani Diabaté, se fait entendre aujourd’hui sur les scènes du monde entier. Aussi membre du groupe NgoniBa de son père, Mamadou Kouyaté, en brillant héritier, sait les faire sonner comme il se doit. Les lignes de son ngoni basse, seul instrument à accompagner le balafon de Fodé Lassana, sont fortes, claires et toujours dans la tradition de son père, appuyant la musique et offrant l'espace pour le balafoniste à exceller dans son jeu dont le lyrisme et la virtuosité ne sont guère à égaler. Le troisième de la bande, c'est une jeune femme : Hawa Kassé Mady Diabaté dont la voix intense ne vient pas de nulle part ; elle est la fille de Kassé Mady Diabaté, légendaire chanteur griot, bouleversant d’émotion, qui n’a pas son pareil pour transmettre la grande épopée mandingue depuis des décennies. Lucy Durán l'adoube pour "undoubtedly Mali's finest female voice today, revered at home for her knowledge of repertoire and for her powerful, clear and expressive voice." Le répertoire du trio comprend des morceaux éblouissants qui les ont accompagnés dès leur enfance : hormis Sunjata, la! chanson de louanges au premier roi de l'Empire du Mali au 13e siècle, le trio vise à présenter des morceaux originaux et moins connus pour, à terme, célébrer la musique la plus belle, la plus subtile et la plus sublime du continent africain. Ce faisant, les trois musiciens donnent un nouveau souffle - frais, contemporain et créatif - à leur art musical, à cette musique ancienne ... Après un concert du trio aux Etats-Unis, un auditeur le dit en ces termes : "I feel like my heart is three times bigger than it was when I walked in."
La chanteuse Hawa Kassé Mady Diabaté et ses deux alliés, le balafoniste Fodé Lassana Diabaté et le luthiste Mamadou Kouyaté appartiennent à une nouvelle génération, largement autodidacte, très instruite et ouverte aux musiques du monde entier, disposée à prendre la relève, par conviction et par passion : cela laisse deviner encore des jours pleins de promesses à l'héritage du jeliya ...
VIVE LE MALI !!!
Hery
*Adama Dramé/Arlette Senn-Borloz (1992). Jeliya : Être griot et musicien aujourd'hui. Paris : Ed. L'Harmattan, 366 pages. (très recommandable !!!)
YouTubes :
1) Le Trio Da Kali et le Kronos Quartet interprètent Jarabi ("Passion") :
http://www.youtube.com/watch?v=qeD7GGLFXoM
2) Toumani Diabaté et le Trio Da Kali live au Théâtre de la Ville, Paris :
http://www.youtube.com/watch?v=EP8dwZMa5fU
Au service d’une musique inventive et engagée : Charlie Haden
L'Américain Charlie Haden, figure majeure du jazz moderne, est décédé le 12 juillet des suites d'une longue maladie. A l'âge de 76. Le contrebassiste avait collaboré avec les plus grands du jazz depuis plus d'un demi-siècle, de John Coltrane à Ornette Coleman et Keith Jarrett, en passant par Chet Baker, Paul Bley, Archie Shepp, Gato Barbieri, Dewey Redman, Egberto Gismonti, Don Cherry, le Cubain Gonzalo Rubalcaba, Jim Hall, Herbie Hancock et bien d'autres. Il venait de sortir un disque au titre tristement prémonitoire, "Last Dance", avec son éternel complice, le pianiste Keith Jarrett. Ce contrebassiste, compositeur et bandleader américain a marqué plus de cinq décennies d'histoire musicale. Quelle perte !
Charlie Haden est né en 1937 à Shenandoah, dans l'Etat de l'Iowa, élevé dans une famille de musiciens. Il passe son enfance à chanter, notamment des thèmes de musique country, au sein du Haden Family Band. Mais bientôt, il s'oriente vers le jazz et la contrebasse : après ses premiers pas, en 1957, aux côtés des pianistes Paul Bley et Hampton Hawes ou des saxophonistes Art Pepper et Dexter Gordon, il commence sa vraie carrière dans le double quartette du pionnier du "free jazz" Ornette Coleman (avec Don Cherry, Freddie Hubbard, Eric Dolphy, Scott LaFaro, Ed Blackwell et Billy Higgins) à la fin des années 50. C'est surtout avec Coleman qu'il participe à la révolution du "free jazz" en débarrassant le jazz des contraites rythmiques et harmoniques : leur album manifeste intitulé "Free Jazz : A Collective Improvisation" fait époque et donne le nom à ce mouvement radical et libertaire. Il joue avec la veuve de John Coltrane, Alice. On le retrouve aussi dans le disque culte intitulé "Escalator over the Hill", une sorte d'opéra free-jazz et expérimentel (avec une trentaine de musiciens dont Carla Bley, Jack Bruce, Leroy Jenkins, Howard Johnson, Jimmy Lyons, Jeanne Lee, John McLaughlin, Don Preston, Enrico Rava, Linda Ronstadt, Roswell Rudd etc. etc.). Le trio avec Keith Jarrett et le batteur Paul Motian qu'il complète, brille entre 1968 et 1976, tout comme celui qu'il forme dans les années 80 avec le Brésilien Egberto Gismonti et Jan Garbarek, le saxophoniste norvégien. Ses duos avec Ornette Coleman, Archie Shepp, Don Cherry, Pat Metheny etc. font briller ses talents de mélodiste, sa capacité à développer un son ample. L'une des collaborations marquantes de la dernière partie de la carrière de Haden est celle avec le guitariste Pat Metheny. Leur magnifique album en duo, "Beyond the Missouri Sky" en atteste : une unique célébration de leurs racines communes du Middle West américain. A partir des années mi-80, il mène un groupe appelé Quartet West pendant plus de 20 ans. A ce projet, Haden se consacre aux thèmes des années 30 et 40 puisés dans la chanson populaire ou le cinéma noir. En 2008, le contrebassiste revient à ses racines musicales en publiant l'album "Rambling Boy", superbe hommage à la musique country, enregistré avec les membres de sa famille. Il renoue aussi avec Ornette Coleman le temps de quelques concerts, et enregistre avec les pianistes Hank Jones et Kenny Baron : l'album en duo avec Hank Jones est un de ses albums les plus marquants de cette période. Cet homme empreint de spiritualité et de militantisme, qui sort la contrebasse de son rôle d'accompagnement, laisse une empreinte de géant. Trois décennies s'écoulent avant que Charlie Haden et Keith Jarrett se retrouvent pour interpréter des splendides ballades et standards de jazz, immortalisés sur deux albums : "Jasmine" (2010) et "Last Dance" (2014).
Charlie Haden est aussi un musicien engagé contre la guerre (notamment au Vietnam), la colonisation, l'impérialisme et pour les droits civiques : à la fin des années 60, il crée en compagnie avec la pianiste Carla Bley un collectif free, le Liberation Music Orchestra (LMO), très expérimenté et symbole de son engagement politique fort à cette époque, qui reprend dans son premier disque des chants militants de la Guerre civile espagnole (avec, en outre, la magnifique et inoubliable ballade dédiée à Ché Guevara, "Song for Ché"). Il dénonce l'oppression des dictatures d'Amérique latine soutenues par le gouvernement américain et l'apartheid sud-africain avec véhémence. Lors d'un concert à Lisbonne en 1971, il dédie un morceau aux mouvements de libération du Mozambique et de l'Angola et est arrêté par la police portugaise. Avec le dernier album du LMO, "Not in Our Name" (2005), il s'élève contre George W. Bush et la guerre en Irak. Un orchestre qui dépasse ce qu'est communément un orchestre, plutôt un programme : une musique conçue comme étant un "fanal de la liberté", autrement dit, une musique qui allie la libre tonalité du "free jazz" avec la libération (souhaitée) des peuples ...
Cet homme de gauche et un des plus grands et novateurs contrebassistes dans l'histoire du jazz – à un drive irrésistible, un goût du jeu ensemble, et un feeling parfait du tempo et du rythme – est souvent associé au "free jazz", et au "free jazz" seulement à cause de sa longue et fructueuse collaboration avec Ornette Coleman mais cet avant-gardiste en est beaucoup plus : un amoureux des splendides mélodies et un fin connaisseur des musiques traditionnelles américaines. Il ne cesse jamais de voir des parentés entre le jazz et sa musique country : "When you think about the art form, jazz, coming from this country and you think about the Underground Railroad and all the music that came from that struggle, and then you think about all the music coming over from Scotland and Ireland and England into the Appalachian and Ozark Mountains where I was born and raised, you know, it's all one really. We can only have been born here in this country."
Charlie Haden joue tout, ne manque aucun train, toujours d'être musicien avant d'être contrebassiste, un instrumentiste qui impose une propre langue et donne à son instrument un rôle majeur. Sa musique est un engagement total, il cultive sa liberté, sur scène et en dehors, jusqu'au bout ...
Voici une LISTE DES ALBUMS à ne pas rater de/avec Charlie Haden :
Ornette Coleman Quartet (1959). The Shape of Jazz to Come. Atlantic.
Ornette Coleman Quartet (1960). Change of the Century. Atlantic.
Ornette Coleman Quartet (1961). This is Our Music. Atlantic.
Ornette Coleman Double Quartet (1961). Free Jazz : A Collective Improvisation. Atlantic.
Archie Shepp (1966). Mama Too Tight. Impulse.
Ornette Coleman Quartet (1968). Ornette at 12. Impulse.
Ornette Coleman (1970). The Art of the Improvisers. Atlantic.
Ornette Coleman Quartet (1970). Friends and Neighbours : Live at Prince Street. Flying Dutchman.
Charlie Haden (1971). Liberation Music Orchestra. Impulse.
Carla Bley & The Jazz Composer's Orchestra (1971). Escalator over the Hill. WATT.
John McLaughlin (1971). My Goal's Beyond. Douglas.
Ornette Coleman (1972). Science Fiction. CBS.
Don Cherry (1973). Relativity Suite. JCOA.
Charlie Haden (1976). Closeness. A&M/Horizon.
Charlie Haden (1976). The Golden Number. A&M/Horizon.
Charlie Haden/Ornette Coleman Duo (1978). Soapsuds, Soapsuds. Artists House.
Charlie Haden/Jan Garbarek/Egberto Gismonti Trio (1979). Magico. ECM.
Charlie Haden/Jan Garbarek/Egberto Gismonti Trio (1979). Folk Songs. ECM.
Mingus Dynasty (1979). Chair in the Sky. Elektra.
Don Cherry/Dewey Redman/Charlie Haden/Ed Blackwell (1979). Old and New Dreams. ECM.
Charlie Haden Quartet West (1986). Quartet West. Verve.
Charlie Haden Quartet West (1988). In Angel City. Verve.
Abbey Lincoln (1990). The World is Falling Down. Verve.
Charlie Haden Quartet West (1991). Haunted Heart. Verve.
Charlie Haden/Hank Jones Duo (1994). Steal Away: Spirituals, Hymns, and Folk Songs. Verve.
Charlie Haden/Kenny Barron Duo (1996). Night And the City. Verve.
Charlie Haden/Pat Metheny Duo (1996). Beyond the Missouri Sky. Verve.
Charlie Haden/Lee Konitz/Brad Mehldau (1997). Alone Together. Verve.
Art Pepper (2000). So in Love. Apo.
Charlie Haden/Gonzal Rubalcaba (2001). Nocturne. Verve.
Charlie Haden & The Liberation Music Orchestra. (2005). Not in Our Name. Verve.
Charlie Haden Family And Friends (2008). Rambling Boy. EmArcy.
Charlie Haden/Keith Jarrett Duo (2010). Jasmine. ECM.
Charlie Haden/Keith Jarrett Duo (2014). Last Dance. ECM.
Charlie Haden/Jim Hall Duo (2014). Charlie Haden/Jim Hall. Impulse. (en sept.'14)
Hery
L'Américain Charlie Haden, figure majeure du jazz moderne, est décédé le 12 juillet des suites d'une longue maladie. A l'âge de 76. Le contrebassiste avait collaboré avec les plus grands du jazz depuis plus d'un demi-siècle, de John Coltrane à Ornette Coleman et Keith Jarrett, en passant par Chet Baker, Paul Bley, Archie Shepp, Gato Barbieri, Dewey Redman, Egberto Gismonti, Don Cherry, le Cubain Gonzalo Rubalcaba, Jim Hall, Herbie Hancock et bien d'autres. Il venait de sortir un disque au titre tristement prémonitoire, "Last Dance", avec son éternel complice, le pianiste Keith Jarrett. Ce contrebassiste, compositeur et bandleader américain a marqué plus de cinq décennies d'histoire musicale. Quelle perte !
Charlie Haden est né en 1937 à Shenandoah, dans l'Etat de l'Iowa, élevé dans une famille de musiciens. Il passe son enfance à chanter, notamment des thèmes de musique country, au sein du Haden Family Band. Mais bientôt, il s'oriente vers le jazz et la contrebasse : après ses premiers pas, en 1957, aux côtés des pianistes Paul Bley et Hampton Hawes ou des saxophonistes Art Pepper et Dexter Gordon, il commence sa vraie carrière dans le double quartette du pionnier du "free jazz" Ornette Coleman (avec Don Cherry, Freddie Hubbard, Eric Dolphy, Scott LaFaro, Ed Blackwell et Billy Higgins) à la fin des années 50. C'est surtout avec Coleman qu'il participe à la révolution du "free jazz" en débarrassant le jazz des contraites rythmiques et harmoniques : leur album manifeste intitulé "Free Jazz : A Collective Improvisation" fait époque et donne le nom à ce mouvement radical et libertaire. Il joue avec la veuve de John Coltrane, Alice. On le retrouve aussi dans le disque culte intitulé "Escalator over the Hill", une sorte d'opéra free-jazz et expérimentel (avec une trentaine de musiciens dont Carla Bley, Jack Bruce, Leroy Jenkins, Howard Johnson, Jimmy Lyons, Jeanne Lee, John McLaughlin, Don Preston, Enrico Rava, Linda Ronstadt, Roswell Rudd etc. etc.). Le trio avec Keith Jarrett et le batteur Paul Motian qu'il complète, brille entre 1968 et 1976, tout comme celui qu'il forme dans les années 80 avec le Brésilien Egberto Gismonti et Jan Garbarek, le saxophoniste norvégien. Ses duos avec Ornette Coleman, Archie Shepp, Don Cherry, Pat Metheny etc. font briller ses talents de mélodiste, sa capacité à développer un son ample. L'une des collaborations marquantes de la dernière partie de la carrière de Haden est celle avec le guitariste Pat Metheny. Leur magnifique album en duo, "Beyond the Missouri Sky" en atteste : une unique célébration de leurs racines communes du Middle West américain. A partir des années mi-80, il mène un groupe appelé Quartet West pendant plus de 20 ans. A ce projet, Haden se consacre aux thèmes des années 30 et 40 puisés dans la chanson populaire ou le cinéma noir. En 2008, le contrebassiste revient à ses racines musicales en publiant l'album "Rambling Boy", superbe hommage à la musique country, enregistré avec les membres de sa famille. Il renoue aussi avec Ornette Coleman le temps de quelques concerts, et enregistre avec les pianistes Hank Jones et Kenny Baron : l'album en duo avec Hank Jones est un de ses albums les plus marquants de cette période. Cet homme empreint de spiritualité et de militantisme, qui sort la contrebasse de son rôle d'accompagnement, laisse une empreinte de géant. Trois décennies s'écoulent avant que Charlie Haden et Keith Jarrett se retrouvent pour interpréter des splendides ballades et standards de jazz, immortalisés sur deux albums : "Jasmine" (2010) et "Last Dance" (2014).
Charlie Haden est aussi un musicien engagé contre la guerre (notamment au Vietnam), la colonisation, l'impérialisme et pour les droits civiques : à la fin des années 60, il crée en compagnie avec la pianiste Carla Bley un collectif free, le Liberation Music Orchestra (LMO), très expérimenté et symbole de son engagement politique fort à cette époque, qui reprend dans son premier disque des chants militants de la Guerre civile espagnole (avec, en outre, la magnifique et inoubliable ballade dédiée à Ché Guevara, "Song for Ché"). Il dénonce l'oppression des dictatures d'Amérique latine soutenues par le gouvernement américain et l'apartheid sud-africain avec véhémence. Lors d'un concert à Lisbonne en 1971, il dédie un morceau aux mouvements de libération du Mozambique et de l'Angola et est arrêté par la police portugaise. Avec le dernier album du LMO, "Not in Our Name" (2005), il s'élève contre George W. Bush et la guerre en Irak. Un orchestre qui dépasse ce qu'est communément un orchestre, plutôt un programme : une musique conçue comme étant un "fanal de la liberté", autrement dit, une musique qui allie la libre tonalité du "free jazz" avec la libération (souhaitée) des peuples ...
Cet homme de gauche et un des plus grands et novateurs contrebassistes dans l'histoire du jazz – à un drive irrésistible, un goût du jeu ensemble, et un feeling parfait du tempo et du rythme – est souvent associé au "free jazz", et au "free jazz" seulement à cause de sa longue et fructueuse collaboration avec Ornette Coleman mais cet avant-gardiste en est beaucoup plus : un amoureux des splendides mélodies et un fin connaisseur des musiques traditionnelles américaines. Il ne cesse jamais de voir des parentés entre le jazz et sa musique country : "When you think about the art form, jazz, coming from this country and you think about the Underground Railroad and all the music that came from that struggle, and then you think about all the music coming over from Scotland and Ireland and England into the Appalachian and Ozark Mountains where I was born and raised, you know, it's all one really. We can only have been born here in this country."
Charlie Haden joue tout, ne manque aucun train, toujours d'être musicien avant d'être contrebassiste, un instrumentiste qui impose une propre langue et donne à son instrument un rôle majeur. Sa musique est un engagement total, il cultive sa liberté, sur scène et en dehors, jusqu'au bout ...
Voici une LISTE DES ALBUMS à ne pas rater de/avec Charlie Haden :
Ornette Coleman Quartet (1959). The Shape of Jazz to Come. Atlantic.
Ornette Coleman Quartet (1960). Change of the Century. Atlantic.
Ornette Coleman Quartet (1961). This is Our Music. Atlantic.
Ornette Coleman Double Quartet (1961). Free Jazz : A Collective Improvisation. Atlantic.
Archie Shepp (1966). Mama Too Tight. Impulse.
Ornette Coleman Quartet (1968). Ornette at 12. Impulse.
Ornette Coleman (1970). The Art of the Improvisers. Atlantic.
Ornette Coleman Quartet (1970). Friends and Neighbours : Live at Prince Street. Flying Dutchman.
Charlie Haden (1971). Liberation Music Orchestra. Impulse.
Carla Bley & The Jazz Composer's Orchestra (1971). Escalator over the Hill. WATT.
John McLaughlin (1971). My Goal's Beyond. Douglas.
Ornette Coleman (1972). Science Fiction. CBS.
Don Cherry (1973). Relativity Suite. JCOA.
Charlie Haden (1976). Closeness. A&M/Horizon.
Charlie Haden (1976). The Golden Number. A&M/Horizon.
Charlie Haden/Ornette Coleman Duo (1978). Soapsuds, Soapsuds. Artists House.
Charlie Haden/Jan Garbarek/Egberto Gismonti Trio (1979). Magico. ECM.
Charlie Haden/Jan Garbarek/Egberto Gismonti Trio (1979). Folk Songs. ECM.
Mingus Dynasty (1979). Chair in the Sky. Elektra.
Don Cherry/Dewey Redman/Charlie Haden/Ed Blackwell (1979). Old and New Dreams. ECM.
Charlie Haden Quartet West (1986). Quartet West. Verve.
Charlie Haden Quartet West (1988). In Angel City. Verve.
Abbey Lincoln (1990). The World is Falling Down. Verve.
Charlie Haden Quartet West (1991). Haunted Heart. Verve.
Charlie Haden/Hank Jones Duo (1994). Steal Away: Spirituals, Hymns, and Folk Songs. Verve.
Charlie Haden/Kenny Barron Duo (1996). Night And the City. Verve.
Charlie Haden/Pat Metheny Duo (1996). Beyond the Missouri Sky. Verve.
Charlie Haden/Lee Konitz/Brad Mehldau (1997). Alone Together. Verve.
Art Pepper (2000). So in Love. Apo.
Charlie Haden/Gonzal Rubalcaba (2001). Nocturne. Verve.
Charlie Haden & The Liberation Music Orchestra. (2005). Not in Our Name. Verve.
Charlie Haden Family And Friends (2008). Rambling Boy. EmArcy.
Charlie Haden/Keith Jarrett Duo (2010). Jasmine. ECM.
Charlie Haden/Keith Jarrett Duo (2014). Last Dance. ECM.
Charlie Haden/Jim Hall Duo (2014). Charlie Haden/Jim Hall. Impulse. (en sept.'14)
Hery
Hommage au grand maître du balafon mandingue
En pleins désordres politiques de son pays, un membre éminent de la toute première génération de musiciens modernes du Mali et instrumentiste virtuose de la musique mandingue est mort : Kèlètigi Diabaté. Tout de même, et jusqu’à nos jours, il ne gagne ni n’a jamais gagné l’estime qu’il mérite véritablement comme personnage clé dans l’histoire de la musique du Mali et celle de l’Afrique de l’Ouest depuis un demi siècle ...
Kèlètigi* Diabaté est né en 1931 à Kita dans l’ouest du Mali (cette ville passe pour être le berceau des traditions musicales les plus grandes de ce pays). Sa carrière musicale débute à la fin des années 1950, lorsqu’il voyage à travers l’Afrique de l’Ouest pour rechercher des instructeurs et surtout son style musical approprié à son développement. Puis, il est recruté par l’Orchestre National de Guinée, impulsé sous l'autorité du président Sékou Touré. En 1960, de retour au Mali nouvellement indépendant, il est l’un des membres fondateurs et directeur de l’Orchestre National "A" de Bamako (avec Baba Barry, Panca Dembélé, Kasim Sacko, Monkontafé Sacko, Madani Samaké et Papa Ndiaye) en tant que guitariste (voir la photo en bas). Comme en Guinée voisine, le premier Président du Mali indépendant, Modibo Keïta, souhaite, lui aussi, un orchestre national ayant ses racines dans les traditions musicales maliennes pour animer les soirées et autres réceptions officielles avec de la musique malienne et lance donc un appel à Kèlètigi pour constituer et présider un tel. La mission prioritaire est la recherche de la musique authentique de ce jeune État ouest-africain ainsi que la création d’une nouvelle identité et amour-propre postcolonial par la révalorisation resp. réanimation des formes culturelles traditionnelles et raccordement à l’histoire précoloniale. Kèlètigi se rappelle :
"I was put in charge of the Premier Formation du Mali (Orchestre national, Number One) ; it was me who introduced Manding and Bambara songs played on modern instruments. The idea was to make traditional music, but in a modern way. At the time (the early ‘60s), we received delegations from Europe, or other African countries, and at such occasions we’d perform our traditional ceremonies. Each time we received a European delegation, an official reception would be arranged, and those delegates, they couldn’t dance our traditional dances. So we had to find international rhythms and put our traditional sound within that, using a (kit) drum and so on." (dans : Charry 2000: 270**)
Multi-instrumentiste (balafon, guitare, trompette, violon, orgue, flûte, saxophone, ngoni, dunun, jenbe et même un peu de batterie) à l’origine, cet homme-orchestre fait plus tard du balafon (xylophone à grosses calebasses originaire d’Afrique de l’Ouest et, à côté du kora et du ngoni, troisième instrument mélodique des griots) son instrument de prédilection, quoiqu’il soit déjà un virtuose de cet instrument à l’âge de 7. Le rôle de Kèlètigi ressemble à celui de Papa Diabaté en Guinée ayant initié une toute génération de guitaristes électriques : Kélètigi agrandit énormément les techniques du jeu de balafon et est le premier à avoir accordé le balafon aux sonorités occidentales. La création de son balafon double lui permet de jouer des musiques chromatiques comme sur un piano. Si c’est justifié de qualifier le balafon de "piano africain", c’est dû avant toute chose au personnage et à l’art de Kèlètigi Diabaté, le "grand old man of Manding balafon"*** ...
Au milieu des années 1970, Kèlètigi rejoint Les Ambassadeurs, groupe dans lequel jouent aussi Kanté Manfila et Salif Keïta, et se produit avec eux aux Etats-Unis pour une tournée sponsorisée par la Fondation Rockefeller en 1978. C’est à cette occasion qu’il peut croiser la route de sa grande idole, le légendaire vibraphoniste de jazz Lionel Hampton. Cette rencontre lui inspire à adapter une fois pour toutes le langage du jazz, notamment son phrasé et improvisation, dans son jeu instrumental ...
Dans les années 1980 et 1990, il accompagne au balafon d'illustres chanteurs, griots et griottes du monde mandingue dont Salif Keïta, Kandia Kouyaté, Ami Koïta, Tata Bambo Kouyaté, Toumani Diabaté et bien d’autres encore … Et à ne pas oublier ses collaborations avec Djelimady Tounkara, l’Ensemble National du Mali et les diverses formations du Rail Band à Bamako (Super Rail Band, Rail Band de Bamako, Rail Band du Buffet Hôtel de la Gare de Bamako etc.). Puis, à partir de 1993, il se produit au Mali avec le Symmetric Orchestra (avec Toumani Diabaté à la kora et Bassékou Kouyaté au ngoni).
Depuis 1998, il est une des pièces maîtresses du groupe Bamada (au balafon et au violon) du guitariste Habib Koïté qu’il accompagne pendant plusieurs années dans ses tournées, et avec qui il prend part aux enregistrements de plusieurs albums (voir la discographie en bas). En 2000, toujours avec Habib Koïté, il participe au projet "Art Ensemble of Africa", avec le grand Art Ensemble of Chicago.
Bien que très présent dans l’univers musical mandingue, il faut attendre ardemment 2004 pour accueillir son premier et seul opus solo, Sandiya*: la somme de sa vie musicale, une magnifique réalisation à base de pure musique mandingue, pleine d’élégance et de vitalité, teintée de jazz, de blues, de hiphop et de folk. Une collection superbe pour musique jouée surtout en duets mais aussi en trio, en groupe ou en grand ensemble traditionnel : avec Fasséry Diabaté, fils de Kèlètigi qui suit avec tant de respect la voie de son père ("Djandjo", "Fosson", "Mankaira", "Souma" et "Sandiya", tous des duets balafon avec le père, sauf "Fosson" avec Kèlètigi au violon), les filles de Kèlètigi, Ata et Bintou Diabaté (voix ; "Yafa"), le Khassonké Habib Koïté (guitare "Koulandian" ; magnifique duet avec Kèlètigi), l’Ensemble Traditionnel du Mali sous la direction de Massambou Diallo ("Djarabi" et "Soundiata", le grand Prince Mandingue, dont l’épopée est très souvent chantée), Diawore Diarra, le flûtiste ("Sènè), Toumani Diabaté et Djelimady Tounkara, les virtuoses de la kora et de la guitare ("Nanga Mady" et "Kamadia", duets avec Toumani ; "Sontaoula", duet avec Djelimady), la chanteuse Many Diabaté ("Samba Koro", accompagné par Kèlètigi et Fasséry), et, le grand moment de l’album, le groupe de Habib, Bamada, qui accompagne Kèlètigi sur une libre adaptation du standard de jazz, "Summertime", interprété magnifiquement par une touche complète-mandingue ("Summertime à Bamako") ... MUSIC AT ITS VERY VERY BEST !
Le 30 novembre 2012, Kèlètigi Diabaté décède à Bamako. Même au dernier jour, il reste fidèle à ses convictions d’un musicien à fond : le matin, il répète à l’Institut Français, le soir, il ferme ses yeux à jamais. Il venait d’avoir 81 ans ...
Ala ka hinè i la, k’i dayòrò sumaya !
Discographie :
… sous son nom :
– Kèlètigi Diabaté (1996) : Kèlètigui Diabaté. Mission de Coopération Française au Mali. (cass.) – Kèlètigi Diabaté (2004) : Sandiya. Contre Jour.
… en participation dans :
– Les Ambassadeurs (1975) : Kanté Manfila et les Ambassadeurs – Ambassadeur, Mana Mana. Sonafric. (si) – Les Ambassadeurs (1975) : Les Ambassadeurs du Môtel – Super pitié, Bolola sanou. Sonafric. (si) – Les Ambassadeurs (1976) : Les Ambassadeurs du Môtel – Saranfing, Sabar. Sonafric. (si) – Les Ambassadeurs (1976) : Les Ambassadeurs du Môtel – Diandjon, Wara, Kibaru. Sonafric. (lp) – Les Ambassadeurs (1977) : Les Ambassadeurs du Môtel de Bamako. Vol. 1. Sonafric. (lp) – Les Ambassadeurs (1977) : Les Ambassadeurs du Môtel de Bamako. Vol. 2. Sonafric. (lp) – Div. Artistes (1988) : Legendary Bands of Mali. Stern’s Mali Music. – Div. Artistes (2006) : African Pearls 3 – Mali: One Day on Radio Mali. Discograph. – Div. Artistes (2008) : The Rough Guide to the Music of Mali. World Music Network. – Div. Artistes (2009) : Jazz around the World. Putumayo. – Adama Diabaté (1995) : Jako Baye. Stern’s Africa. – Toumani Diabaté & Ketama (1994) : Songhai 2. Hannibal. – Toumani Diabaté (1995) : Djelika. Hannibal. – Jonas (2006) : Bagages. RecRec. – Aly Keïta (2010) : Farafinko. Contre Jour. – Salif Keïta (1991) : Amen. Mango Rec. – Salif Keïta (2010) : La Différence. Emarcy Rec. – Amy Koïta (1986?) : Debe. Disque Espérance. – Amy Koïta (1988) : Tata Sira. Bolibana Rec. – Habib Koïté & Bamada (2001) : Baro. Putumayo. – Habib Koïté & Bamada (2003) : Fôly! Live around the World. Contre Jour. – Habib Koïté & Bamada (2007) : Afriki. Cumbancha/Exil. – Tata Bambo Kouyaté (1985) : Jatigui. Globestyle. – Bonnie Raitt (2002) : Silver Lining. Toshiba. – Boubacar Traoré (1999) : Maciré. Indigo. – Boubacar Traoré (2002) : Je chanterais pour toi. Marabi Prod. – Zap Mama (2007) : Supermoon. Concord.
(cass. = cassette ; lp = longplay/33 tours ; si = single/45 tours)
VIVE LE MALI !!!
Herbert
*en bambara, kèlètigi veut dire "chef de guerre, maître de guerre, celui qui commande à l’armée", sandiya ou sadiya veut dire "plaisanterie". **Charry, Eric (2000): Mande Music. Traditional and Modern Music of the Maninka and Mandinka of Western Africa. Chicago, London : The University of Chicago Press. ***Eyre, Banning (2000): In Griot Time. An American Guitarist in Mali. Philadelphia : Temple University Press, p.125.
En pleins désordres politiques de son pays, un membre éminent de la toute première génération de musiciens modernes du Mali et instrumentiste virtuose de la musique mandingue est mort : Kèlètigi Diabaté. Tout de même, et jusqu’à nos jours, il ne gagne ni n’a jamais gagné l’estime qu’il mérite véritablement comme personnage clé dans l’histoire de la musique du Mali et celle de l’Afrique de l’Ouest depuis un demi siècle ...
Kèlètigi* Diabaté est né en 1931 à Kita dans l’ouest du Mali (cette ville passe pour être le berceau des traditions musicales les plus grandes de ce pays). Sa carrière musicale débute à la fin des années 1950, lorsqu’il voyage à travers l’Afrique de l’Ouest pour rechercher des instructeurs et surtout son style musical approprié à son développement. Puis, il est recruté par l’Orchestre National de Guinée, impulsé sous l'autorité du président Sékou Touré. En 1960, de retour au Mali nouvellement indépendant, il est l’un des membres fondateurs et directeur de l’Orchestre National "A" de Bamako (avec Baba Barry, Panca Dembélé, Kasim Sacko, Monkontafé Sacko, Madani Samaké et Papa Ndiaye) en tant que guitariste (voir la photo en bas). Comme en Guinée voisine, le premier Président du Mali indépendant, Modibo Keïta, souhaite, lui aussi, un orchestre national ayant ses racines dans les traditions musicales maliennes pour animer les soirées et autres réceptions officielles avec de la musique malienne et lance donc un appel à Kèlètigi pour constituer et présider un tel. La mission prioritaire est la recherche de la musique authentique de ce jeune État ouest-africain ainsi que la création d’une nouvelle identité et amour-propre postcolonial par la révalorisation resp. réanimation des formes culturelles traditionnelles et raccordement à l’histoire précoloniale. Kèlètigi se rappelle :
"I was put in charge of the Premier Formation du Mali (Orchestre national, Number One) ; it was me who introduced Manding and Bambara songs played on modern instruments. The idea was to make traditional music, but in a modern way. At the time (the early ‘60s), we received delegations from Europe, or other African countries, and at such occasions we’d perform our traditional ceremonies. Each time we received a European delegation, an official reception would be arranged, and those delegates, they couldn’t dance our traditional dances. So we had to find international rhythms and put our traditional sound within that, using a (kit) drum and so on." (dans : Charry 2000: 270**)
Multi-instrumentiste (balafon, guitare, trompette, violon, orgue, flûte, saxophone, ngoni, dunun, jenbe et même un peu de batterie) à l’origine, cet homme-orchestre fait plus tard du balafon (xylophone à grosses calebasses originaire d’Afrique de l’Ouest et, à côté du kora et du ngoni, troisième instrument mélodique des griots) son instrument de prédilection, quoiqu’il soit déjà un virtuose de cet instrument à l’âge de 7. Le rôle de Kèlètigi ressemble à celui de Papa Diabaté en Guinée ayant initié une toute génération de guitaristes électriques : Kélètigi agrandit énormément les techniques du jeu de balafon et est le premier à avoir accordé le balafon aux sonorités occidentales. La création de son balafon double lui permet de jouer des musiques chromatiques comme sur un piano. Si c’est justifié de qualifier le balafon de "piano africain", c’est dû avant toute chose au personnage et à l’art de Kèlètigi Diabaté, le "grand old man of Manding balafon"*** ...
Au milieu des années 1970, Kèlètigi rejoint Les Ambassadeurs, groupe dans lequel jouent aussi Kanté Manfila et Salif Keïta, et se produit avec eux aux Etats-Unis pour une tournée sponsorisée par la Fondation Rockefeller en 1978. C’est à cette occasion qu’il peut croiser la route de sa grande idole, le légendaire vibraphoniste de jazz Lionel Hampton. Cette rencontre lui inspire à adapter une fois pour toutes le langage du jazz, notamment son phrasé et improvisation, dans son jeu instrumental ...
Dans les années 1980 et 1990, il accompagne au balafon d'illustres chanteurs, griots et griottes du monde mandingue dont Salif Keïta, Kandia Kouyaté, Ami Koïta, Tata Bambo Kouyaté, Toumani Diabaté et bien d’autres encore … Et à ne pas oublier ses collaborations avec Djelimady Tounkara, l’Ensemble National du Mali et les diverses formations du Rail Band à Bamako (Super Rail Band, Rail Band de Bamako, Rail Band du Buffet Hôtel de la Gare de Bamako etc.). Puis, à partir de 1993, il se produit au Mali avec le Symmetric Orchestra (avec Toumani Diabaté à la kora et Bassékou Kouyaté au ngoni).
Depuis 1998, il est une des pièces maîtresses du groupe Bamada (au balafon et au violon) du guitariste Habib Koïté qu’il accompagne pendant plusieurs années dans ses tournées, et avec qui il prend part aux enregistrements de plusieurs albums (voir la discographie en bas). En 2000, toujours avec Habib Koïté, il participe au projet "Art Ensemble of Africa", avec le grand Art Ensemble of Chicago.
Bien que très présent dans l’univers musical mandingue, il faut attendre ardemment 2004 pour accueillir son premier et seul opus solo, Sandiya*: la somme de sa vie musicale, une magnifique réalisation à base de pure musique mandingue, pleine d’élégance et de vitalité, teintée de jazz, de blues, de hiphop et de folk. Une collection superbe pour musique jouée surtout en duets mais aussi en trio, en groupe ou en grand ensemble traditionnel : avec Fasséry Diabaté, fils de Kèlètigi qui suit avec tant de respect la voie de son père ("Djandjo", "Fosson", "Mankaira", "Souma" et "Sandiya", tous des duets balafon avec le père, sauf "Fosson" avec Kèlètigi au violon), les filles de Kèlètigi, Ata et Bintou Diabaté (voix ; "Yafa"), le Khassonké Habib Koïté (guitare "Koulandian" ; magnifique duet avec Kèlètigi), l’Ensemble Traditionnel du Mali sous la direction de Massambou Diallo ("Djarabi" et "Soundiata", le grand Prince Mandingue, dont l’épopée est très souvent chantée), Diawore Diarra, le flûtiste ("Sènè), Toumani Diabaté et Djelimady Tounkara, les virtuoses de la kora et de la guitare ("Nanga Mady" et "Kamadia", duets avec Toumani ; "Sontaoula", duet avec Djelimady), la chanteuse Many Diabaté ("Samba Koro", accompagné par Kèlètigi et Fasséry), et, le grand moment de l’album, le groupe de Habib, Bamada, qui accompagne Kèlètigi sur une libre adaptation du standard de jazz, "Summertime", interprété magnifiquement par une touche complète-mandingue ("Summertime à Bamako") ... MUSIC AT ITS VERY VERY BEST !
Le 30 novembre 2012, Kèlètigi Diabaté décède à Bamako. Même au dernier jour, il reste fidèle à ses convictions d’un musicien à fond : le matin, il répète à l’Institut Français, le soir, il ferme ses yeux à jamais. Il venait d’avoir 81 ans ...
Ala ka hinè i la, k’i dayòrò sumaya !
Discographie :
… sous son nom :
– Kèlètigi Diabaté (1996) : Kèlètigui Diabaté. Mission de Coopération Française au Mali. (cass.) – Kèlètigi Diabaté (2004) : Sandiya. Contre Jour.
… en participation dans :
– Les Ambassadeurs (1975) : Kanté Manfila et les Ambassadeurs – Ambassadeur, Mana Mana. Sonafric. (si) – Les Ambassadeurs (1975) : Les Ambassadeurs du Môtel – Super pitié, Bolola sanou. Sonafric. (si) – Les Ambassadeurs (1976) : Les Ambassadeurs du Môtel – Saranfing, Sabar. Sonafric. (si) – Les Ambassadeurs (1976) : Les Ambassadeurs du Môtel – Diandjon, Wara, Kibaru. Sonafric. (lp) – Les Ambassadeurs (1977) : Les Ambassadeurs du Môtel de Bamako. Vol. 1. Sonafric. (lp) – Les Ambassadeurs (1977) : Les Ambassadeurs du Môtel de Bamako. Vol. 2. Sonafric. (lp) – Div. Artistes (1988) : Legendary Bands of Mali. Stern’s Mali Music. – Div. Artistes (2006) : African Pearls 3 – Mali: One Day on Radio Mali. Discograph. – Div. Artistes (2008) : The Rough Guide to the Music of Mali. World Music Network. – Div. Artistes (2009) : Jazz around the World. Putumayo. – Adama Diabaté (1995) : Jako Baye. Stern’s Africa. – Toumani Diabaté & Ketama (1994) : Songhai 2. Hannibal. – Toumani Diabaté (1995) : Djelika. Hannibal. – Jonas (2006) : Bagages. RecRec. – Aly Keïta (2010) : Farafinko. Contre Jour. – Salif Keïta (1991) : Amen. Mango Rec. – Salif Keïta (2010) : La Différence. Emarcy Rec. – Amy Koïta (1986?) : Debe. Disque Espérance. – Amy Koïta (1988) : Tata Sira. Bolibana Rec. – Habib Koïté & Bamada (2001) : Baro. Putumayo. – Habib Koïté & Bamada (2003) : Fôly! Live around the World. Contre Jour. – Habib Koïté & Bamada (2007) : Afriki. Cumbancha/Exil. – Tata Bambo Kouyaté (1985) : Jatigui. Globestyle. – Bonnie Raitt (2002) : Silver Lining. Toshiba. – Boubacar Traoré (1999) : Maciré. Indigo. – Boubacar Traoré (2002) : Je chanterais pour toi. Marabi Prod. – Zap Mama (2007) : Supermoon. Concord.
(cass. = cassette ; lp = longplay/33 tours ; si = single/45 tours)
VIVE LE MALI !!!
Herbert
*en bambara, kèlètigi veut dire "chef de guerre, maître de guerre, celui qui commande à l’armée", sandiya ou sadiya veut dire "plaisanterie". **Charry, Eric (2000): Mande Music. Traditional and Modern Music of the Maninka and Mandinka of Western Africa. Chicago, London : The University of Chicago Press. ***Eyre, Banning (2000): In Griot Time. An American Guitarist in Mali. Philadelphia : Temple University Press, p.125.
Ce nom dit sans doute quelque chose à tous ceux qui parmi vous suivent le jazz de près et que j’entends déjà, devant mon enthousiasme, murmurer « encore un qui découvre l’eau chaude ». Tous les échos concernant Tigran Hamasyan sont unanimes. Jeune prodige. Virtuose du piano. Il faut dire qu’il n’a que 21 ans et que sa bio contient tout ce qu’il faut pour bâtir une légende. Né à Gyumri en Arménie l’année du tremblement de terre qui réduisit cette ville-martyre à néant, à 3 ans il chante en s’accompagnant au piano tous les standards des années 70, découvre le jazz à 7, se fait remarquer dans un festival international à Yerevan à 13, commence à tourner en Europe à 14, à rencontrer tout ce que le jazz moderne compte de grands et à cumuler les prix. Oui. Ca fait penser à quelqu’un d’autre, un gars, y a longtemps. Certains journalistes n’ont pas hésité à sauter le pas et parlent (déjà) de Mozart du jazz.
Pour ma part, j’aime le jazz mais je ne m’y intéresse pas suffisamment pour avoir eu écho de tout ça. Et ça tombe plutôt bien, car je déteste les jeunes prodiges acclamés de toutes parts, qui me font un peu penser à cette époque où le foot me bottait encore et où on nous sortait un nouveau magicien des surfaces de réparation tous les 6 mois, qui bien souvent valait ses aînés à grand-peine et devenait surtout assez vite un sale con dénué de tout génie à force d’être encensé. Bref, c’est donc une bénédiction que je n’aie pas eu vent de tous ces commentaires unanimes. Car sinon je n’aurais peut-être pas eu l’idée d’improviser une soirée concert à Dinard vendredi soir, après avoir entendu un morceau à la radio de chez nous qu’on a et m’être dit « ça c’est tout ce que j’aime dans le jazz ». Et je serais passé à côté d’un grand moment.
J’ai vu débarquer sur scène un petit bonhomme maigrichon, jean baggy, chemise criarde cintrée façon revival 70s, casquette à la Joni Mitchell fichée légèrement de travers, cherchant à dissimuler son visage de gamin derrière un collier épais de barbe noire étonnamment arrondi, dans un pur style Hassan Nasrallah (moi, il m’a surtout fait penser à mon regretté pote N., parti à peu près au même âge et originaire du même coin de planète, mais vous ne connaissez pas N., alors Hassan Nasrallah ça ira). Derrière lui, deux armoires à glace ayant à vue de nez le double de son âge, deux jumeaux, l’un rigolard, l’autre affichant une moue peu enthousiaste. François et Louis Moutin, contrebasse et batterie, deux sacrés musiciens pris individuellement, et surtout une paire rythmique réputée pour son jeu fusionnel et énergique.
Tigran a attaqué tout seul, tout en douceur, courbé sur son instrument dans une étrange pose d’araignée, le visage à quelques centimètres du clavier. C’était du jazz mais qui sentait quand même subtilement la formation classique et la technique et le toucher qui vont avec, ce qui était plutôt plaisant. La rythmique est entrée pas à pas dans le morceau. Au bout de 5 minutes, Louis avait balancé ses baguettes et effleurait fûts et cymbales avec le bout des doigts. Puis, le rythme a enflé progressivement jusqu’à atteindre une vitesse assez phénoménale et les mouvements des doigts de Tigran sont vite devenus invisibles à toute perception humaine. Commençant au niveau du pied droit, un irrépressible mouvement s’est propagé à l’ensemble de mon corps à tel point qu’à l’issue du premier morceau j’étais en nage, une première pour moi dans le fauteuil d’un concert de jazz. Avec ma moitié, on s’est regardé pendant les applaudissements et la seule chose qu’on a pu articuler, encore scotchés, c’est un inattendu « ‘tain, ça envoie ».
Le show fut une suite de chaud-froids - Tigran est visiblement amateur – alternances, parfois brutales, de passages lents et rapides. Il y a quelque chose de la « transe » dans son jeu qui s’appuie beaucoup sur des variations infinitésimales autour du même thème, variations qui s’accélèrent et gagnent sans cesse en intensité. C’est extrêmement enlevé, aérien, énergique - les pros diraient sans doute « progressif » mais je ne suis pas fan des étiquettes - d’une précision diabolique, avec une grande place laissée à l’improvisation sans que ça vire au n’importe quoi comme parfois. Les trajets empruntés peuvent surprendre, mais notre lascar retombe toujours de façon déconcertante sur le thème de départ. Le bonhomme sait assurément se mettre son public dans la poche, comme lorsqu’il annonce une nouvelle composition, Belle-Ile, « especially for you » (on est en Bretagne) : « I wrote it in Belle-Ile ». Quelques rires dans la salle devant l’évidence, puis il ajoute, d’une voix qui dissimule mal un grand sourire qui échappe à nos regards puisqu’il est de trois-quarts dos : « in a whisky store… ». Ce qui est également très plaisant, c’est de voir jouer un groupe, un vrai groupe, pas Tigran Hamasyan et ses accompagnants. Les morceaux font la part belle à François et Louis Moutin qui ont largement l’occasion de s’exprimer. Les trois musiciens sont à égalité sur scène - tous devant - disposés de façon à se faire face. Ils multiplient les signes de connivence, ne dissimulent pas la surprise admirative qui les traverse à l’écoute du talent de l’un ou de l’autre. Ils ont un plaisir visible et communicatif à jouer pour nous. Les frères Moutin, extrêmement complices, sont énergiques, jusqu’à l’impatience lors des passages lents, et le font savoir d’un regard à Tigran qui les tempère un peu en secouant légèrement la tête pour pouvoir caresser paisiblement son clavier quelques secondes de plus. Plus tard, c’est lui qui va, tout en continuant à jouer, jusqu’à souffler avec la bouche une séquence de batterie à Louis qui, visiblement sous le charme, n’osait interrompre un moment de grâce solo du jeune homme.
Lorsque Tigran annonce les deux derniers morceaux, il garde le micro à portée des lèvres, groupe ses mains en coupe tout autour et se lance dans une imitation vocale de batterie, façon human beat box. Une batterie jazz bien sûr, mais qui tourne à la rythmique hip hop de temps en temps. La contrebasse s’incruste subtilement, Louis le batteur se lève et arpente la scène en marquant le rythme de ses mains. Est-ce vraiment un concert de jazz ? Le public le suit en cadence 5 bonnes minutes, jusqu’à ce que le piano entre dans la danse, et c’est parti pour un morceau d’anthologie qui s’achève une fois de plus sur un rythme frénétique, devenu carrément rock. Et du rock plombé. Tigran bondit sur son siège à chaque accord, mettant tout son poids dans le riff d’outre-tombe qu’il nous livre. On voit gicler la sueur des cheveux de François, s’escrimant sur sa contrebasse. Louis, yeux mi-clos, visage déformé par l’effort, martèle sa batterie à un point tel qu’elle oscille dangereusement. Rock-n-roll !!! On se surprend à remuer dans tous les sens, lancé dans un furieux et assez inattendu headbanging : on serait à deux doigts du pogo si seulement il n’y avait pas ces #@§¤$% de fauteuils et surtout un public qui laisse augurer une bonne densité de ruptures du col du fémur au mètre carré. Et d’un coup, tout est calme et subtil, du toucher à l’état pur, on en redemande mais c’est déjà terminé. Il y a des fois où c’est court, deux heures. Tigran salue, sérieux et modeste : on sent l’éducation sévère avec les profs formés à l’école russe et les coups de branche de saule sur les doigts quand on loupe un accord. Les deux frangins l’encadrent, hilares, lançant des baisers au public enthousiaste qui s’est levé (enfin pour ceux qui peuvent).
Voilà. J’ai beaucoup parlé de rythme, de vitesse, mais soyez sûrs que précision et toucher ne sont pas en reste. Je ne sais pas si ça plairait à des puristes et, à vrai dire, je m’en fous, j’ai trouvé ça extraordinaire, sans doute mon meilleur concert tous styles confondus depuis longtemps. Je ne sais pas ce que ça donne sur cd, je ne sais pas ce que ça donne en solo - Tigran se produit aussi seul, mais si ce trio passe près de chez vous (il n’y a pas mal de concerts prévus en France), allez-y, vous m’en direz des nouvelles…
Tigran Hamasyan : piano François Moutin : contrebasse Louis Moutin : batterie
Pour ma part, j’aime le jazz mais je ne m’y intéresse pas suffisamment pour avoir eu écho de tout ça. Et ça tombe plutôt bien, car je déteste les jeunes prodiges acclamés de toutes parts, qui me font un peu penser à cette époque où le foot me bottait encore et où on nous sortait un nouveau magicien des surfaces de réparation tous les 6 mois, qui bien souvent valait ses aînés à grand-peine et devenait surtout assez vite un sale con dénué de tout génie à force d’être encensé. Bref, c’est donc une bénédiction que je n’aie pas eu vent de tous ces commentaires unanimes. Car sinon je n’aurais peut-être pas eu l’idée d’improviser une soirée concert à Dinard vendredi soir, après avoir entendu un morceau à la radio de chez nous qu’on a et m’être dit « ça c’est tout ce que j’aime dans le jazz ». Et je serais passé à côté d’un grand moment.
J’ai vu débarquer sur scène un petit bonhomme maigrichon, jean baggy, chemise criarde cintrée façon revival 70s, casquette à la Joni Mitchell fichée légèrement de travers, cherchant à dissimuler son visage de gamin derrière un collier épais de barbe noire étonnamment arrondi, dans un pur style Hassan Nasrallah (moi, il m’a surtout fait penser à mon regretté pote N., parti à peu près au même âge et originaire du même coin de planète, mais vous ne connaissez pas N., alors Hassan Nasrallah ça ira). Derrière lui, deux armoires à glace ayant à vue de nez le double de son âge, deux jumeaux, l’un rigolard, l’autre affichant une moue peu enthousiaste. François et Louis Moutin, contrebasse et batterie, deux sacrés musiciens pris individuellement, et surtout une paire rythmique réputée pour son jeu fusionnel et énergique.
Tigran a attaqué tout seul, tout en douceur, courbé sur son instrument dans une étrange pose d’araignée, le visage à quelques centimètres du clavier. C’était du jazz mais qui sentait quand même subtilement la formation classique et la technique et le toucher qui vont avec, ce qui était plutôt plaisant. La rythmique est entrée pas à pas dans le morceau. Au bout de 5 minutes, Louis avait balancé ses baguettes et effleurait fûts et cymbales avec le bout des doigts. Puis, le rythme a enflé progressivement jusqu’à atteindre une vitesse assez phénoménale et les mouvements des doigts de Tigran sont vite devenus invisibles à toute perception humaine. Commençant au niveau du pied droit, un irrépressible mouvement s’est propagé à l’ensemble de mon corps à tel point qu’à l’issue du premier morceau j’étais en nage, une première pour moi dans le fauteuil d’un concert de jazz. Avec ma moitié, on s’est regardé pendant les applaudissements et la seule chose qu’on a pu articuler, encore scotchés, c’est un inattendu « ‘tain, ça envoie ».
Le show fut une suite de chaud-froids - Tigran est visiblement amateur – alternances, parfois brutales, de passages lents et rapides. Il y a quelque chose de la « transe » dans son jeu qui s’appuie beaucoup sur des variations infinitésimales autour du même thème, variations qui s’accélèrent et gagnent sans cesse en intensité. C’est extrêmement enlevé, aérien, énergique - les pros diraient sans doute « progressif » mais je ne suis pas fan des étiquettes - d’une précision diabolique, avec une grande place laissée à l’improvisation sans que ça vire au n’importe quoi comme parfois. Les trajets empruntés peuvent surprendre, mais notre lascar retombe toujours de façon déconcertante sur le thème de départ. Le bonhomme sait assurément se mettre son public dans la poche, comme lorsqu’il annonce une nouvelle composition, Belle-Ile, « especially for you » (on est en Bretagne) : « I wrote it in Belle-Ile ». Quelques rires dans la salle devant l’évidence, puis il ajoute, d’une voix qui dissimule mal un grand sourire qui échappe à nos regards puisqu’il est de trois-quarts dos : « in a whisky store… ». Ce qui est également très plaisant, c’est de voir jouer un groupe, un vrai groupe, pas Tigran Hamasyan et ses accompagnants. Les morceaux font la part belle à François et Louis Moutin qui ont largement l’occasion de s’exprimer. Les trois musiciens sont à égalité sur scène - tous devant - disposés de façon à se faire face. Ils multiplient les signes de connivence, ne dissimulent pas la surprise admirative qui les traverse à l’écoute du talent de l’un ou de l’autre. Ils ont un plaisir visible et communicatif à jouer pour nous. Les frères Moutin, extrêmement complices, sont énergiques, jusqu’à l’impatience lors des passages lents, et le font savoir d’un regard à Tigran qui les tempère un peu en secouant légèrement la tête pour pouvoir caresser paisiblement son clavier quelques secondes de plus. Plus tard, c’est lui qui va, tout en continuant à jouer, jusqu’à souffler avec la bouche une séquence de batterie à Louis qui, visiblement sous le charme, n’osait interrompre un moment de grâce solo du jeune homme.
Lorsque Tigran annonce les deux derniers morceaux, il garde le micro à portée des lèvres, groupe ses mains en coupe tout autour et se lance dans une imitation vocale de batterie, façon human beat box. Une batterie jazz bien sûr, mais qui tourne à la rythmique hip hop de temps en temps. La contrebasse s’incruste subtilement, Louis le batteur se lève et arpente la scène en marquant le rythme de ses mains. Est-ce vraiment un concert de jazz ? Le public le suit en cadence 5 bonnes minutes, jusqu’à ce que le piano entre dans la danse, et c’est parti pour un morceau d’anthologie qui s’achève une fois de plus sur un rythme frénétique, devenu carrément rock. Et du rock plombé. Tigran bondit sur son siège à chaque accord, mettant tout son poids dans le riff d’outre-tombe qu’il nous livre. On voit gicler la sueur des cheveux de François, s’escrimant sur sa contrebasse. Louis, yeux mi-clos, visage déformé par l’effort, martèle sa batterie à un point tel qu’elle oscille dangereusement. Rock-n-roll !!! On se surprend à remuer dans tous les sens, lancé dans un furieux et assez inattendu headbanging : on serait à deux doigts du pogo si seulement il n’y avait pas ces #@§¤$% de fauteuils et surtout un public qui laisse augurer une bonne densité de ruptures du col du fémur au mètre carré. Et d’un coup, tout est calme et subtil, du toucher à l’état pur, on en redemande mais c’est déjà terminé. Il y a des fois où c’est court, deux heures. Tigran salue, sérieux et modeste : on sent l’éducation sévère avec les profs formés à l’école russe et les coups de branche de saule sur les doigts quand on loupe un accord. Les deux frangins l’encadrent, hilares, lançant des baisers au public enthousiaste qui s’est levé (enfin pour ceux qui peuvent).
Voilà. J’ai beaucoup parlé de rythme, de vitesse, mais soyez sûrs que précision et toucher ne sont pas en reste. Je ne sais pas si ça plairait à des puristes et, à vrai dire, je m’en fous, j’ai trouvé ça extraordinaire, sans doute mon meilleur concert tous styles confondus depuis longtemps. Je ne sais pas ce que ça donne sur cd, je ne sais pas ce que ça donne en solo - Tigran se produit aussi seul, mais si ce trio passe près de chez vous (il n’y a pas mal de concerts prévus en France), allez-y, vous m’en direz des nouvelles…
Tigran Hamasyan : piano François Moutin : contrebasse Louis Moutin : batterie
namaste. pour moi le must de la musique indienne c'est trilok gurtu😎 good trip a tous
Bonjour,
Y-aurait-il sur ce site des passionnés de Kathak ? (danse de l'Inde du Nord). Je viens de commencer un cours et je trouve vraiment extraordinaire. Si qqn veut échanger à ce sujet.....
Y-aurait-il sur ce site des passionnés de Kathak ? (danse de l'Inde du Nord). Je viens de commencer un cours et je trouve vraiment extraordinaire. Si qqn veut échanger à ce sujet.....
bonjour à tous!
je voudrais savoir si quelqu'un dans ce forum pratique ou à pratiqué la danse africaine?
je vais faire un stage cet été et j'aimerais en savoir plus!
ce que ça vous a apporter, qu'est ce que vous aimer dans cette danse...ect..
merci!
sara
Bonjour,
J'ai lu dans un post que le routard avait un jour sorti un cd de musiques de voyageurs (avec notamment "On the road again") ...
Quelles seraient vos morceaux si vous deviez vous faire un cd de 10 chansons "symboliques" ?
J'ai lu dans un post que le routard avait un jour sorti un cd de musiques de voyageurs (avec notamment "On the road again") ...
Quelles seraient vos morceaux si vous deviez vous faire un cd de 10 chansons "symboliques" ?
A tous ce qui le forum redonne le moral, je vous conseil une autre methode la musique. Moi quand j'ai pas le moral je me mets un bon morceau et op je reparts (je ne fais pas de pub pour une celebre marque de friandise🤪).
Vous devez avoir quelques bons morceaux faites nous les partager!! Moi rien de mieux que le Ska avec des groupes telque ska-p ou yela mela (ou melo oups!!!) ou encore walter olmos et pk pas terminer avec un bon sbrena krila!!😎
a+ et bonne ZIC!!!!!!!!!
a+ et bonne ZIC!!!!!!!!!
